Los espacios deshabitados en la composición visual

El espacio negativo es un recurso compositivo en la fotografía, se refiere al espacio "deshabitado" que rodea al sujeto principal o al centro de interés de la imagen. El espacio negativo es el espacio vacío o libre entre los elementos de una fotografía. Es a menudo visto como un espacio desperdiciado o vacío, pero en realidad puede ser una herramienta poderosa para crear equilibrio, profundidad y tensión en una imagen. En la fotografía, el espacio negativo puede utilizarse de muchas maneras diferentes. Cómo resaltar el sujeto principal de una imagen, para crear una sensación de equilibrio y simetría, o para añadir profundidad y perspectiva. También puede utilizarse para crear un sentido de movimiento o tensión en una imagen. Lo podemos observar magistralmente aplicado en la obra de:

Moonrise, Hernandez, New Mexico (1941)

Ansel Easton Adams: Es uno de los fotógrafos más importantes de la historia reciente, y su trabajo se caracteriza por su uso de la luz y la forma. Adams fue un maestro del espacio negativo, y a menudo utilizaba grandes áreas de sombra para crear un efecto dramático en sus fotografías.

Behind the Gare Saint-Lazare (1932)

Henri Cartier-Bresson: Fue un fotógrafo documentalista que es conocido por su trabajo en blanco y negro. Su uso del espacio negativo fue esencial para crear sus imágenes icónicas, que a menudo capturan momentos fugaces de la vida cotidiana.

Robert Capa: Fue un fotógrafo de guerra muy conocido por su fotografía documental durante la Segunda Guerra Mundial. Su uso del espacio negativo ayudó a crear un sentido de tensión y drama en sus fotografías.

Dorothea Lange: Fue una fotógrafa documentalista que es conocida por su trabajo sobre la Gran Depresión. Su uso del espacio negativo ayudó a crear un sentido de empatía y compasión en sus fotografías.

Edward Weston: Que fue un fotógrafo modernista que es conocido por su trabajo en blanco y negro. Su uso del espacio negativo ayudó a crear un sentido de simplicidad y belleza en sus fotografías.

Una de las formas más comunes de utilizar el espacio negativo es para destacar el sujeto principal de una imagen. Al colocar el sujeto principal en un espacio vacío, se puede crear una sensación de aislamiento y énfasis. Esto puede ser especialmente eficaz para crear un sentido de misterio o intriga en una imagen. Imagina por ejemplo, una fotografía de un árbol solitario en medio de un campo vacío crearía una sensación de aislamiento y soledad. Una fotografía de una persona caminando por una calle vacía crearía una sensación de misterio o suspense. Permitir que la ley de la mirada se desarrolle y cobre sentido.

El espacio negativo, también puede utilizarse para formar una sensación de equilibrio y simetría en una imagen. Al colocar los elementos de una imagen de manera equilibrada, se puede crear una sensación de armonía y calma. Esto puede ser especialmente eficaz para crear un estado de ánimo tranquilo o contemplativo en una imagen. Por ejemplo, una fotografía de un lago tranquilo con un árbol en el centro crearía una sensación de equilibrio y simetría. O, una fotografía de un jardín con flores y árboles dispuestos de manera uniforme crearía una sensación de armonía y paz.

El espacio negativo podrá utilizarse para establecer profundidad y perspectiva a una imagen. Al utilizar líneas de perspectiva u otros elementos para guiar la atención del espectador hacia el fondo, se puede crear una sensación de profundidad y distancia. Esto puede ser especialmente eficaz para crear una sensación de escala o grandeza en una imagen. Por ejemplo, una fotografía de un tren que se acerca en la distancia crearía una sensación de profundidad y perspectiva. O, una fotografía de un edificio alto con un cielo azul crearía una sensación de escala y grandeza.

Finalmente, el espacio negativo también podría utilizarse para crear un sentido de movimiento o tensión en una imagen. Al colocar los elementos de una imagen de manera que sugieren movimiento, se puede crear una sensación de energía y dinamismo. Esto puede ser especialmente eficaz para crear una sensación de acción o emoción en una imagen. Por ejemplo, una fotografía de una ola rompiendo en la costa crearía una sensación de movimiento y tensión. O, una fotografía de un atleta en pleno movimiento crearía una sensación de acción y emoción. El espacio negativo es una herramienta poderosa que puede utilizarse para crear una variedad de efectos diferentes en una fotografía. Al utilizarlo de manera creativa, los fotógrafos pueden crear imágenes más equilibradas, profundas y expresivas. Descubramos juntos algunos consejos para aplicar el espacio negativo en la fotografía.

Aquí hay algunos consejos para utilizar el espacio negativo en la práctica de la fotografía. Experimenta con diferentes composiciones. No hay una forma correcta o incorrecta de utilizar el espacio negativo. Experimenta con diferentes composiciones para ver lo que funciona mejor para ti. Utiliza líneas y formas para guiar la atención del espectador. Las líneas y las formas pueden ayudar a dirigir la atención del espectador hacia el sujeto principal de una imagen. Considera el contexto de la imagen. El espacio negativo puede utilizarse para crear diferentes efectos dependiendo del contexto de la imagen. Por ejemplo, el espacio negativo puede utilizarse para crear una sensación de aislamiento en un retrato, o para crear una sensación de profundidad en una fotografía de paisaje. No tengas miedo de dejar espacio vacío. El espacio vacío puede ser tan importante como los elementos mismos. No temas dejar "espacio desierto" en tus imágenes para crear un efecto de equilibrio y profundidad.

A continuación, te comparto algunas formas en que puedes aplicar el espacio negativo en la producción de fotografías:

El espacio negativo puede ayudar a destacar el sujeto principal de la imagen al permitir que se destaque en contraste con el espacio vacío que lo rodea. Al reducir la cantidad de elementos en la imagen, el espacio negativo puede ayudar a enfocar la atención del espectador en el sujeto principal.

El espacio negativo puede ayudar a crear una sensación de equilibrio en la imagen al permitir que el sujeto principal respire y tenga espacio para "moverse". Al equilibrar el espacio positivo con el espacio negativo, se puede crear una sensación de armonía y equilibrio en la imagen.

El espacio negativo puede ser una herramienta útil para ayudar a narrar una historia en la imagen al proporcionar contexto y profundidad. Al incluir elementos en el espacio negativo que se relacionen con el sujeto principal, se puede crear una sensación de narrativa en la imagen. El espacio negativo -además- puede ayudar a crear una sensación de movimiento en la imagen al permitir que el sujeto principal se mueva a través del espacio vacío. Al incluir elementos en el espacio negativo que sugieren movimiento o dirección, se puede crear una sensación de dinamismo en la imagen. En resumen, el espacio negativo es un recurso compositivo importante en la fotografía que puede ayudar a destacar el sujeto principal, crear una sensación de equilibrio, contar una historia y crear una sensación de movimiento. Al utilizar el espacio negativo de manera efectiva, se puede mejorar la calidad y el impacto visual de las fotografías.

En la práctica de la fotografía puede generar en el observador sensaciones de equilibrio, armonía, profundidad, narrativa y movimiento, entre otras. Al utilizar el espacio negativo de manera efectiva, se puede mejorar la calidad y el impacto visual de las fotografías y ofrecer al observador una experiencia visual más rica y completa. En la producción de retratos sacar al sujeto de interés del centro traerá beneficios narrativos, esto permite que el espacio vacío alrededor del sujeto se convierta en un elemento importante de la composición. Como también colocar el espacio negativo delante del sujeto principal (ley de la mirada) puede provocar la sensación de que la acción sucede en progresión a él, lo que puede ser una forma efectiva de contar una historia a través del espacio en blanco. Otra aplicación compositiva para crear retratos más dinámicos es utilizar el espacio negativo para rodear al sujeto principal en la imagen. Juega con la proporción de espacio negativo y espacio positivo intenta ajustar la proporción de espacio negativo y espacio positivo en la imagen, se puede crear una sensación de equilibrio y armonía en la composición. Aprovecha el espacio negativo para incluir elementos secundarios que agreguen sentido a la narrativa de tu historia.

Existen algunos tipos de fotografías que se benefician más con el uso del espacio negativo como en la fotografía minimalista que se caracteriza por la simplicidad y la reducción de elementos a lo esencial. El espacio negativo es un recurso compositivo fundamental en la fotografía minimalista, ya que permite enfocar la atención del espectador en el sujeto principal y crear una sensación de armonía y equilibrio en la imagen.

También nos vendrá bien en la producción de fotografía de retratos ya que se beneficia del uso del espacio negativo al permitir que el sujeto principal respire y tenga espacio para "moverse". Al balancear el espacio positivo con el espacio negativo, se puede crear una sensación de profundidad y dar más importancia al sujeto principal. En el paisaje podemos observar cómo se beneficia del uso del espacio negativo al permitir que el sujeto principal se destaque en contraste con el espacio vacío que lo rodea. Al reducir la cantidad de elementos en la imagen, el espacio negativo puede ayudar a enfocar la atención del espectador en el paisaje y crear una sensación de armonía y equilibrio en la imagen. El paisaje urbano aplicado a fotografía de arquitectura se beneficia del uso del espacio negativo al permitir que el sujeto principal se destaque en contraste con el espacio vacío que lo rodea. Al reducir la cantidad de elementos en la imagen, el espacio negativo puede ayudar a enfocar la atención del espectador en la arquitectura y crear una sensación de armonía y equilibrio en la imagen.

En las fotografías de la naturaleza para crear una sensación de calma y tranquilidad. Por ejemplo, una fotografía de un lago tranquilo con un cielo azul crearía una sensación de calma, mientras que una fotografía de un bosque con un cielo nublado crearía una sensación de tranquilidad. El espacio negativo puede utilizarse en las fotografías callejeras (Street photography) para crear una sensación de misterio o intriga. Por ejemplo, bien podría ser una fotografía de una persona caminando por una calle sin más personas pues crearía una sensación de misterio, mientras que una fotografía de una persona hablando por teléfono en un café crearía una sensación de intriga. Te invito a completar tu comprensión del espacio negativo a través del siguiente vídeo:

¿Qué has descubierto a través del espacio negativo aplicado a la composición visual de tus fotos? ¿Cómo los vas a utilizar en tus próximos proyectos?

Qué estés bien,

Aplicar una vignette a tus imágenes

Origen de la viñeta. A razón de las propiedades físicas de la luz -que al pasar a través del objetivo de nuestras cámaras de fotografía- no resulta posible obtener una misma cantidad de luz en los bordes del círculo como en su parte central (la luz que llega a los bordes debe viajar más lejos, por lo tanto disminuye más). Este descenso de la luz crea una reducción muy leve de la exposición en las esquinas de la imagen y a este halo gradualmente oscurecido de las esquinas es lo que se conoce como viñeteado. Como ya hemos visto la luz disminuye en proporción del cuadrado de la distancia que recorre, la luz que viaja más lejos -o desde el objetivo hasta el borde del círculo, o desde el objetivo hasta la parte central- siempre resultará ligeramente atenuada.

Efecto viñeta

Todos los objetivos presentan ligeras pérdidas de luz hacia los bordes, pero los objetivos de gran angular y algunos objetivos con telefotos zoom son más propensos debido su diseño óptico. Asimismo, un objetivo por lo general mostrará un viñeteado mayor cuanto más amplia sea la apertura del diafragma. Cuando se diseña un objetivo, sus prestaciones estarán determinadas por aspectos como la física óptica, el precio y las complejidades de su fabricación. En cualquier caso, es casi imposible fabricar el objetivo perfecto, por lo que cada uno presentará un mayor o menor escala de irregularidades ópticas según su diseño de fábrica. Las más comunes suelen ser el efecto viñeta, que provoca que las esquinas de una imagen sean un poco más oscuras que el centro como resultado de la pérdida de luz, y la aberración cromática o distorsión de color a lo largo de los bordes de alto contraste ante la imposibilidad del objetivo de enfocar distintos colores o longitudes de onda de luz en el mismo punto.

¿Qué es la viñeta? Hoy vamos a iniciar con una definición que nos acerque a una mejor comprensión de qué se trata. Viñeteo (viñeteado), es el nombre que reciben las variaciones de iluminación y balance cromático con simetría radial causadas por la geometría de los sistemas ópticos (objetivos), traduciéndose en bordes más oscuros. Este efecto se hace notorio, sobre todo, en las cuatro esquinas de la imagen con una pérdida parcial de información. El viñeteado, es -en palabras más sencillas- la aparición de bordes oscuros en las fotografías. Este efecto se produce en aquellas ocasiones en las que el campo de visión del objetivo se ve afectado por la interposición de elementos que afectan al ángulo de visión. Una viñeta en fotografía se puede entender también, como una pequeña ilustración o fotografía de retrato que se desvanece en su fondo sin un borde definido. Se deriva estrechamente del significado original del término en términos generales; una breve descripción, relato o episodio evocador. El efecto viñeta hace que la imagen en sí sea más atractiva de lo que  originalmente era pues contribuye a graduar un límite suave alrededor de los bordes de la foto, lo que hace que los ojos de los espectadores se dirijan hacia el centro, donde el sujeto suele estar sentado. Cuando tienes una composición alineada al centro, las viñetas mantienen a las personas enfocadas en ellos, eliminando los detalles de fondo que distraen. Las viñetas pueden resultar especialmente eficaces en retratos y macrofotografías. 

Viñeteado óptico, es un oscurecimiento continuado desde el centro hasta los bordes de la imagen. Resultan más comunes en objetivos con grandes aperturas o cilindros. La luz que ingresa a la cámara puede ser bloqueada por el cilindro y las lentes gran angular, ya que la luz tarda más en viajar desde el borde de la lente hasta el centro, lo que genera una falta de brillo. El viñeteado es más pronunciado con el iris o diafragma en su máxima apertura y puede evitarse cerrando el diafragma. Este tipo de viñeteado puede notarse al fotografiar una superficie homogénea con la misma luminosidad. Otra causa de la pérdida de información en las esquinas de la escena puede ser la construcción del objetivo y la disposición de las ópticas con relación al ángulo de incidencia de la fuente de la luz. Las cámaras DSLR con marco completo o Full Frame cuyos lentes están fabricados para cubrir el sensor de forma muy justa. Aun así existen lentes que son capaces de cubrir todo el sensor o más como lo son los Sigma Art o los Zeiss Otus. ¿Para qué querríamos cubrir mucho más que el área del sensor? Hay algunos lentes que se exceden al cubrir más área que  sensor. Esto lo hacen por una razón, pues así se logra mayor calidad óptica y menor viñeta residual. No siempre se hará notorio a razón de las cualidades ópticas del mismo objetivo, observemos qué pasa durante la posproducción.

El efecto viñeta en la edición, consiste en oscurecer gradualmente con fines estéticos las cuatro esquinas de una foto. Los fotógrafos suelen utilizarlo como efecto creativo para que la atención del espectador se centre directamente en el sujeto, como en el caso de los retratos y product shots. Las viñetas se pueden crear utilizando ciertos filtros o bien, añadirse en el posprocesamiento con Photoshop.

¿Si deseas agregar el efecto viñeta en la etapa de edición de la foto? Las herramientas disponibles dentro del software de edición Photoshop te brindarán más control sobre la intensidad de la sombra y el área que la viñeta ocupará. Para aplicar un efecto viñeta en Photoshop, sigue estos sencillos pasos: Recuerda que siempre vas a trabajar sobre una copia del archivo original que previamente has seleccionado. En el menú filtro, elige corrección de lente. En el cuadro que aparecerá, selecciona la pestaña a medida. Luego de esto, deberías ver dos controladores que te permiten regular el efecto viñeta. Con el regulador cantidad, se ajusta la intensidad de la viñeta, mientras que el regulador punto medio sirve para determinar al área de viñetas. Cuando hayas conseguido el efecto deseado, dale aceptar para que la viñeta se aplique a la foto.

También podrás valerte de una lámpara de destellos o flash, esta puede iluminar la zona central de la imagen. A su vez tendrá dificultad para iluminar las zonas periféricas. Este efecto puede producirse con cualquier cámara digital cuando se utiliza un objetivo gran angular con un flash de estudio. Pero, es más probable que ocurra cuando se utiliza el flash incorporado de la cámara, que es menos potente que un flash externo de los que se coloca sobre la zapata caliente. ¿Por dónde vamos a empezar? Coloca un fondo de papel Savage, cartulina Iris u otro como ciclorama, justo en el centro apunta el foco de la lámpara de destellos ya sea con una campana o un cono, utiliza un objetivo angular, con el anillo de enfoque desenfoca ligeramente la textura del fondo, toma varias fotos con variaciones de la apertura del diafragma -número efectivo- para después seleccionar la opción que te funcione mejor como fondo. Si deseas una viñeta muy ligera cierra un poco o disminuye el ángulo de visión mediante el zoom del objetivo. Si se utiliza un flash en la zapata de la cámara, es recomendable utilizar un difusor o un flash de rebote para ampliar el ángulo de iluminación. Esta opción -viñeta con flash- posee la virtud de proveer variaciones del tono del mismo color del fondo y no sólo un oscurecimiento gradual.

A causa del sensor digital de la cámara, pues este es una superficie plana, por lo que, aunque la mayor parte de la luz que entra por la lente incide de frente, la luz de los bordes a menudo incide en el área exterior de los sensores planos en ángulo. Esto puede hacer que los bordes de estas imágenes parezcan más oscuros.

También se podrá producir una viñeta mecánica cuando se elige la lente incorrecta para su toma, ya que no toda la luz incide en el sensor como debería. También se pueden crear viñetas mecánicas cuando agregas filtros que no poseen el tamaño correcto para su cámara o el diámetro del objetivo. Igualmente, existe la viñeta artificial que surge cuando intencionalmente, ya sea a través de una combinación de lentes, filtros y efectos de una cámara o en la edición. Estas viñetas son las más fáciles de controlar. Observemos un tutorial que nos ayudará a agregar en postproceso una capa de viñeta:

Gracias por llegar hasta el final de este post, espero que todo lo que hemos compartido te resulte útil y que puedas aplicar con buen gusto la viñeta a tus proyectos de fotografía, publicidad gráfica y de vídeo para dirigir la atención intencionalmente al centro de interés. 

Hasta pronto. Qué estés bien,

El valor de exposición correcto

Hoy vamos a tratar de dar respuesta a la pregunta ¿Qué es la exposición? Vamos a explorar algunas ideas que nos van a ayudar a acercarnos para conocer mejor la exposición.

Es la cantidad de luz que recibe la cámara para construir una imagen o foto. La exposición, es la cantidad de luz que recibe un material fotosensible -el sensor digital- hasta formar una imagen, es una combinación del tiempo y del nivel de iluminación recibido por el material fotosensible reaccionando hasta formar una imagen correcta.

La van a afectar tres factores que se mezclan entre sí para darnos varias posibles soluciones: La fotosensibilidad ISO, el caudal generado por la apertura del diafragma y la velocidad de obturación o tiempo de la exposición. La luz que pasa a través del objetivo -las lentes- hacia el sensor de la cámara durante una medida de tiempo determinada, la cantidad de luz que llega a la cámara determinará el aspecto final de la imagen. Se trata de la acción de someter un elemento fotosensible -el sensor digital- a la acción de la luz.

Si tienes algún conocimiento de física o comprensión de la luz entonces, entenderemos por exposición, el número total de fotones -partícula mínima de energía luminosa o de otra energía electromagnética que se produce, se transmite y se absorbe- que recibe cada zona del sensor durante el proceso de captura de la foto.

Ahora que nos ha quedado claro el concepto de exposición, vamos a conocer mejor las herramientas que podemos utilizar desde la cámara DSLR para formar imágenes fotográficas. Juntas estas tres, se pueden graficar como un triángulo equilátero, solo es una ayuda para que las logremos comprender mejor.

El valor de exposición, es una expresión numérica que combina los efectos de la apertura y la velocidad de obturación sobre la exposición y conlleva un equilibrio entre las luces y las sombras consiguiendo detalle, color y todos los tonos posibles.

Gráfico del EV en la interfaz de Canon.

Valor de exposición correcto: EV=0. Cuando la apertura del diafragma y la velocidad de exposición junto a la sensibilidad del ISO muestran una lectura óptima o nivel de exposición (EV) cero, los tonos obtenidos son correctos, no hay exceso de luz ni de sombras, hay una escala de tonos desde el blanco, al gris hasta alcanzar el negro (rango dinámico).

Valor de exposición cero. Exposición correcta.

Las cámaras cuentan con una herramienta llamada exposímetro que nos calcula la lectura correcta. El valor de exposición (EV) resume en un solo número el resultado de los factores que intervienen en la exposición, así de la manera más sencilla nos dice si el sensor recibirá la cantidad correcta de luz durante la toma.

Exposición correcta EV=0 (Modelo: Ana G. Mejía).

La exposición correcta de una imagen, es aquella que muestra un balance adecuado entre las luces y sombras, lo que se logra mediante la elección adecuada de los ajustes de la cámara antes de tomar la foto. Si la imagen está correctamente expuesta, se pueden recuperar detalles en las altas luces y áreas oscuras durante la edición posterior sin perder calidad de imagen.

Sobreexposición EV=+2 (Modelo: Ana G. Mejía).

Sobreexposición: Se produce cuando la apertura del diafragma es mayor a la medida necesaria o el tiempo de exposición del obturador superó el tiempo correcto, se manifiesta con imágenes muy pálidas con exceso de áreas claras donde sobresale el blanco. En casos muy extremos se dice que se quemó la foto por el exceso de luz, observamos una pérdida de texturas, color, detalles y un aumento de blanco. La sobreexposición, es cuando una imagen es capturada con una cantidad excesiva de luz, lo que resulta en una imagen demasiado brillante y con una falta de detalle en las áreas más claras de la foto. Esto puede ser el resultado de una variedad de factores, como el uso de una configuración de apertura demasiado amplia, una velocidad de obturación demasiado lenta o el uso de una sensibilidad ISO demasiado alta.

Subexposición EV=-2 (Modelo: Ana G. Mejía).

Sub exposición: Se produce cuando la apertura del diafragma es menor a la medida necesaria o el tiempo de exposición del obturador es menor al tiempo correcto, se manifiesta con imágenes muy oscuras con exceso de áreas grises donde sobresale el negro.

Es muy importante experimentar frecuentemente y probar todos los ajustes de la cámara disponibles para encontrar la exposición correcta para cada situación de fotografía, y así lograr imágenes con una correcta exposición que muestre todos los detalles de la escena. Será oportuno para mejorar nuestra comprensión de la exposición dediquemos algo de tiempo a practicar con algunas herramientas que simulan en parte lo que haremos desde una cámara de fotografía DSLR. Dale clic a Imágenes Andersen, Cámara SIM y el Simulador DOF.

Qué estés bien,

Ritmo visual en la fotografía

El ritmo es un concepto visual básico que debe comprenderse para crear las composiciones de dibujo y fotografía. Se entiende por ritmo como un flujo de movimiento, generado por la repetición de elementos visuales iguales o diferentes. Se trata de la relación que establece entre forma y espacio según un orden o patrón predeterminado. En todo ritmo visual se dan dos componentes: por un lado, la periodicidad, lo que implica la repetición de elementos o grupos de elementos y, por otro, la estructuración, que podría entenderse como el modo de organización de esas estructuras repetidas en la composición. El ritmo visual es un elemento más de la composición fotográfica y se basa en la disposición de formas en un plano. Cuando estas formas se organizan de forma repetida y ordenada y de manera constante o variable, como patrones, estamos introduciendo ritmo en la imagen. También, es la disposición de las figuras cuadradas, circulares, rectangulares -entre muchas más- que crean una armonía visual al estar ordenadas y repetidas, siguiendo un patrón. Se utiliza para brindar dinamismo y esto crea un movimiento fotográfico. Lo podríamos observar como un elemento dinámico, que se relaciona con la temporalidad en la percepción de una imagen. Es una sucesión armónica de espacio ocupado, de espacio libre, de formas repetidas de una imagen. Todo tipo de sucesión genera una trayectoria que organiza la superficie y hace que la composición se perciba como impulsos dinámicos. Estas trayectorias pueden ser horizontales, verticales, inclinadas, concurrentes a un mismo punto, en fin.

En este caso, cuando se da una repetición de unidades relacionadas entre sí por su forma o significado se habla de la presencia de isotropías.

Podremos distinguir entre algunos tipos de ritmo que nos serán útiles:

Ritmo por alteración. Se trata de elementos no homogéneos que repiten en un patrón determinado.

Ritmo por simetría. Cuando los elementos homogéneos se alejan o se acercan a partir de un eje central y en sentido opuesto. En este las formas se repiten a ambos lados de un eje imaginario como si hubiera un espejo que las refleje. El fotógrafo parte de una línea llamada eje de simetría central para colocar a cada lado elementos exactamente iguales.

Ritmo por radiación concéntrica. Tiene un sentido circular en el que los elementos se alejan o acercan según un patrón. Es una modalidad de la simetría, consiste en la repetición circular y simétrica de un motivo, alrededor de un centro. Es el que parte de un punto central y se expande progresivamente a partir de él.

Ritmo por progresión. En este ritmo los espacios entre los elementos homogéneos varían proporcionalmente, según un mismo patrón. Se representa con una disminución o ampliación progresiva y regular de un elemento, de su tamaño, de su orientación o de su color. Tiene un sentido dinámico, que se obtiene a través de una progresión de etapas y de formas.

Ritmo uniforme o continuo: Se produce cuando una figura se repite a intervalos regulares y conserva su tamaño. Cada espacio vacío marca la velocidad del ritmo, de modo que si el espacio libre es amplio, el ritmo es más lento.

Ritmo alterno: Ocurre cuando se repite más de una figura a intervalos constantes. La utilización de varios elementos con diferentes formas, colores, o texturas y la alternancia de espacios vacíos, producen una sensación de mayor movimiento.

Ritmo decreciente y creciente: Este tipo de ritmos puede crecer o decrecer por una sucesión de tamaños, grosores, alturas o colores, produciéndose una sensación de tensión progresiva y un movimiento, que se intensifica cuando aumenta la dirección, o disminuye si se ralentiza. La combinación de ambos, es decir, la sucesión periódica de aumento de intensidad seguida de su disminución, provoca un movimiento de oscilación ondulada.

Que estés bien,

El ISO: Sensibilidad a la luz

Hace algunos años atrás, para ir a tomar fotos -antes- pasábamos al supermercado y comprábamos bobinas de película de 35 mm. en chasis de metal, solían venir en rollos de 12, 24 o 36 exposiciones y con algún truco se lograba obtener dos exposiciones extra de cada rollo. En el mueble de los rollos podías -además- seleccionar películas con ISO 100, 125, 200, 400 y 800. Con esto te preparabas para tomar tus fotos en un escenario con abundancia de luz (ISO 100) o con poca luz (ISO 800) o también, si lo que estás por fotografiar se encuentra en reposo o en movimiento. ¿Qué es entonces, eso del ISO?

La sensibilidad, en fotografía, es la susceptibilidad a la acción de la luz de una emulsión de la película expresada numéricamente a efectos del cálculo de la exposición. Hace un tiempo había en uso muchos sistemas, tanto particulares como nacionales, entre ellos el H&G (Hurter y Driffield), el Scheiner, el Weston, el BSI (British Standards Institution), el DIN (Deutsche Industrie Norm), el GOST (Gosudarstvenny Obshchesoyuzny Standart) y el ASA (American Standards Association). En virtud de los recientes acuerdos internacionales ISO, los sistemas DIN y ASA se incorporan a un nuevo sistema conocido como ISO (International Standards Organization). En este 100 ASA (21º DIN) se convierten en ahora en 100/21º ISO, aunque hoy día solo se le identifica como ISO 100 en la práctica diaria.

La sensitometría, es la responsable de conocer, investigar y estudiar aquellos materiales que son sensibles a la luz. Es la ciencia que estudia el comportamiento de los materiales fotográficos. La técnica de la sensitometría tiene sus orígenes en el trabajo desarrollado por Ferdinand Hurter y Vero Charles Driffield cerca del año de 1876, con algunas de las primeras emulsiones fotosensibles en blanco y negro. Las sensibilidad ISO, junto a los pasos de apertura del diafragma y las velocidades obturación forman el triángulo de la exposición:

Según la normativa ISO -técnicamente- la sensibilidad efectiva se halla de la siguiente manera: Es la proyección en el eje horizontal (la exposición) del punto donde la curva alcanza un valor de 0.1 por encima de la densidad de la B+V, cuando una diferencia de exposiciones de 1.3 Log E (equivalente a 4 diafragmas y 1/3) produce un rango de densidades de 0.8.  La normativa ISO 12232 describe cómo medir la sensibilidad con la imagen digital, la cual permite que las sensibilidades ISO sean equivalentes en digital y en película. En la práctica, se espera que un ajuste ISO para una película o para una cámara digital con la misma iluminación para el sujeto y utilizando un objetivo similar, produzca en una exposición (EV) igual en el plano focal.

El estudio sensitométrico. Se estudia cómo responde un material ante la presencia de la luz y el revelado. Se mide cuál es el grado de ennegrecimiento que producen una serie de exposiciones, desde la más pequeña hasta una excesiva. Todo ello se mide sobre un material en concreto y después de un revelado. En este estudio, lógicamente, se tienen en cuenta todos los factores que participan en el proceso. Así pues, sólo será aplicable en esas condiciones, con ese material y ese revelado. Para hacer un "auténtico" estudio sensitométrico de un material se necesitan un sensitómetro y un densitómetro. El sensitómetro, es un aparato que sirve para exponer tiras sensitométricas con alta precisión. El densitómetro es esencial y sin él no se puede hacer un estudio completo, su función es medir la densidad de un punto determinado de un material cualquiera.

En la actualidad, la película que solía estar en plano focal/nodal está substituida por el  sensor digital.  En la parte posterior del cuerpo de la cámara hay un espacio que conocemos como plano focal; se le llama "focal" al plano en el que el objetivo proyecta a foco la imagen del objeto o motivo de una fotografía, lo que significa que en el plano focal se encuentra nuestro punto nodal (donde convergen los ases de luz de las lentes del objetivo) y es exactamente en ese lugar donde se coloca el sensor de la cámara. El sensor digital de la cámara, es aquella pieza de hardware localizada en el interior del cuerpo de la cámara, el cual recibe y transmite la información necesaria para producir la imagen. La función del sensor, está en detectar y capturar la información que compone la imagen. Esto se logra al convertir la atenuación de las ondas de luz en señales eléctricas. Las ondas capturadas por el sensor pueden ser luz u otro tipo de radiación electromagnética. Se trata de una matriz de elementos fotosensibles que funciona convirtiendo la luz que capta en señales eléctricas, que luego pueden ser convertidas, analizadas, almacenadas y representadas a posterioridad como un patrón, bien sea analógico (como una señal de barrido o escaneo) o digital (con el consiguiente muestreo y la conversión numérica de los valores de luminosidad.

Los elementos fotosensibles del sensor se conocen como pixel, palabra proveniente del acrónimo de picture element. El número de píxeles del sensor se suele medir en cantidades como millones de píxeles (o megapíxeles, Mpx). De forma general se puede decir que mayores cantidades indican la posibilidad de imprimir (o visualizar) fotos a tamaños más grandes y con menores pérdidas de calidad. Los píxeles de mayor tamaño tienden a generar una mejor calidad de imagen y una mayor sensibilidad. La menor sensibilidad la encontramos al utilizar un ISO 100 o nativo, mientras en el extremo opuesto la mayor sensibilidad a la luz la encontramos en el ISO 6 mil 400. Así entendemos que la sensibilidad es inversamente proporcional a la intensidad de luz disponible: Cuanta mayor luz haya en el ambiente o escena, menor sensibilidad ISO deberás o tendrás que utilizar y al contrario.

Sensor Sony IMX661

Actualmente, el mayor sensor disponible es uno del tipo CMOS denominado IMX661 con tecnología global shutter y posee una resolución de 127.68 Mpíxeles, la mayor de la industria en un sensor de este tipo hasta 2023 es de 3.45 x 3.45 μm y tiene un total de 13 mil 400 x 9 mil 528 píxeles efectivos, es fabricado en Japón por Sony.

Tipos de submuestreo de la crominancia

Archivos de imagen en la ingesta. Al conjunto de datos que se generan desde el sensor y que forman un paquete de datos no procesados de la imagen, comúnmente se les conoce como archivo RAW. Para proyectos de cine digital también se utiliza el material logarítmico -LOG- que se concentra en almacenar la mayor cantidad de datos de la luminancia y restando espacio a los datos de crominancia, mismos que se podrán rescatar en el postproceso del material grabado. En el mercado actual existen opciones optimizadas de estos como los HLG de Sony (Hybrid Log Gamma). También, son muy utilizados los archivos Rec709. Veamos un resumen acerca del ISO en el siguiente vídeo:

Para generar mayor cantidad y variedad de colores se debe contar con mayor cantidad de bits en la profundidad de color, que es la que define la cantidad de color que almacenará la imagen. En la fotografía, el término rango dinámico describe al intervalo presente entre los valores máximos y mínimos de intensidad lumínica (blanco y negro, respectivamente). El ojo de los seres humanos posee un rango dinámico equivalente a entre 20 y 25 f-stops. A esta fecha, las cámaras digitales profesionales suelen contar con un rango dinámico de entre los 14 o 15 f-stops, mientras que las cámaras más simples cuentan con rangos dinámicos de 8, 10 o 12 f-stops, dependiendo del quien es su fabricante, cuál es el modelo y cuando fue su año de fabricación.

Ruido digital que acompaña al ISO

La sensibilidad ISO controla la cantidad de luz que necesita nuestra cámara para hacer una fotografía. El ISO controla la sensibilidad lumínica de la cámara. Si la luz es muy abundante y brillante, se demandan valores de ISO más bajos, mientras que aquellas situaciones más oscuras -luz crítica-  se hace necesario emplear valores de ISO más altos. Con esto también pasará que un ISO elevado puede modificar la calidad de la imagen, pues tu cámara generará más ruido digital y esto afectará al rango dinámico. Cuanto más ruido capte tu cámara en las zonas oscuras, más difícil será extraer detalles de las sombra. La sensibilidad ISO lo que hace es amplificar digitalmente la señal natural, haciéndonos ganar más luz, pero a costa de perder algo de control en la calidad en la imagen. El ruido es esa especie de grano -gris- que aparece sobre todo en las zonas más oscuras de la foto. Se trata de un elemento de la imagen digital que no se valora como estéticamente agradable, más bien al contrario. Trabajar con una sensibilidad de ISO elevada también puede modificar la calidad de la imagen, pues tu sensor generará más ruido digital y esto -finalmente- afectará al rango dinámico. Cuanto más ruido capte tu cámara en las zonas oscuras, más difícil será extraer detalles de las zonas de sombras. Vamos a verlo resumido a través del siguiente vídeo:

Para recordar: La mayor calidad de imagen con una cámara digital se obtendrá usándola a su menor sensibilidad ISO equivalente. El uso de sensibilidades ISO mayores a ISO 800 se traducirá en un aumento de pixeles distribuidos al azar, principalmente en las zonas de sombra de la imagen. El ruido digital, a diferencia del grano de la película, no será proporcional en toda la imagen, sino que se manifestará de forma evidente en las zonas oscuras. El ruido, se manifiesta más en algunos canales que en otros. Normalmente el canal azul suele ser el que contiene más ruido. Es posible editar este canal posteriormente con algún programa de edición de imágenes digitales para reducir el ruido mediante la aplicación de algunos filtros. Éxitos totales.

Qué estés bien.

Retratos casuales ¿Cómo se hacen?

¿Has hojeado y disfrutado de alguna revista con fotos de ropa y accesorios? ¿O tal vez miraste en la tele alguna serie de reality show donde había modelos y diseñadores de vestuario? Es muy probable que te sientas atraído por estos retratos tan llamativos y pienses si algún día podrías lograr producir algunos tan buenos. La noticia genial de hoy es que si tienes el suficiente potencial creativo para producir retratos casuales con alto impacto.

En los párrafos que vienen por delante vamos a meditar juntos en el proceso para crear material fotográfico de moda o retratos casuales en estudio o plató de retratos. La fotografía de moda, que es una combinación de fotografía de retrato, product shot y artística, es un género en el que convergen el arte y el comercio. Dicho de otra forma, consiste en narrar historias increíbles. Y las posibilidades son ilimitadas cuando se trata del modo en que tú las cuentas. El retrato, es un tipo de fotografía que ofrece la oportunidad de retratar algo más que mostrar un simple rostro, y un buen fotógrafo de retrato sabe cómo utilizar los elementos y técnicas a su favor para plasmar una emoción con una intención artística expresiva. Cada vez que tea posible muestra la autenticidad y la personalidad del talento que posa frente a nuestra cámara. Dicho en otras palabras, se trata de un género donde se reúnen toda una serie de iniciativas artísticas que giran en torno a la idea de mostrar las cualidades físicas o morales de las personas que aparecen en las imágenes fotográficas.

Modelo: Mayte Durón

El retrato casual supone el uso de parámetros que combinan tratamientos de imagen en la última etapa del proyecto con el fin de embellecer el arte final o el acabado de la misma. Esto lo convierte en una fotografía en apariencia simple, pero nada más lejos de la realidad pues desarrollar un book a esta escala requiere buen gusto y conocimientos amplios; tanto en fotografía de moda, como de belleza a la hora de su realización. Sobre todo por la complejidad que implica mezclar ambos géneros. El retrato casual destaca por lucir prendas de vestir básicas, sencillas, acompañándolas de algunas más elegantes o formales. Y como persona se debe mantener una actitud: Positiva ante la vida, relajada, algo ingenua pero a su vez cargada buena onda, dulzura y empatía. Implica incluir algo de estilo de vida y actividad laboral o de ocio. Se pueden utilizar vestuarios de estilo vintage o retro, uniformes de trabajo, ropa deportiva, etc.

Modelo: Mayte Durón

Lo primero. Investiga a fondo, observa mucho, colecciona fotos, desarrolla sensibilidad de observador y llenate de inspiración. Busca cuáles son las ventajas de la fotografía de moda y de esta manera podrás hacerte una idea de cómo quieres tus fotos, en tu propio y particular estilo. La organización y planificación en este estilo pueden marcar la diferencia. Busca imágenes y referencias que te inspiren, elegantes, que impacten. Es importante dedicar tiempo para encontrar fotografías que te emocionen por algún motivo. Las puedes hallar en sitios web que tengan productos interesantes, en las redes sociales o directamente en revistas especializadas en moda, pero no te enfoques sólo observar aquellas más reconocidas.

Modelo: Geraldine Massú

Reúne un álbum o carpeta con imágenes de retratos fashion que valores como atractivas, luego de esto, organízalas por temas, reunelas por semejanza, por colores o por localización, por su estilo creativo, etc. Este archivo te va a resultar ser muy útil para consultar previo y durante realices la toma de tus fotografías. Será muy valioso que los mantengas a la mano siempre para revisar, seleccionar y verificar.

Toma tiempo para aplicar a tus proyectos la simbología del color, organiza paletas de colores armónicas, define el color del entorno y del fondo, los colores del vestuario, etc.

Modelo: Cristina Ponce

La primera etapa de la planificación de tu proyecto de retratos se conoce como pre producción. Aquí nos dedicamos a resolver -con oportuna anticipación- todo lo que haremos en siguiente momento. Lo vamos a redactar en orden en documentos conocidos como desglose de pre producción; se trata de inventarios completos que dan solución a las necesidades de tu proyecto. Aquí vamos a redactar tus objetivos del proyecto ¿Qué deseas lograr con éste? Describe el tipo de fotos, estilismo, ubicación, maquillaje y demás metas que planeas para los modelos y tus fotos. Y repasa esos aspectos con tus compañeros implicados para que, en el momento de la sesión todo llegue a buen puerto. 

Sé espontáneo: Los retratos casuales son mejores cuando son espontáneos. No trates de controlar demasiado la situación, deja que las cosas sucedan naturalmente. Conéctate con tu sujeto: Es importante conectarte con tu sujeto para crear una fotografía más natural y atractiva. Sé paciente: Es posible que tengas que esperar a que la situación adecuada se presente. No te desanimes si no consigues la foto perfecta a la primera.

La estructura de este primer documento se parece mucho al desglose para un comercial de televisión.

Modelo: Ana Fabiola García

Te vendrá bien, que entiendas los fundamentos de la iluminación de retratos. La luz, es la materia prima de la fotografía, saber seleccionar la luz correcta hará una gran diferencia entre una iluminación buena y una extraordinaria. Los diagramas de iluminación son importantes, te ayudan a reducir tiempos y hablan bien de un proyecto profesional y organizado.  Organiza y planifica bien el valor de plano o encuadre que vas a aplicar, según el nivel de intimidad o respeto que deseas imprimir a cada foto, si vas a destacar el fondo junto al modelo, o si tu modelo será el centro de interés destácalo profesionalmente. Dedica algo de tu valioso tiempo para definir y seleccionar la mejor óptica u objetivo a utilizar para el registro de tus imágenes digitales, prueba con objetivos con distancias focales dentro del rango de 50 mm.  a 135 mm. Recuerda enfocar en las pestañas del ojo más próximo de tu modelo y selecciona correctamente el mejor diafragma para tu toma de retratos, así evitas errores ópticos y te ahorras problemas. Asegurate de encontrar a la persona ideal -modelo- para tu tipo de fotografías, selecciona al modelo idóneo para lograr retratos memorables, la búsqueda de talento puede tomar horas o hasta semanas, no corras y prepárate bien. Por temas legales siempre pide al modelo que complete y firme un contrato de cesión de derechos de imagen. Nuestro foco -aquel detalle que sobresale por su nitidez- debe destacar el centro de interés, un detalle deberá dominar al resto de los elementos dentro del cuadro.

Modelo: Alejandra Rivera

Siempre nos ayudará mantener un clima de confort, de respeto y de cordialidad para favorecer la comunicación entre el fotógrafo, el crew y el talento para que esta sea fluida y clara. Se recomienda que no haya muchas personas haciendo uso de la palabra hablada, por orden y jerarquía será mejor que sólo el fotógrafo dirija la sesión. Si estás relajado y disfrutas tomar la foto, les relajarás a ellos también. Y por supuesto, sonríe cada vez que puedas. Esto facilitará muchas cosas. Asegúrate que sepan que son especiales y diles que crees que se trata del modelo perfecto para la fotografía que tienes en mente.

También, nos vendrá bien tener algunas ideas básicas acerca de cómo dirigir la sesión para disfrutar del mejor clima laboral y creativo posible. La creatividad, el mensaje idóneo, el estilo personal se sirven de la composición visual para organizar los elementos que construyen al retrato. Dentro de las líneas de composición vamos a destacar la aplicación de la S de la belleza, será mejor que la tomes en cuenta durante todo el avance del proyecto. Debes ser acucioso y muy observador, con una gran capacidad de análisis y comprensión del alma humana.

Modelo: Michelle Midence

Para realizar tu sesión de retratos casuales o de moda de preferencia utiliza una cámara de fotografía réflex o DSLR de marco completo, que cuentan con visor óptico, aunque hoy día hay -también- excelentes cámaras sin visor óptico -mirror less- para este propósito. Recuerda guardar los registros de la imagen digital en archivos RAW. Los archivos de este tipo -RAW- te permiten mayor agilidad durante la última etapa del proyecto conocida como post-proceso (post production).

Ahora sí, ya hemos comprendido que para lograr un retrato casual vamos a transitar por tres momentos en secuencia: La pre producción, la realización o sesión de retratos en sí misma y la post producción.

Se te desea lo mejor en tu próximo proyecto de retratos.

Qué estés bien,

El autor de este post es publicitario, creativo y productor audiovisual y ha incursionado exitosamente como docente universitario para el Instituto de Mercadotecnia y Publicidad de México, así como en la UNITEC en Honduras desde hace más de treinta años. Es asesor publicitario independiente, redactor de artículos sobre publicidad, conferencista y blogger.