El astuto Chapulín Colorado

¡Oh! ¿Y ahora, quién podrá ayudarme? Es posible que esta frase haya resonado con fuerza desde lo más profundo de tu memoria. Pero, si no fue así hoy trataré de explicarte un poco más sobre un personaje muy querido y recordado de mis años de infancia; cuando la televisión se miraba -todavía- en familia a la hora de la cena para relajar la tensión de la vida cotidiana y provocar reírnos todos juntos. Los televisores eran -en esos años- unas pantallas de tubos de rayos catódicos con relación de aspecto de 3:4 la gran mayoría en blanco y negro y con una resolución de 525 líneas horizontales, emitidas por señal de radiofrecuencia VHF.

Lo sospeché desde un principio. En la cultura gastronómica mexicana, los chapulines colorados son un platillo que se ha consumido desde la época prehispánica y que sigue siendo muy popular -todavía- en la actualidad. En los mercados de Oaxaca, los chapulines se preparan de diversas maneras, como en tacos, quesadillas, salsas y otras botanas. Los chapulines son un tipo de insecto que se pueden encontrar en diferentes regiones de México y que se preparan de diversas maneras, fritos y tostados, en tacos, quesadillas, tlayudas, salsas y como botanas con limón. Además, los chapulines son ricos en proteínas, vitaminas y fibra, lo que los hace un alimento nutritivo y saludable. En la actualidad, los chapulines se han convertido en un platillo exótico y atractivo para los viajeros que visitan México, y se han incluido en la gastronomía de otras sociedades.

El nombre "chapulín colorado" ha sido parte del imaginario colectivo mexicano y está muy arraigado. Los chapulines colorados que se comen en Oaxaca son de la especie Sphenarium histrio. Esta especie es originaria de México y se encuentra en todo el país, pero es especialmente abundante en el Estado de Oaxaca. También, los puedes encontrar en los estados de Puebla, Tlaxcala, Guerrero y Chiapas. En Guatemala, se encuentran en los departamentos de Quiché, Totonicapán y Huehuetenango. En El Salvador, se encuentran en los departamentos de La Libertad y San Salvador. En Honduras, se encuentran en los departamentos de Ocotepeque, Lempira y Comayagua. En Nicaragua, se encuentran en los departamentos de Matagalpa, Jinotega y Estelí.

¿Sabías que...el origen de la palabra chapulín nos llega desde la palabra náhuatl chapolin, que se compone de las raíces chapā (rebotar) y olli (hule). La traducción literal al español de la palabra "chapulín" es "insecto que brinca como (pelota de) hule". Los chapulines colorados son una fuente importante de proteínas, fibra y minerales, y son bajos en calorías y grasas. Una onza (28 gramos) de chapulines colorados contiene 15 gramos de proteína, lo que equivale al 30 % de la ingesta diaria recomendada para adultos. Una onza de chapulines colorados contiene 3 gramos de fibra, lo que equivale al 10 % de la ingesta diaria recomendada para adultos. Los chapulines colorados son una buena fuente de varios minerales, incluyendo hierro, zinc, magnesio y potasio. El hierro es esencial para la producción de glóbulos rojos, el zinc ayuda al sistema inmunológico, el magnesio es importante para la salud muscular y el potasio ayuda a regular la presión arterial. En una onza de chapulines colorados encontramos sólo 60 calorías y 2 gramos de grasa. Esto los hace una opción saludable para personas que siguen una dieta baja en calorías o en grasas. ¿Y tú, ya los probaste?

Chapulines colorados con guacamole en tortilla de maíz.

(Música de orquesta:Ta, tará.) ¡Más ágil que una tortuga, más fuerte que un ratón, más noble que una lechuga, su escudo es un corazón! El Chapulín Colorado -es además- el nombre de un personaje cómico, torpe y miedoso, pero con un gran corazón. Su lema es "No contaban con mi astucia", y sus frases célebres incluyen "Calma, calma. Que no panda el cúnico", "Lo tenía fríamente calculado" y "No me des las gracias, es mi deber". El Chapulín Colorado apareció por primera vez en la televisión mexicana el 26 de noviembre 1970, como un segmento del programa Los supergenios de la mesa cuadrada.

Sí lo hago, sí lo hago, sí lo hago. En el año de 1973, se convirtió en una serie de Televisión independiente de México, que se emitió hasta 1979. Roberto Gómez Bolaños propuso el personaje a varios de sus compañeros de elenco e incluso a un actor de cine y televisión, sin éxito. Afortunadamente, después de varios intentos decidió asumirlo él mismo. El primer episodio se llamó "La casa de los fantasmas" y su último episodio de la serie, también conocido como "La despedida", se emitió el 14 de octubre de 1979. En este episodio, el Chapulín agradece a todos los que hicieron posible la serie, desde patrocinadores hasta el público que lo seguía. Fueron -en total- 260 episodios de El Chapulín Colorado en live action (otros estiman 411 emisiones) Además, en el último bloque, el personaje pronuncia su famosa frase "No contaban con mi astucia". El Chapulín colorado se caracteriza por ser poco preciso y torpe, siente temores ante las amenazas y lo desconocido, a menudo comete errores, lo que lo hace ver diferente a los héroes tradicionales. El Chapulín Colorado no posee habilidades sobrehumanas, sino que utiliza su ingenio y astucia para resolver los problemas. Otra característica que además es muy debatible según diferentes análisis del personaje, proviene de que se trata de una abierta parodia cómica -y que resulta muy divertida- de los superhéroes, lo que lo hace un antihéroe -para algunos- por definición. Para otros se trata de un héroe que siempre está dispuesto a ayudar a los demás, incluso si eso significa arriesgar su propia vida.

¡Síganme los buenos! El Chapulín Colorado fue un éxito casi inmediato, y se convirtió rápidamente en uno de los personajes más populares de la cultura popular en todo México. Es un ícono cultural que es conocido y amado en toda la América latina. Su humor y su mensaje de bondad y esperanza han cautivado a varias generaciones de auditorios de televidentes. Se trata de un espacio familiar que reúne a varias generaciones ante la pantalla, su humor es universal, sin usar palabras groseras o irrepetibles, no difunde violencia con salpicaduras de sangre, ni presume un despliegue interminable de efectos visuales. Con todo eso cautiva a millones alrededor del mundo. Es un personaje que combina características de héroes y antihéroes, y que es querido por el público por su humor y su humanidad.

Los guiones son ingeniosos y contienen una base cómica que ha sido muy bien recibida por el público de la televisión y ahora también, aquí en las redes sociales. El personaje ha sido considerado como una representación de la cultura mexicana y de su idiosincrasia. Los mexicanos -en general- se sienten bien representados por los personajes de Chespirito y sus sketches, esto incluye al Chapulín Colorado. El personaje es conocido por su ingenio y astucia, lo que lo hace un héroe muy querido. Las aventuras de este personaje son atemporales y pueden suceder en cualquier lugar de la tierra y del universo e inspirarse en personajes históricos, o de la literatura universal o bien del imaginario colectivo y de la tradición oral. Además, su frase "No contaban con mi astucia" se ha convertido en un ícono de la cultura popular mexicana. El Chapulín Colorado es un héroe con ubicación geográfica y temporal  no determinada; lo que permite que sus aventuras puedan suceder en diferentes lugares o localizaciones y variedad de épocas. Todo esto lo hace un personaje muy versátil y adaptable a diferentes situaciones. El personaje ha trascendido las fronteras de la televisión y se ha infiltrado en otros medios digitales, como videojuegos y redes sociales. Esto ha permitido a nuevas generaciones encontrarse para conocer y sentir apego y nostalgia por este personaje.

Eso es exactamente lo que iba yo a decir. El Chapulín Colorado, es un personaje de baja estatura que viste todo el tiempo un uniforme rojo con amarillo que a veces suele combinar con accesorios representativos de algún lugar o cultura asociada al sketch. Sobre la altura de su pecho destaca una figura de un "corazón" 💖(figura medieval) de fondo color amarillo y con dos letras mayúsculas c y h (CH). Según el creador de este personaje el uso de CH obedece a su admiración por el también actor y realizador Charles Chaplin (Charles Spencer "Charlie" Chaplin). Este uniforme de color rojo cubre desde sus piernas hasta su cabeza, y además posee dos juegos de dos cortas alitas de color rojo, un par sobre sus hombros y espalda y dos más desde la cadera hasta la mitad del muslo. Trae unos shorts amarillos y unas zapatillas de tenis hasta el tobillo en colores amarillo y detalles rojos. Sobre la cabeza destacan dos antenas que rematan con dos bolitas rojo con amarillo. Este original diseño se le atribuye a Graciela Fernández, primera esposa de RGB. Inicialmente también se consideró utilizar un traje verde, pero fue descartado pues ya habían utilizado esos colores para un personaje malvado.

Las pastillas de chiquitolina, son un producto ficticio que aparece en la teleserie. El Chapulín Colorado a menudo mencionaba las pastillas de chiquitolina como una solución para diferentes problemas, aunque nunca se especificó de qué estaban hechas exactamente. Después de tomarlas estas tienen un tienen un efecto inmediato en el Chapulín Colorado que ya es de baja estatura, y lo reducen a un tamaño de cerca a 20 centímetros que permite que quepa sobre la palma de una mano o entrar en el agujero que utilizan los ratones. Para aplicar este técnica de reducción de la escala de los personajes la producción de este programa fue pionero en el dominio del Chroma Key en la televisión.

¡Silencio, silencio! Mis antenitas de vinil detectan la presencia del enemigo. Sobre su cabeza sobresalen un par de antenas con algunos poderes especiales. Una de las características más llamativas de las antenitas de vinil es que lo convierten en una persona más ágil y detectan otros los idiomas. Cuando el Chapulín Colorado dice "Síganme los buenos", las antenitas se mueven para indicar que había alguien que hablaba el mismo idioma que él. Las antenas de vinilo también tienen la capacidad de detectar la presencia del enemigo. Cuando el Chapulín Colorado estaba bajo riesgo, las antenitas de vinil se movían para ponerlo en estado de alerta ante el peligro. Además de las características mencionadas anteriormente, se dice que las antenitas de vinil tienen muchos otros poderes que no se han revelado. A pesar de que él puede detectar al enemigo, en contraste, el Chapulín Colorado nunca toma la ventaja -todo lo contrario-  se pone en riesgo al asumir una posición abiertamente incorrecta. Las antenitas también se complementan perfectamente con el chipote chillón y la chicharra paralizadora.

¡Se aprovechan de mi nobleza! La serie incluyó a múltiples personajes que rotaban según el sketch y las aventuras que se narraba en esa emisión. ¿Es posible que recuerdes a algunos de ellos? Como el tripaseca, Rufino Rufián, Rosa la revoltosa, Brujilinda, El Rascabuches, El Matonsisímo Kid, Sabandija, Panza Loca, El pocas trancas, La bruja baratuja, Chimpandolfo, Samurai Sugatito Orinagua, Profesor Inventillo, El monstruo Panchonstein, El bulldog, El profesor Popov, entre muchos más.

¡Todos mis movimientos están fríamente calculados! La serie se ha transmitido por la televisión de más de 100 países, incluidos México, Estados Unidos, España, Italia, Francia, Alemania, Reino Unido, Rusia, China, Japón, Corea del Sur, India, Brasil, Argentina, Chile, Perú, Colombia y Venezuela. El éxito de El Chapulín Colorado se debe al uso del humor universal, que ha sido capaz de cautivar a espectadores de todas las edades y culturas. El personaje de El Chapulín Colorado es un héroe torpe y desafortunado, pero con un gran corazón. Sus frases y ocurrencias son ya parte del imaginario popular mexicano y latinoamericano. La serie de televisión se dobló (ADR) a otros 50 idiomas y se ha emitido en más de 100 países alrededor del mundo.

Este querido personaje ha sido celebrado y emulado en más de una oportunidad. El creador de la serie de Fox, Los Simpson (Matt Groening), desarrolló al Bumblebee Man basado en el Chapulín Colorado, esto vino a suceder cuando en un motel lo alcanzó a verlo en la televisión.​ también, en el año de 2017 Marvel Comics crearía a red locust una personaje basada en el héroe ficticio del Chapulín colorado, Red Locust fue creada por Mark Waid y Humberto Ramos, y quienes se inspiraron en el personaje del Chapulín Colorado, la cual es su forma de rendir homenaje al productor y actor mexicano Roberto Gómez Bolaños.

¡Chanfle! En Perú, el programa fue emitido nuevamente en 1980, después del fin de la dictadura de Juan Velasco Alvarado quien lo prohibió en los años 70 pues lo consideró que el personaje era un mal ejemplo para los niños, ya que era un superhéroe incompetente y miedoso. En 1975, el gobierno de Augusto Pinochet prohibió la emisión del programa por considerarlo "subversivo". En 1970, el gobierno de Fidel Castro prohibió la emisión del programa por considerarlo "anti comunista". En 1980, el gobierno de Daniel Ortega prohibió la emisión del programa por considerarlo "ideológico". En Venezuela -en el año de 1976- el gobierno de Carlos Andrés Pérez prohibió la emisión del programa por considerarlo "violento". En el otro extremo: En el año de 2002, el gobierno mexicano declaró al Chapulín Colorado como un "Patrimonio Cultural Intangible de la Nación". En el 2015, el Servicio Postal Mexicano emitió una serie de sellos postales en honor al Chapulín Colorado y al Chavo del 8. En 2006, el gobierno de Perú otorgó a Roberto Gómez Bolaños el Premio El Inca, en reconocimiento a su trayectoria artística. En 2012, la ciudad de Buenos Aires, Argentina, nombró una calle en honor al Chapulín Colorado (Barrio de Villa Urquiza, entre las calles Avenida Constituyentes y Avenida San Martín). Más recientemente, a razón del conflicto legal surgido entre Televisa Networks y Grupo Chespirito, la transmisión a nivel global de El Chapulín Colorado ha quedado suspendida y no posee una fecha definida para su retorno a la TV. En consecuencia y por primera vez en más de 40 años, desde el 1 de agosto del año de 2020, ningún canal de televisión emite el programa, siendo reemplazado por la serie animada de El Chapulín Colorado. ¡Chanfle!, ¡rechanfle!, ¡recontrachanfle!

Yo opino... Como ahora mismo te habrás dado cuenta a pesar de experimentar sentir temor y de saberse débil el Chapulín Colorado, logró su cometido, el de entretener a varias generaciones de televidentes alrededor de todo el mundo. ¡No contaban con mi astucia!

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Los espacios deshabitados en la composición visual

El espacio negativo es un recurso compositivo en la fotografía, se refiere al espacio "deshabitado" que rodea al sujeto principal o al centro de interés de la imagen. El espacio negativo es el espacio vacío o libre entre los elementos de una fotografía. Es a menudo visto como un espacio desperdiciado o vacío, pero en realidad puede ser una herramienta poderosa para crear equilibrio, profundidad y tensión en una imagen. En la fotografía, el espacio negativo puede utilizarse de muchas maneras diferentes. Cómo resaltar el sujeto principal de una imagen, para crear una sensación de equilibrio y simetría, o para añadir profundidad y perspectiva. También puede utilizarse para crear un sentido de movimiento o tensión en una imagen. Lo podemos observar magistralmente aplicado en la obra de:

Moonrise, Hernandez, New Mexico (1941)

Ansel Easton Adams: Es uno de los fotógrafos más importantes de la historia reciente, y su trabajo se caracteriza por su uso de la luz y la forma. Adams fue un maestro del espacio negativo, y a menudo utilizaba grandes áreas de sombra para crear un efecto dramático en sus fotografías.

Behind the Gare Saint-Lazare (1932)

Henri Cartier-Bresson: Fue un fotógrafo documentalista que es conocido por su trabajo en blanco y negro. Su uso del espacio negativo fue esencial para crear sus imágenes icónicas, que a menudo capturan momentos fugaces de la vida cotidiana.

Robert Capa: Fue un fotógrafo de guerra muy conocido por su fotografía documental durante la Segunda Guerra Mundial. Su uso del espacio negativo ayudó a crear un sentido de tensión y drama en sus fotografías.

Dorothea Lange: Fue una fotógrafa documentalista que es conocida por su trabajo sobre la Gran Depresión. Su uso del espacio negativo ayudó a crear un sentido de empatía y compasión en sus fotografías.

Edward Weston: Que fue un fotógrafo modernista que es conocido por su trabajo en blanco y negro. Su uso del espacio negativo ayudó a crear un sentido de simplicidad y belleza en sus fotografías.

Una de las formas más comunes de utilizar el espacio negativo es para destacar el sujeto principal de una imagen. Al colocar el sujeto principal en un espacio vacío, se puede crear una sensación de aislamiento y énfasis. Esto puede ser especialmente eficaz para crear un sentido de misterio o intriga en una imagen. Imagina por ejemplo, una fotografía de un árbol solitario en medio de un campo vacío crearía una sensación de aislamiento y soledad. Una fotografía de una persona caminando por una calle vacía crearía una sensación de misterio o suspense. Permitir que la ley de la mirada se desarrolle y cobre sentido.

El espacio negativo, también puede utilizarse para formar una sensación de equilibrio y simetría en una imagen. Al colocar los elementos de una imagen de manera equilibrada, se puede crear una sensación de armonía y calma. Esto puede ser especialmente eficaz para crear un estado de ánimo tranquilo o contemplativo en una imagen. Por ejemplo, una fotografía de un lago tranquilo con un árbol en el centro crearía una sensación de equilibrio y simetría. O, una fotografía de un jardín con flores y árboles dispuestos de manera uniforme crearía una sensación de armonía y paz.

El espacio negativo podrá utilizarse para establecer profundidad y perspectiva a una imagen. Al utilizar líneas de perspectiva u otros elementos para guiar la atención del espectador hacia el fondo, se puede crear una sensación de profundidad y distancia. Esto puede ser especialmente eficaz para crear una sensación de escala o grandeza en una imagen. Por ejemplo, una fotografía de un tren que se acerca en la distancia crearía una sensación de profundidad y perspectiva. O, una fotografía de un edificio alto con un cielo azul crearía una sensación de escala y grandeza.

Finalmente, el espacio negativo también podría utilizarse para crear un sentido de movimiento o tensión en una imagen. Al colocar los elementos de una imagen de manera que sugieren movimiento, se puede crear una sensación de energía y dinamismo. Esto puede ser especialmente eficaz para crear una sensación de acción o emoción en una imagen. Por ejemplo, una fotografía de una ola rompiendo en la costa crearía una sensación de movimiento y tensión. O, una fotografía de un atleta en pleno movimiento crearía una sensación de acción y emoción. El espacio negativo es una herramienta poderosa que puede utilizarse para crear una variedad de efectos diferentes en una fotografía. Al utilizarlo de manera creativa, los fotógrafos pueden crear imágenes más equilibradas, profundas y expresivas. Descubramos juntos algunos consejos para aplicar el espacio negativo en la fotografía.

Aquí hay algunos consejos para utilizar el espacio negativo en la práctica de la fotografía. Experimenta con diferentes composiciones. No hay una forma correcta o incorrecta de utilizar el espacio negativo. Experimenta con diferentes composiciones para ver lo que funciona mejor para ti. Utiliza líneas y formas para guiar la atención del espectador. Las líneas y las formas pueden ayudar a dirigir la atención del espectador hacia el sujeto principal de una imagen. Considera el contexto de la imagen. El espacio negativo puede utilizarse para crear diferentes efectos dependiendo del contexto de la imagen. Por ejemplo, el espacio negativo puede utilizarse para crear una sensación de aislamiento en un retrato, o para crear una sensación de profundidad en una fotografía de paisaje. No tengas miedo de dejar espacio vacío. El espacio vacío puede ser tan importante como los elementos mismos. No temas dejar "espacio desierto" en tus imágenes para crear un efecto de equilibrio y profundidad.

A continuación, te comparto algunas formas en que puedes aplicar el espacio negativo en la producción de fotografías:

El espacio negativo puede ayudar a destacar el sujeto principal de la imagen al permitir que se destaque en contraste con el espacio vacío que lo rodea. Al reducir la cantidad de elementos en la imagen, el espacio negativo puede ayudar a enfocar la atención del espectador en el sujeto principal.

El espacio negativo puede ayudar a crear una sensación de equilibrio en la imagen al permitir que el sujeto principal respire y tenga espacio para "moverse". Al equilibrar el espacio positivo con el espacio negativo, se puede crear una sensación de armonía y equilibrio en la imagen.

El espacio negativo puede ser una herramienta útil para ayudar a narrar una historia en la imagen al proporcionar contexto y profundidad. Al incluir elementos en el espacio negativo que se relacionen con el sujeto principal, se puede crear una sensación de narrativa en la imagen. El espacio negativo -además- puede ayudar a crear una sensación de movimiento en la imagen al permitir que el sujeto principal se mueva a través del espacio vacío. Al incluir elementos en el espacio negativo que sugieren movimiento o dirección, se puede crear una sensación de dinamismo en la imagen. En resumen, el espacio negativo es un recurso compositivo importante en la fotografía que puede ayudar a destacar el sujeto principal, crear una sensación de equilibrio, contar una historia y crear una sensación de movimiento. Al utilizar el espacio negativo de manera efectiva, se puede mejorar la calidad y el impacto visual de las fotografías.

En la práctica de la fotografía puede generar en el observador sensaciones de equilibrio, armonía, profundidad, narrativa y movimiento, entre otras. Al utilizar el espacio negativo de manera efectiva, se puede mejorar la calidad y el impacto visual de las fotografías y ofrecer al observador una experiencia visual más rica y completa. En la producción de retratos sacar al sujeto de interés del centro traerá beneficios narrativos, esto permite que el espacio vacío alrededor del sujeto se convierta en un elemento importante de la composición. Como también colocar el espacio negativo delante del sujeto principal (ley de la mirada) puede provocar la sensación de que la acción sucede en progresión a él, lo que puede ser una forma efectiva de contar una historia a través del espacio en blanco. Otra aplicación compositiva para crear retratos más dinámicos es utilizar el espacio negativo para rodear al sujeto principal en la imagen. Juega con la proporción de espacio negativo y espacio positivo intenta ajustar la proporción de espacio negativo y espacio positivo en la imagen, se puede crear una sensación de equilibrio y armonía en la composición. Aprovecha el espacio negativo para incluir elementos secundarios que agreguen sentido a la narrativa de tu historia.

Existen algunos tipos de fotografías que se benefician más con el uso del espacio negativo como en la fotografía minimalista que se caracteriza por la simplicidad y la reducción de elementos a lo esencial. El espacio negativo es un recurso compositivo fundamental en la fotografía minimalista, ya que permite enfocar la atención del espectador en el sujeto principal y crear una sensación de armonía y equilibrio en la imagen.

También nos vendrá bien en la producción de fotografía de retratos ya que se beneficia del uso del espacio negativo al permitir que el sujeto principal respire y tenga espacio para "moverse". Al balancear el espacio positivo con el espacio negativo, se puede crear una sensación de profundidad y dar más importancia al sujeto principal. En el paisaje podemos observar cómo se beneficia del uso del espacio negativo al permitir que el sujeto principal se destaque en contraste con el espacio vacío que lo rodea. Al reducir la cantidad de elementos en la imagen, el espacio negativo puede ayudar a enfocar la atención del espectador en el paisaje y crear una sensación de armonía y equilibrio en la imagen. El paisaje urbano aplicado a fotografía de arquitectura se beneficia del uso del espacio negativo al permitir que el sujeto principal se destaque en contraste con el espacio vacío que lo rodea. Al reducir la cantidad de elementos en la imagen, el espacio negativo puede ayudar a enfocar la atención del espectador en la arquitectura y crear una sensación de armonía y equilibrio en la imagen.

En las fotografías de la naturaleza para crear una sensación de calma y tranquilidad. Por ejemplo, una fotografía de un lago tranquilo con un cielo azul crearía una sensación de calma, mientras que una fotografía de un bosque con un cielo nublado crearía una sensación de tranquilidad. El espacio negativo puede utilizarse en las fotografías callejeras (Street photography) para crear una sensación de misterio o intriga. Por ejemplo, bien podría ser una fotografía de una persona caminando por una calle sin más personas pues crearía una sensación de misterio, mientras que una fotografía de una persona hablando por teléfono en un café crearía una sensación de intriga. Te invito a completar tu comprensión del espacio negativo a través del siguiente vídeo:

¿Qué has descubierto a través del espacio negativo aplicado a la composición visual de tus fotos? ¿Cómo los vas a utilizar en tus próximos proyectos?

Qué estés bien,

Conectando con otras personas: Storytelling

El storytelling es una técnica de comunicación que consiste en contar una historia para transmitir un mensaje. Es una herramienta poderosa que puede utilizarse para conectar con las otras personas a nivel emocional, generar engagement y crear vínculos duraderos. El storytelling, se utiliza en una gran variedad de contextos, desde el marketing y la publicidad hasta la educación y la política. En el ámbito empresarial, el storytelling se utiliza para conectar con los clientes, generar interés en los productos o servicios de la empresa y construir una marca fuerte y memorable.

Vamos a entender por storytelling a la técnica de narrar o contar una historia para compartir un mensaje. Una historia, es un relato que tiene un principio, un desarrollo y un desenlace. Los elementos esenciales de una historia son los personajes, la trama, el escenario y el mensaje. Los personajes son las personas o seres que intervienen en la historia. La trama es la secuencia de eventos que ocurren en la historia. El escenario es el lugar donde ocurre la historia. Y el mensaje es la idea o el aprendizaje que se quiere entregarse con la historia.

Las ventajas o beneficios que esta técnica conlleva son varios. El storytelling tiene una serie de bondades que lo convierten en una herramienta de comunicación poderosa. Estos beneficios son: Genera engagement: El storytelling ayuda a conectar con las personas a nivel emocional, lo que genera engagement lo que hace que las personas estén más dispuestas a escuchar el mensaje. ¿Cómo desarrollo engagement para mis historias? En palabras sencillas es como es como cuando te atrae y te gusta mucho algo y lo deseas mucho. Cuenta historias que sean relevantes para tu audiencia. Las personas están más dispuestas a involucrarse con historias que les interesan y que les conectan. Crea personajes con los que la audiencia pueda identificarse. Los personajes son la clave para cualquier historia. Si los personajes son atractivos y relatables, la audiencia se involucrará más en la historia. Utiliza un lenguaje emocional. El lenguaje emocional puede ayudar a conectar con las personas a un nivel más profundo. Utiliza palabras y frases que despierten emociones como la empatía, la alegría, la tristeza o la sorpresa.  Se refiere al compromiso que se establece entre una marca y su audiencia. Este compromiso puede ser de naturaleza emocional, ya que las personas se sienten atraídas por la marca y se interesan por ella. Crea una llamada a la acción. No olvides decirle a la audiencia qué quieres que haga después de escuchar y comprender tu historia. La llamada a la acción o una invitación a dar el siguiente paso; puede ser tan simple como invitar a la audiencia a compartir la historia o a hacer clic.

Facilitará el recuerdo de marca: Las historias son fáciles de recordar, lo que ayuda a que las marcas se queden grabadas en la mente de los consumidores. Crea vínculos duraderos: Las historias ayudan a crear vínculos entre las personas, lo que puede ser muy beneficioso para las empresas en términos de lealtad de los clientes y relaciones públicas.

Para contar una historia de forma efectiva vamos a tomar en cuenta varias cosas. Será importante tener en cuenta algunos factores que hemos venido mencionando unos párrafos atrás.

El objetivo ¿Qué quieres lograr con tu historia? ¿Quieres informar, educar, persuadir o entretener? 

El público ¿A quién te diriges? ¿Cuáles son sus intereses y necesidades?

El mensaje ¿Cuál es el mensaje que quieres transmitir con tu historia?

La estructura. Una historia bien estructurada tendrá: Principio, desarrollo y  desenlace.

Los personajes. Los personajes deben ser creíbles y verosímiles.

La trama: La trama debe ser interesante y mantener la atención del público.

El escenario: El escenario debe ser relevante para la historia. Localización interior o  exterior).

El storytelling, es una herramienta de comunicación poderosa que puede utilizarse para conectar con las personas a nivel emocional, generar engagement y crear vínculos duraderos. Es una técnica que se utiliza en una gran variedad de contextos, desde el marketing y la publicidad hasta la educación y la política. Si quieres utilizar el storytelling para mejorar tu comunicación, es importante tener en cuenta los factores que te he mencionado en esta publicación. Con una buena planificación y ejecución, el storytelling puede ser una herramienta muy eficaz para lograr tus objetivos.

Algunos de los patrones de storytelling que se utilizan con frecuencia en la industria de la publicidad. Estos patrones son útiles para crear historias que sean atractivas y memorables para el público objetivo. Uno de los patrones de storytelling más comunes en la publicidad es el viaje del héroe. Este patrón se basa en la historia de un personaje que emprende un viaje para superar un desafío y alcanzar una meta. El viaje del héroe, es un recurso poderoso que puede ayudar a conectar con las emociones del público objetivo y crear una sensación de empatía con el personaje. Otro recurso de storytelling frecuente en piezas publicitarias la publicidad es el problema-solución. Este patrón se basa en la presentación de un problema que el producto o servicio anunciado puede resolver. El patrón de problema-solución es una forma efectiva de comunicar el valor del producto o servicio al público objetivo. Otros recursos de storytelling comunes en la publicidad incluyen La historia de amor, este patrón se basa en la historia de dos personas que se enamoran. La historia de amor es un patrón efectivo para crear emociones positivas en el público objetivo. La historia de éxito, este recurso se basa en la historia de una persona que alcanza el éxito. La historia de éxito es un patrón efectivo para inspirar al público objetivo. La historia de la vida real, se basa en una historia real. La historia de la vida real es un patrón efectivo para crear credibilidad y confianza con el público objetivo. La elección del patrón de storytelling más adecuado dependerá del objetivo del anuncio y del público objetivo. Sin embargo, los patrones de storytelling mencionados anteriormente son una buena base para comenzar. Aquí hay algunos ejemplos de anuncios que utilizan patrones de storytelling en la campaña publicitaria de Nike Just do it utiliza el patrón de viaje del héroe. El anuncio presenta a atletas de élite que superan desafíos para alcanzar sus metas. El anuncio de Apple "Think different" utiliza el patrón de problema-solución. El anuncio presenta a personas que piensan de manera diferente y que están cambiando el mundo. El anuncio de Coca-Cola "Share a Coke" utiliza el patrón de historia de amor. El anuncio presenta a personas que comparten momentos felices con Coca-Cola.

Existe una clasificación común es la que divide el storytelling en dos grandes categorías:

Storytelling factual: Este tipo de storytelling se basa en hechos reales y se utiliza para informar o educar a la audiencia. Por ejemplo, un documental o una noticia son ejemplos de storytelling factual.

Storytelling ficticio o ficción: Este tipo de storytelling se basa en la imaginación y se utiliza para entretener o emocionar a la audiencia. Por ejemplo, una novela o una película son ejemplos de storytelling ficticio.

Si pensamos un poco en qué plataforma, soporte o medio vamos a emitir nuestro mensaje. Tendremos que considerar en función del medio o el formato utilizado:

Storytelling verbal: Este tipo de storytelling se basa en la palabra hablada o escrita. Por ejemplo, un cuento, una fábula o un discurso son ejemplos de storytelling verbal.

Storytelling visual: Este tipo de storytelling se basa en imágenes o videos. Por ejemplo, un cómic, una película o un anuncio publicitario son ejemplos de storytelling visual.

Storytelling interactivo: Este tipo de storytelling permite a la audiencia participar en la historia. Por ejemplo, un videojuego o una experiencia inmersiva son ejemplos de storytelling interactivo.

Por otra parte si nos enfocamos en el tipo de auditorio al que nos estamos dirigiendo tenemos que el storytelling empresarial se utiliza para promover un producto o servicio, el storytelling social se utiliza para concienciar sobre una causa, y el storytelling educativo se utiliza para enseñar un concepto o una habilidad.

Existen algunos ejemplos de anuncios que utilizan recursos de storytelling exclusivos para campañas publicitarias digitales como es el caso de el anuncio de Nike "Nike+Run Club" utiliza el patrón de storytelling interactivo. El anuncio permite a los usuarios rastrear sus carreras y compartir sus resultados con otros usuarios.

El anuncio de Amazon "Amazon Echo" utiliza el patrón de storytelling personalizado. El anuncio utiliza la información de ubicación del usuario para mostrarle productos que están disponibles en su área. El anuncio de Dove "Real Beauty Sketches" utiliza el patrón de storytelling social. El anuncio generó un debate en las redes sociales sobre la belleza.

En la educación el uso del storytelling resulta ser una herramienta muy útil para entregar una enseñanza a una persona. Dado que las historias son una forma poderosa de conectar con los estudiantes, hacer que el aprendizaje sea más interesante y memorable, y promover el pensamiento crítico y la reflexión. Se pueden utilizar historias para introducir nuevos conceptos. Las historias pueden ser una forma eficaz de introducir nuevos conceptos y conceptos a los estudiantes. Por ejemplo, puedes contar una historia sobre un personaje que tiene que resolver un problema que involucre el concepto que estás enseñando. Utilizar historias para ilustrar principios y conceptos. Las historias pueden ser una forma eficaz de ilustrar principios y conceptos. ¿Cómo la narración efectiva de historias nos va a ayudar en nuestra tarea docente cada día? Ayudará a conectar con los conceptos y contenidos de una manera más significativa. Nos va a apoyar para que desarrollen su imaginación y creatividad. Mejora sus habilidades de comunicación y colaboración. Facilitará el camino para adquirir habilidades para la vida, como la resolución de problemas y la toma de decisiones.

Por ejemplo, puedes contar una historia sobre un personaje que demuestra un principio que estás enseñando. Se vale utilizar historias para fomentar el pensamiento crítico y la reflexión. Las historias pueden ser una forma eficaz de fomentar el pensamiento crítico y la reflexión. Puedes contar una historia sobre un personaje que tiene que tomar una decisión que para este resulta ser compleja.  Valora el momento y la importancia de la selección de la historia, la creación de un ambiente adecuado, el uso de la voz y el lenguaje corporal, y la interacción con la audiencia. Adapta las historias a tu audiencia, utiliza un lenguaje sencillo y claro, haz que tus historias sean visuales, utiliza la voz y el lenguaje corporal para crear emoción e interactúa con tu audiencia.

Existen algunos tipos de storytelling que resultan ser herramientas eficaces para propósitos de aprendizaje en personas adultas, te muestro tres ejemplos:

El storytelling personal, este tipo de storytelling se utiliza cuando el narrador comparte una experiencia personal para ilustrar un punto de enseñanza. Este tipo de storytelling puede ser muy efectivo para conectar con los estudiantes y hacer que se sientan más involucrados en el proceso de aprendizaje. El storytelling de casos, este es el tipo de storytelling en que se presentan casos reales para ilustrar un punto de enseñanza. Este tipo de narración puede ser muy efectivo para mostrar a los estudiantes cómo se aplican los conceptos en situaciones reales. También contamos con el storytelling de la marca aquí se utiliza la historia de una marca o empresa para ilustrar un punto o enseñanza. Este tipo de storytelling puede ser muy efectivo para enseñar a los estudiantes sobre marketing y branding.

Observemos algunos ejemplos. Ahora vamos a tratar de comprender el concepto del color biológico a partir de una historia que entregará un mensaje:

"Hace muchos años, había un pequeño pájaro llamado Paleta que vivía en un bosque. Paleta era poco común porque tenía un plumaje con variedad de colores primarios. Sus plumas eran de varios tonos de rojo, azul y amarillo.

Un día, Paleta estaba volando por el bosque cuando se encontró con un grupo de pájaros. Los pájaros eran todos de dos colores; naranja y verde. Cuando vieron a Paleta, se quedaron sorprendidos. —¿Qué es eso? —preguntó uno de los pájaros. 

—Es un pájaro de tres colores —respondió otro pájaro.

—Nunca había visto nada igual —dijo un tercer pájaro.

Los pájaros se acercaron a Paleta para conocerlo mejor. Le preguntaron de dónde venía, cómo era su familia y qué le gustaba hacer. Paleta les contó todo sobre su vida. Los pájaros estaban atentos por conocer a Paleta. Le dijeron que era muy especial y que su plumaje era hermoso. Paleta se sintió muy feliz de haber hecho nuevos amigos. Al día siguiente, Paleta volvió a encontrarse con los pájaros. Esta vez, los pájaros estaban hablando sobre el color.

—¿Por qué somos todos de color naranja y verde? —preguntó uno de los pájaros.

—Porque nuestros padres también eran de ese color —respondió otro pájaro.

—Pero Paleta no es de color naranja y verde —dijo un tercer pájaro.

—Paleta es especial —dijo el primer pájaro.

Los otros pájaros siguieron hablando sobre el color. Aprendieron que el color de los pájaros depende de los pigmentos que se encuentran en sus plumas. Los pigmentos son sustancias que absorben la luz y reflejan ciertos colores.

Los pájaros también aprendieron que el color de los pájaros puede tener diferentes funciones. Por ejemplo, algunos pájaros utilizan el color con el fin de camuflarse de los depredadores. Otros pájaros utilizan el color con la finalidad de atraer a las parejas.

Los pájaros estaban muy contentos de haber aprendido sobre el color. Se dieron cuenta de que todos los pájaros, independientemente de su color, son especiales.

Al final de la historia, el narrador le explica a su auditorio que el color biológico es el color que se produce en los organismos vivos. El color biológico puede ser producido por diferentes tipos de pigmentos, que pueden absorber la luz y reflejar ciertos colores. El color biológico puede tener diferentes funciones, como la camuflaje, la comunicación y la atracción de parejas. 

Esta historia es un ejemplo de cómo el storytelling puede utilizarse para explicar un concepto científico complejo de una manera divertida e informativa. Al utilizar personajes y situaciones familiares, la historia ayuda a los estudiantes a comprender el concepto de color biológico. Además, la historia promueve la aceptación y la integración.

También, podemos utilizar el storytelling para explicar cómo la luz visible se trata de frecuencias o de ondas vibratorias.

"Había una vez, un pequeño niño llamado Lucas que vivía en un pueblo. Lucas era muy curioso y le encantaba aprender cosas nuevas. Un día, Lucas estaba caminando por el bosque cuando vio un arcoíris. El arcoíris era muy hermoso y Lucas se quedó fascinado. Lucas empezó a preguntarse qué era el arcoíris. ¿Por qué era de colores? ¿De dónde venía? Lucas decidió ir a la biblioteca para aprender más sobre el arcoíris. En la biblioteca, encontró un libro que explicaba que el arcoíris es causado por la luz del sol. La luz del sol es un tipo de energía que viaja en ondas. Las ondas de luz tienen diferentes longitudes y frecuencias. Las ondas de luz de longitud corta tienen frecuencias altas. Las ondas de luz de longitud larga tienen frecuencias bajas. Los colores que vemos en el arcoíris son causados por las diferentes frecuencias de la luz del sol. Las ondas de luz de frecuencia alta se ven como el rojo y el naranja. Las ondas de luz de frecuencia baja se ven como el violeta y el azul. Lucas estaba muy contento de haber aprendido sobre el arcoíris. Ahora entendía que el arcoíris era causado por la luz del sol y que los colores del arcoíris eran causados por las diferentes frecuencias de la luz."

Al final de la historia, el narrador explica a su auditorio que la luz visible es un tipo de energía que viaja en ondas. Las ondas de luz tienen diferentes longitudes y frecuencias, y los colores que vemos son causados por las diferentes frecuencias de la luz.

Puedo ayudar a mis amigos a descubrir el enorme potencial que posee el storytelling para ayudar a sus estudiantes a aprender apasionadamente. Veamos un ejemplo: "Había una vez, un profesor llamado José que era muy bueno contando historias. José sabía que las historias eran una forma eficaz de enseñar, así que las utilizaba en su aula todos los días. Un buen día, José estaba enseñando a sus alumnos sobre la revolución industrial. Juan les contó una historia sobre un niño llamado Pablito que trabajaba en una fábrica. Pablito trabajaba muchas horas y no ganaba mucho dinero. Estaba muy cansado y anhelaba mejorar su vida. Pedro se dio cuenta de que la única forma de mejorar su vida era aprender nuevas habilidades y adquirir nuevas competencias. Así fue que empezó a asistir a la escuela después del trabajo, por la noche. Estudió duro y, finalmente, consiguió un trabajo mejor."

La historia de Pablito ayudó a los alumnos a comprender la revolución industrial. Les mostró cómo la revolución industrial cambió la vida de mucha gente. También les enseñó la importancia de la educación y el esfuerzo. Al final de la historia, José preguntó a sus alumnos si creían que las historias eran una forma eficaz de enseñar. Los alumnos respondieron afirmativamente. Dijeron que las historias eran divertidas e interesantes, y que les ayudaban a comprender los conceptos fundamentales de una manera más significativa.

Observemos cómo aplicaríamos el storytelling para mostrar la correcta manipulación de los alimentos: El viaje de los alimentos. En un colorido mercado de alimentos del Ágora, vivían muchos alimentos de diferentes tipos. Allí había frutas, verduras, carnes, pescados, cereales y mucho más. Todos ellos se sentían muy felices de vivir en ese lugar, donde eran muy apreciados por las personas. Un día, un grupo de alimentos decidió emprender un viaje para reconocer el mundo. Querían ver cómo eran los humanos en otras partes del mundo y cómo los preparaban para comer. Los alimentos viajaron visitando muchos países y conocieron a muchos personas diferentes. En algunos lugares, los humanos los preparaban con mucho cuidado y respeto. En otros lugares, los humanos los manipulaban de forma descuidada, lo que los provocaba frecuentes enfermedades. Los alimentos aprendieron mucho a lo largo de su viaje. Se dieron cuenta de la importancia y enorme valor de la higiene en el manejo de los alimentos es contundente para evitar enfermedades. Cuando los alimentos finalizaron su viaje y regresaron al colorido mercado del Ágora, contaron a sus demás amigos lo que habían aprendido. Todos ellos se comprometieron a seguir las buenas prácticas de higiene para que los humanos pudieran disfrutarlos de forma segura. Moraleja: La higiene en el manejo de los alimentos es muy importante para evitar enfermedades. Todos los que manipulan alimentos, ya sean cocineros, camareros o consumidores, deben seguir las buenas prácticas de higiene para proteger la salud de las personas. Personajes: Frutas: Son alimentos saludables y nutritivos. Representan la alegría y la felicidad. Verduras: Son alimentos importantes para la salud. Representan la vitalidad y el crecimiento. Carnes: Son alimentos ricos en proteínas. Representan la fuerza y la energía. Pescados: Son alimentos ricos en omega-3. Representan la salud y el bienestar. Cereales: Son alimentos ricos en carbohidratos. Representan la energía y la vitalidad. Humanos: Son los que consumen los alimentos. Representan la responsabilidad de cuidar la salud. Temas: La importancia de la higiene en el manejo de los alimentos. Los peligros de la contaminación de los alimentos. El compromiso de todos para proteger la salud de las personas. Enseñanza: La higiene en el manejo de los alimentos es muy importante para evitar enfermedades. Todos los que manipulan alimentos deben seguir las buenas prácticas de higiene. Los consumidores también tienen un papel importante en la prevención de enfermedades transmitidas por alimentos.

Uno de los patrones de storytelling más comunes en las parábolas de Jesús es el símil. Un símil, se trata de una comparación entre dos cosas que son similares en algún aspecto. Jesús utilizó muchos símiles en sus parábolas para ayudar a sus oyentes a entender sus eel funcionamiento del Reino de los cielos. Por ejemplo, en la parábola del sembrador, Jesús comparó el reino de Dios con una semilla que se planta en diferentes tipos de suelo.

Otro patrón de storytelling común en las parábolas de Jesús es la alegoría. Una alegoría trata de una historia que tiene un significado simbólico. Jesús utilizó muchas alegorías en sus parábolas para transmitir sus enseñanzas de una manera más profunda. Por ejemplo, en la parábola de la oveja perdida, Jesús comparó a Dios con un pastor que busca a una oveja perdida. Otros patrones de storytelling comunes en las parábolas de Jesús incluyen:

La historia de la vida real: Jesús utilizó muchas historias de la vida real en sus parábolas para ayudar a sus oyentes a identificarse con las enseñanzas. Por ejemplo, en la parábola del buen samaritano, Jesús contó la historia de un hombre que fue asaltado y herido en el camino a Jericó.

La metáfora: Una metáfora es una comparación entre dos cosas que no son similares en ningún aspecto. Jesús utilizó algunas metáforas en sus parábolas para transmitir sus enseñanzas de una manera más impactante. Por ejemplo, en la parábola de la sal, Jesús comparó a sus discípulos con la sal de la tierra. La elección del patrón de storytelling más adecuado dependerá del mensaje que Jesús quería transmitir. Sin embargo, los patrones de storytelling mencionados anteriormente son una buena base para comprender las parábolas de Jesús. Hay otros ejemplos de parábolas de Jesús que utilizan patrones de storytelling como la parábola del sembrador que utiliza el recurso de símil para comparar el reino de Dios con una semilla que se planta en diferentes tipos de suelo. La parábola de la oveja perdida que utiliza el recurso de alegoría para comparar al Dios bueno con un pastor que busca a una oveja perdida. La parábola del buen samaritano que utiliza el patrón de historia de la vida real para contar la historia de un hombre que fue asaltado y herido en el camino a Jericó. La parábola de la sal que utiliza el patrón de metáfora para comparar a los discípulos de Jesús con la sal de la tierra.

Para finalizar te comparto tres importantes razones para conectar a través del storytelling. Este se conecta tan efectivamente con la forma de pensar y sentir de la mayoría de personas por varias razones. En primer lugar, las historias son una forma natural de comunicación para los seres humanos. Desde que somos niños, aprendemos a través de historias, ya sean cuentos de hadas, fábulas o relatos familiares. Las historias nos permiten conectarnos con los demás a un nivel emocional, ya que nos permiten identificarnos con los personajes y sus experiencias. En segundo lugar, las historias son una forma poderosa de transmitir ideas y valores. Cuando contamos una historia, no solo estamos transmitiendo información, sino que también estamos creando una experiencia que puede resonar con los demás. Las historias pueden ayudarnos a entender el mundo que nos rodea, a aprender sobre nosotros mismos y a motivarnos a actuar. En tercer lugar, las historias son una forma eficaz de crear una conexión emocional con los demás. Cuando nos sentimos conectados con una historia, nos sentimos más conectados con el narrador y con los demás que están escuchando la historia. Esto puede crear un sentido de comunidad y pertenencia, que puede ser muy poderoso.

Qué estés bien,

Fotografías en papel

En alguna oportunidad escuché a alguien explicar que la imagen fotográfica es finalmente una "fotografía" hasta que se imprime en papel. Hasta que el proceso culmina en una imagen impresa. Tomaremos la frase "si no está impresa no es foto" para comenzar este viaje.

Esta historia no comienza el día que Microsoft creó Control+P. Inicialmente, la fotografía utilizó como soporte láminas de una variedad de materiales, desde placas de peltre recubiertas con betún, el vidrio hasta las láminas de metales como la plata.

William Henry Fox Talbot

Fue por 1840 que el calotipo (kalos: bello), pasó a ser considerado como el predecesor de la fotografía moderna. Se trató de un método fotográfico creado por el científico inglés William Henry Fox Talbot y basado en un papel sensibilizado con nitrato de plata y ácido gálico. Luego de ser expuesto a la luz, era posteriormente revelado con ambas sustancias químicas y después fijado con hiposulfito de sodio. La virtud de este procedimiento está en el hecho de ser el primero que genera una imagen negativa que podía ser posteriormente positivada múltiples veces como se quisiera. Además, resultó ser mucho más conveniente por usar como soporte hojas de papel en lugar de láminas de metal. De este modo introdujo dos características muy importantes para el posterior desarrollo de la fotografía: La imagen múltiple y un costo muy económico.

Louis Désiré Blanquart-Evrard

Louis Désiré Blanquart-Evrard, nacido el lunes 02 de agosto de 1802 en Lille, Francia. De ocupación comerciante de telas. En la década de 1840 comenzó a interesarse por la fotografía cuando aprendió el proceso calotipo de su farmacéutico. Este nuevo conocimiento lo impulsó a investigar más profundamente el calotipo. La albúmina se obtenía a partir de mezclar las claras del huevo de gallina con sal, después de un tiempo de reposo ésta se volvía nuevamente líquida. A continuación, utilizando un papel extremadamente fino se empapaba de albúmina, luego se dejaba secar y se sensibiliza con un baño de plata, que reacciona con el cloruro formando cloruro de plata. La exposición se realizaba por contacto directo (no por proyección o ampliación) del negativo con el papel expuesto a la luz solar, con lo cual se obtenía una imagen positiva de ennegrecimiento directo (POP). Para procesar la imagen esta se lavaba con agua, se fijaba (tiosulfato) y generalmente se viraba.

En el año de 1847 fue el primero en difundir el procedimiento "negativo y positivo" en papel albuminado en su natal Francia. Él mismo mejoró sustancialmente el proceso al utilizar nitrato de plata, yoduro de potasio y situando el papel humedecido con albúmina directamente en la cámara entre dos cristales. Con el paso del tiempo, la albúmina tiende a adquirir un tono amarillo y por eso las fotos antiguas adquieren un tono sepia. Pero, fue hasta el viernes 27 de mayo de 1859 ante la Academia de artes de París que su proceso fue formalmente presentado. Esto le llevó en 1851 a fundar cerca de Lille la Imprimerie Photographique, una editorial de arte a gran escala con cerca de cuarenta empleados, que difundió las imágenes de otros fotógrafos franceses y posteriormente en 1854 fue miembro fundador de la Sociedad Francesa de Fotografía. Murió el 28 de abril de 1872 pero este dio un gran aporte a la fotografía actual y que ayudó en su desarrollo.

En el laboratorio de Vidalon, los fabricantes de papel están desarrollando un papel que evita el costoso uso de cloro de oro o de platino. Los pioneros de la impresión en papel se apoyaron en papeles fabricados por Canson et Frères. En el año de 1851, el fotógrafo francés Gustave Le Gray registró una patente para su "Papel encerado seco". En su tratado, indica que utiliza un papel Canson en la elaboración de su papel encerado seco. Hay que tener en cuenta que Gustave Le Gray formó a todos los grandes fotógrafos de la época.

Canson, solicitó una patente por la mejora del procedimiento de albúmina, que se le concede el viernes 8 de diciembre de 1865, ya que simplifica las operaciones de impresión manteniendo un costo más bajo a las de otros tipos. Con este papel, se evita el empleo del cloruro de oro o de platino que servía para el virado. 

La revista "La Lumière" que realizó la primera publicación en prensa sobre la fotografía. Su trayectoria comenzó en 1851 y finalizó alrededor de 1967. Posteriormente, se descubrieron y desarrollaron diversos procedimientos destinados a blanquear el papel, evitar que se torne amarillo y así, aumentar su durabilidad, hasta fabricar el papel fotográfico tal y como lo conocemos actualmente. Se les concederán muchas patentes tanto en Francia como en el resto de Europa.

El papel fotográfico es un tipo de papel concebido específicamente para la impresión de imágenes o fotografías, por lo que el resultado final tiene mayor calidad. Para que la calidad de las fotos sea óptima es indispensable usar papel fotográfico. En el sentido más clásico, se trata de un soporte, por lo general de papel, cubierto por una emulsión sensible a la luz para la ampliación o reproducción de fotografías tomadas sobre film o película. El papel para impresión de fotografías, es más pesado que los papeles normales, lo cual significa que posee una mayor resistencia. El papel que se utiliza en el proceso fotográfico clásico se denomina papel fotográfico fotosensible la imagen se imprime a través de positivado(ampliación) o por contacto. La impresión de fotos en papel de haluros de plata no solo nos permite tener una copia física de la imagen para una apreciación más completa, además permite conservar las imágenes de manera tangible y evitar perder la información digital en caso de fallos tecnológicos o de almacenamiento. Se podrá escoger entre varias opciones; como la impresión en blanco y negro, o la impresión a color. Los papeles fotográficos fotosensibles experimentan una reacción física al ser expuestos a una fuente de luz. Dicha reacción forma una imagen latente que se hará visible gracias a un revelador, que separa las zonas del papel expuestas de aquellas que no lo fueron, oscureciendo -así- a las sales de plata.

El papel para impresión fotosensible en blanco y negro, generalmente es ortocromático – no es sensible a un rango del espectro lumínico; entre el ámbar y el rojo- este a su vez lo podemos clasificar en papeles de fibra, también conocidos como baritados [FB: fiber base] o resinados/plastificados [RC: resin-coated] y los existen en una amplia variedad de tamaños. Mantengamos en el foco de nuestra atención que estos papeles se procesan en un cuarto oscuro bajo luz de seguridad roja. Otra característica de los papeles en blanco y negro su grado de contraste, escala tonal entre el blanco y el negro, hay papeles de contraste de grado fijo: 0, 1, 2, 3, 4 y 5. Siendo el grado cinco del de mayor contraste y el cero el de menor, y papeles multigrado o contraste variable, que se controla a través de los filtros de la ampliadora o de los filtros de gelatina, con la densidad de los filtros amarillo bajo contraste y con la densidad de los filtros magentas mayor contraste. Mientras el papel RC, también conocidos como base de plástico (poliestireno PE) son más rápidos de procesar, ya que se consumen menos tiempo de lavado y secado que los papeles con base de fibra, generalmente son papeles con una emulsión sensible al bromuro.

El papel fotosensible fotográfico para color, se diferencia del de blanco y negro por el tipo de capa es poco sensible a la luz. Para la reproducción de todos los colores, contiene 3 capas sensibles; cada una (desde arriba hacia abajo) al azul, verde y rojo. En cada una de estas capas se encuentran pigmentos de los colores complementarios a su sensibilidad: Amarillo, magenta y cían. La dificultad de trabajo de este papel radica en conseguir un revelado equilibrado en las 3 capas para evitar colores dominantes y conseguir colores naturales. En las diferentes tecnologías disponibles hoy de papel de color se ha impuesto el plastificado frente al baritado.

La textura o acabado del papel para fotografía nos permite obtener diferentes resultados debido a que cada tipo se fabrica con revestimientos diferentes, que se deben elegir con base en el uso y los resultados que se espera obtener.

Papel fotográfico de acabado alto brillo. Este tipo de papeles proporcionan una reproducción de colores vibrantes, resolución nítida y clara. Resultan ideales para material fotográfico. El acabado liso que se obtiene con este papel permite un mayor contraste entre los tonos claros y oscuros, la reproducción de una gran variedad de tonalidades. Por su acabado altamente brillante y lustroso es importante considerar que puede ser difícil de visualizar bajo la luz intensa ya que la refleja, dificultando la lectura y observación. Este se refiere a un papel fotográfico que tiene un acabado pulido con recubrimientos brillantes en la superficie. Esto hace que los papeles satinados sean brillantes y reflectantes incluso si imprime con tonos oscuros. El acabado o la capa adicional de recubrimientos brillantes también hace que los papeles brillantes sean más fáciles de tocar que otros tipos de papel.

Papel fotográfico de acabado satinado. Se trata de un papel de textura semi brillante, estos se encuentran entre brillante y opaco; ofrece las cualidades de color y nitidez que el papel de alto brillo. Pero, refleja menos la luz por lo que es ideal para impresiones de fotografías o exhibiciones artísticas montadas detrás de vidrio. Dada su superficie no es totalmente opaca, por lo que se pueden conseguir buenos acabados si la fotografía posee una gama de colores amplia o cuenta con muchas sombras. Además, al igual que el papel de fotografía mate, los colores oscuros destacan y logran evitar los brillos en puntos concentrados. En algunos mercados se les conoce bajo el nombre de perla o lustre, es un papel de impresión con una textura áspera, más áspera que el papel brillante y más suave que el papel mate. El acabado lustre es versátil y los papeles vienen con diversos grados de suavidad de acabado. Existen papeles lustrosos con una superficie rugosa, casi como la de un acabado mate, conocidos como semi brillantes o satinados, y papeles lustrosos con un acabado brillante, casi como la de los papeles satinados, conocidos como perlados.

Papel fotográfico de acabado mate. El papel fotográfico opaco no cuenta con un revestimiento brillante sin reflejar la luz por lo que es más fácil de ver bajo cualquier tipo de iluminación. Dado que, las imágenes impresas pueden parecer menos nítidas, será más fácil de observar la imagen bajo luces brillantes porque no tiene ese revestimiento reflectante. Su acabado provee de una sensación arenosa o granulada. También, podrás disponer de papel extra mate.

Papel fotográfico fine-art. Mejor conocido también como papel profesional para fotografía. Como su propio nombre lo dice, los acabados y la calidad de este tipo de papel de fotografía es muy superior a los papeles clásicos. Este papel fotográfico profesional cuenta con fibras de composición natural, mayormente algodón o alfa-celulosa. Esto permite que el papel no se blanquee artificialmente con el cloro, por lo que la alta durabilidad de estas fotografías está garantizada.

Papel fotográfico premium. También conocido como fotográfico mate tiene un aspecto extremadamente elegante, profesional. El acabado mate dará a tus fotos un aspecto refinado con un tacto agradable. Además, la superficie mate es menos reflectante, el papel es insensible al polvo o a la luz e incluso resiste bien las huellas dactilares, lo que es perfecto si tu álbum va a pasar por muchas manos. Este papel, de menos contraste, permite contornos suaves. Es por eso que es perfecto para retratos, fotografías de paisajes, fotos con motivos delicados o en blanco y negro. Combínalo con una cubierta mate para crear un álbum de fotos único de alta calidad. Este es similar al mate clásico, pero te ofrece, además de unos contrastes suaves, unos colores intensos y una buena profundidad de campo para tus imágenes. El papel extra mate también destaca por su sutil brillo, sin apenas reflejos, y por su tacto ligeramente rugoso, casi una textura aterciopelada.

Papel fotográfico para impresión digital. Las técnicas de impresión digital son varias y muy diferentes. De ahí que, hay diferentes opciones para imprimir imágenes. Entre las técnicas de impresión digital podemos mencionar a la sublimación, sublimación de cera termal, impresión láser, impresión de tinta líquida. La mayor parte de la industria de la fotografía ha apostado por las tecnologías de tinta líquida. También conocidas como imprentas de escritorio InkJet o impresión por inyección de tinta. Las imprentas de escritorio de tinta líquida son equipos versátiles y que pueden ser útiles para impresión de textos y documentos de casa, oficina o bien uso profesional de fotografía. Casi todos los papeles de impresión se fabrican casi de la misma manera, la suavidad de sus superficies varía según el acabado. El lustre y el brillo son algunos de los recubrimientos más comunes que se aplican a los papeles fotográficos debido a su capacidad para revelar el color real del sujeto.

El papel fotográfico para impresoras InkJet tiene una capa porosa que absorbe la tinta de la impresora. La capa con poros se recubre con una capa de polímero que protege la imagen impresa contra la decoloración y el desvanecimiento. La capa porosa está hecha de materiales que permiten que la tinta se absorba rápidamente y se seque rápidamente.

¿Cómo se fabrica este papel? Primero, se elabora una base de papel a partir de pulpa de madera o fibras de algodón. Luego, se aplica un revestimiento a la base de papel que ayuda a que la tinta se adhiera al papel y que la imagen tenga un aspecto brillante. El revestimiento puede estar hecho de una variedad de materiales, incluyendo resinas, mica o poliéster. Finalmente, el papel se corta en tamaños específicos y se empaca para la venta.

Observemos algunas de las características, las más importantes al buscar el papel fotográfico ideal que te van a ayudar a alcanzar la opción idónea para cada una de tus fotos: Opacidad, brillo, peso y calibre:

Opacidad. Cuanto mayor sea la opacidad en un papel menor será la posibilidad de que la tinta traspase el papel. Normalmente el papel fotográfico cuenta con 94%-97% de opacidad, por lo que normalmente no tendrás que preocuparte por este problema.

Brillantez. Se expresa en números comprendidos entre el 1 y el 100; normalmente, los papeles fotográficos se encuentran cerca del 90. Sin embargo, no todos marcan su grado de brillo, incluso en el mercado nos encontramos con que algunas marcas utilizan escalas como: Extra-blanco, brillo-blanco, u otros grados que no explican el grado de blanco esperado por lo que la mejor opción es comparar unos con otros. Si nos fijamos, veremos que hay unos papeles que son más blancos que otros, esto no quiere decir que uno sea mejor que otro, si no que uno se adaptará mejor que el otro dependiendo de la imagen que queramos imprimir.

Si vas a imprimir imágenes con muchos colores vibrantes, querrás elegir un papel con un acabado brillante. Si estás imprimiendo imágenes con muchos detalles, querrás elegir un papel con un acabado mate.

Peso. El peso del papel -gramaje- dará importancia a tus fotos, evitará que se arruguen fácilmente y les aportará una mejor apariencia. El peso se indica típicamente en g/m². La escala en la que se encuentran la mayoría de papeles está entre los 90 y 270 g/m², pero al igual que la opacidad, hay marcas que utilizan su propia escala indicando por ejemplo muy pesado/más pesado. En general, nos interesa optar por papeles de mayor peso. Es importante que compruebes los rangos de gramaje del papel que admite tu impresora, ya que hay impresoras que no aceptan papeles muy pesados. Los pesos más comunes son 20, 24 y 32 libras por millar.

Calibre, se trata de la densidad del papel, es decir, el ancho del papel. Se mide en milímetros o en milésimas de pulgada y normalmente se encuentra entre 7-10 mm o 220-300 mm. Suele guardar relación con el peso, aunque puedes encontrar papeles del mismo calibre y diferente peso. El calibre es una variable importante a tener en cuenta para la conservación de la fotografía y la impresión de la misma, pues las bandejas de papel poseen límites en este apartado en particular que se deben saber y respetar para dañarla. Si estás imprimiendo imágenes grandes, querrás elegir un papel con un alto gramaje. Esto ayudará a que la imagen sea más duradera y evitará que se doble o se rompa.

La mayoría de las marcas poseen una línea de papel Premium, suelen tener algunas bondades que te comparto a continuación para que selecciones la opción idónea para tus proyectos:

Alta calidad: El papel fotográfico Premium está hecho de fibras de algodón 100%, lo que lo hace resistente y duradero.

Acabados brillantes, mate y semibrillante: El papel fotográfico Premium está disponible en una variedad de acabados, lo que te permite elegir el acabado que mejor se adapte a tus necesidades.

Colores vibrantes e intensos: El papel fotográfico Premium tiene una superficie lisa que ayuda a que los colores se vean vibrantes e intensos.

Resistente al agua: El papel fotográfico Premium es resistente al agua, por lo que tus fotos no se desvanecerán ni se mancharán con el tiempo.

Fácil de usar: El papel fotográfico Premium es fácil de usar y funciona con la mayoría de las impresoras InkJet.

La relación de aspecto es la relación proporcional entre el ancho y el alto del rectángulo de una imagen. Las cámaras de fotografía diferentes modelos y formatos poseen distintas relaciones de aspecto, por lo que si utilizas una cámara digital, una cámara de película de 35 mm o una cámara de teléfono, es posible que esta proporción cambie de una a otra. Entender el tamaño y la relación de la imagen es muy importante porque afecta directamente la forma de componer la toma y a su impresión en papel fotográfico. Las cámaras DSLR de formato completo / full frame (24mm x 36 mm) y las cámaras con sensor de recortado APS-C tienen sensores con una relación de aspecto de 3:2 o standard. Sin embargo, aunque la relación de aspecto está determinada por las medidas del sensor, algunas cámaras permiten cambiarla antes de hacer la toma, y podrás hacer cambios durante la edición de la imagen digital. Otra manera de expresarlo es con un número decimal que resulta de la división de ambos dígitos, por ejemplo, de 3:2 sería 1.5. Aunque en este caso, se ignora la orientación horizontal o vertical de la imagen. Las hojas de papel fotográfico suelen coincidir -casi siempre- con esta misma proporción. De aquí que los tamaños más comunes disponibles en el mercado son 4"x6", 5"x7", 8"x10" y 11"x14" pulgadas.

La relación de aspecto clásica (3:2) nos viene desde de la película de formato 35mm que equivale a 24 mm x 36 mm y es la relación que han mantenido todas las DSLR, tanto en el caso del sensor recortado(APS-C) como full frame o las cámaras sin espejo. Incluidas también, algunas de formato medio. Es el que corresponde con la impresión más standard de papel 8.5"×12" pulgadas.

Sin márgenes/bordes blancos. Para agregar elegancia y mayor atractivo será idóneo que tus impresiones no incluya márgenes blancos en sus orillas. Durante la impresión selecciona en los parámetros de la opción sin bordes. Si a pesar de todos los intentos queda un pequeño borde blanco corta el papel fotográfico con una guillotina para papel, no intentes cortar papel fotográfico a mano y con tijeras, se obtiene un indeseable resultado curvado.

Vamos a adentrarnos ahora a un mundo nuevo, el de los propósitos de conversión. Se trata de una herramienta clave para lograr una buena representación del color. La administración de los colores no permite que el color -tonos, saturación y luminosidad- que observamos en la realidad se reproduzca exactamente igual en la pantalla o en una hoja de papel. Lo que sí podemos es realizarlo de una manera coherente y controlada.

El perfil de cámara, es una estrategia para adecuar la reproducción del color de una cámara, a la percepción que el ser humano tiene sobre una escena. Es decir, no es que una cámara lea mal el color, es que le es posible verlo igual que lo vemos nosotros. Para eso se usan perfiles de color, que en esencia son unas estructuras de transformación basadas en simples matrices de 3x3 que ayudan a hacer una conversión de espacio de color, es decir, a modificar el color producido de forma nativa por un dispositivo. Todas las herramientas de procesado RAW llevan en su interior esta información en forma de una matriz, que nos ayuda durante el procesado a obtener colores relativamente fiables. Por esta razón se hace necesario que nuestro Photoshop se mantenga actualizado con la información de las nuevas cámaras, con el fin de que estos nos ofrezca imágenes que seamos capaces de reconocer como más o menos naturales.

Para calibrar el monitor de vídeo donde trabajas tus proyectos de revelado digital o edición de la imagen digital puedes acudir a herramientas para aficionados, para fotógrafos y para profesionales de datacolor como sus opciones Spyder5 express, Spyder5 pro y Spyder5 Elite.

Lo primero, será contar con un buen monitor (pantalla) correctamente perfilado y calibrado. Asumimos que editamos desde Photoshop donde se dispone de un espacio de color de forma habitual, desde otros editores de imágenes digitales se dispone de la posibilidad de realizarlo directamente con un Perfil ICC de nuestra cámara. Sigamos trabajando con Photoshop, ahora vámonos a Edición - Convertir en perfil y entrar en esa ventana llena de información que se nos puede abrumar. La clave es elegir adecuadamente los propósitos de conversión y eso es lo que vamos a observar a continuación para conseguir la mejor copia impresa posible. Vamos a entender por los propósitos de conversión, estos sirven para llevar los colores desde un espacio a otro. De un espacio de salida a uno de entrada. Pasar, por ejemplo, de un espacio de color RGB a un perfil ICC de un papel con una impresora a color.

Mientras observamos los colores en la pantalla de nuestra PC, donde los colores que vemos están perfilados y calibrados no se podrán imprimir en un papel determinado porque tienen un gamut distinto. El gamut o gama es la porción del espacio de color que puede ser reproducida por un dispositivo determinado como bien lo explica José Pereira. Si utilizas equipos Canon te vendrá bien leer la siguiente guía para impresión. Hacer clic aquí.

Cuando deseamos pasar de un gamut a otro se hará necesario contar con los propósitos de conversión para saber qué hay que hacer con los colores que quedan fuera del más pequeño de los dos, los colores fuera de gama. Y tenemos cuatro opciones distintas para resolver el mapeo de gama.

Para avanzar a partir de este punto prestemos atención al siguiente tutorial que incluye muchos de los detalles técnicos que nos van a llevar hasta alcanzar el resultado idóneo.

Antes de despedir este post y agradecerte por haber llegado hasta el final. También agradezco por su asesoría profesional a la Lic. Ana María Moya.