01 enero 2023

El ISO: Sensibilidad a la luz

Hace algunos años atrás, para ir a tomar fotos -antes- pasábamos al supermercado y comprábamos bobinas de película de 35 mm. en chasis de metal, solían venir en rollos de 12, 24 o 36 exposiciones y con algún truco se lograba obtener dos exposiciones extra de cada rollo. En el mueble de los rollos podías -además- seleccionar películas con ISO 100, 125, 200, 400 y 800. Con esto te preparabas para tomar tus fotos en un escenario con abundancia de luz (ISO 100) o con poca luz (ISO 800) o también, si lo que estás por fotografiar se encuentra en reposo o en movimiento. ¿Qué es entonces, eso del ISO?

La sensibilidad, en fotografía, es la susceptibilidad a la acción de la luz de una emulsión de la película expresada numéricamente a efectos del cálculo de la exposición. Hace un tiempo había en uso muchos sistemas, tanto particulares como nacionales, entre ellos el H&G (Hurter y Driffield), el Scheiner, el Weston, el BSI (British Standards Institution), el DIN (Deutsche Industrie Norm), el GOST (Gosudarstvenny Obshchesoyuzny Standart) y el ASA (American Standards Association). En virtud de los recientes acuerdos internacionales ISO, los sistemas DIN y ASA se incorporan a un nuevo sistema conocido como ISO (International Standards Organization). En este 100 ASA (21º DIN) se convierten en ahora en 100/21º ISO, aunque hoy día solo se le identifica como ISO 100 en la práctica diaria.

La sensitometría, es la responsable de conocer, investigar y estudiar aquellos materiales que son sensibles a la luz. Es la ciencia que estudia el comportamiento de los materiales fotográficos. La técnica de la sensitometría tiene sus orígenes en el trabajo desarrollado por Ferdinand Hurter y Vero Charles Driffield cerca del año de 1876, con algunas de las primeras emulsiones fotosensibles en blanco y negro. Las sensibilidad ISO, junto a los pasos de apertura del diafragma y las velocidades obturación forman el triángulo de la exposición:

Según la normativa ISO -técnicamente- la sensibilidad efectiva se halla de la siguiente manera: Es la proyección en el eje horizontal (la exposición) del punto donde la curva alcanza un valor de 0.1 por encima de la densidad de la B+V, cuando una diferencia de exposiciones de 1.3 Log E (equivalente a 4 diafragmas y 1/3) produce un rango de densidades de 0.8.  La normativa ISO 12232 describe cómo medir la sensibilidad con la imagen digital, la cual permite que las sensibilidades ISO sean equivalentes en digital y en película. En la práctica, se espera que un ajuste ISO para una película o para una cámara digital con la misma iluminación para el sujeto y utilizando un objetivo similar, produzca en una exposición (EV) igual en el plano focal.


El estudio sensitométrico. Se estudia cómo responde un material ante la presencia de la luz y el revelado. Se mide cuál es el grado de ennegrecimiento que producen una serie de exposiciones, desde la más pequeña hasta una excesiva. Todo ello se mide sobre un material en concreto y después de un revelado. En este estudio, lógicamente, se tienen en cuenta todos los factores que participan en el proceso. Así pues, sólo será aplicable en esas condiciones, con ese material y ese revelado. Para hacer un "auténtico" estudio sensitométrico de un material se necesitan un sensitómetro y un densitómetro. El sensitómetro, es un aparato que sirve para exponer tiras sensitométricas con alta precisión. El densitómetro es esencial y sin él no se puede hacer un estudio completo, su función es medir la densidad de un punto determinado de un material cualquiera.

En la actualidad la película está substituida por el  sensor digital.  En la parte posterior del cuerpo de la cámara hay un espacio que conocemos como plano focal; se le llama "focal" al plano en el que el objetivo proyecta a foco la imagen del objeto o motivo de una fotografía, lo que significa que en el plano focal se encuentra nuestro punto nodal (donde convergen los ases de luz de las lentes del objetivo) y es exactamente en ese lugar donde se coloca el sensor de la cámara. El sensor digital de la cámara, es aquella pieza de hardware localizada en el interior del cuerpo de la cámara, el cual recibe y transmite la información necesaria para producir la imagen. La función del sensor, está en detectar y capturar la información que compone la imagen. Esto se logra al convertir la atenuación de las ondas de luz en señales eléctricas. Las ondas capturadas por el sensor pueden ser luz u otro tipo de radiación electromagnética. Se trata de una matriz de elementos fotosensibles que funciona convirtiendo la luz que capta en señales eléctricas, que luego pueden ser convertidas, analizadas, almacenadas y representadas a posterioridad como un patrón, bien sea analógico (como una señal de barrido o escaneo) o digital (con el consiguiente muestreo y la conversión numérica de los valores de luminosidad.


Los elementos fotosensibles del sensor se conocen como pixel, palabra proveniente del acrónimo de picture element. El número de píxeles del sensor se suele medir en cantidades como millones de píxeles (o megapíxeles, Mpx). De forma general se puede decir que mayores cantidades indican la posibilidad de imprimir (o visualizar) fotos a tamaños más grandes y con menores pérdidas de calidad. Los píxeles de mayor tamaño tienden a generar una mejor calidad de imagen y una mayor sensibilidad. La menor sensibilidad la encontramos al utilizar un ISO 100 o nativo, mientras en el extremo opuesto la mayor sensibilidad a la luz la encontramos en el ISO 6 mil 400. Así entendemos que la sensibilidad es inversamente proporcional a la intensidad de luz disponible: Cuanta mayor luz haya en el ambiente o escena, menor sensibilidad ISO deberás o tendrás que utilizar y al contrario.
Sensor Sony IMX661

Actualmente, el mayor sensor disponible es uno del tipo CMOS denominado IMX661 con tecnología global shutter y posee una resolución de 127.68 Mpíxeles, la mayor de la industria en un sensor de este tipo hasta 2023 es de 3.45 x 3.45 μm y tiene un total de 13 mil 400 x 9 mil 528 píxeles efectivos, es fabricado en Japón por Sony.

Tipos de submuestreo de la crominancia

Archivos de imagen en la ingesta. Al conjunto de datos que se generan desde el sensor y que forman un paquete de datos no procesados de la imagen, comúnmente se les conoce como archivo RAW. Para proyectos de cine digital también se utiliza el material logarítmico -LOG- que se concentra en almacenar la mayor cantidad de datos de la luminancia y restando espacio a los datos de crominancia, mismos que se podrán rescatar en el postproceso del material grabado. En el mercado actual existen opciones optimizadas de estos como los HLG de Sony (Hybrid Log Gamma). También, son muy utilizados los archivos Rec709. Veamos un resumen acerca del ISO en el siguiente vídeo:


Para generar mayor cantidad y variedad de colores se debe contar con mayor cantidad de bits en la profundidad de color, que es la que define la cantidad de color que almacenará la imagen. En la fotografía, el término rango dinámico describe al intervalo presente entre los valores máximos y mínimos de intensidad lumínica (blanco y negro, respectivamente). El ojo de los seres humanos posee un rango dinámico equivalente a entre 20 y 25 f-stops. A esta fecha, las cámaras digitales profesionales suelen contar con un rango dinámico de entre los 14 o 15 f-stops, mientras que las cámaras más simples cuentan con rangos dinámicos de 8, 10 o 12 f-stops, dependiendo del quien es su fabricante, cuál es el modelo y cuando fue su año de fabricación.
Ruido digital que acompaña al ISO

La sensibilidad ISO controla la cantidad de luz que necesita nuestra cámara para hacer una fotografía. El ISO controla la sensibilidad lumínica de la cámara. Si la luz es muy abundante y brillante, se demandan valores de ISO más bajos, mientras que aquellas situaciones más oscuras -luz crítica-  se hace necesario emplear valores de ISO más altos. Con esto también pasará que un ISO elevado puede modificar la calidad de la imagen, pues tu cámara generará más
ruido digital y esto afectará al rango dinámico. Cuanto más ruido capte tu cámara en las zonas oscuras, más difícil será extraer detalles de las sombra. La sensibilidad ISO lo que hace es amplificar digitalmente la señal natural, haciéndonos ganar más luz, pero a costa de perder algo de control en la calidad en la imagen. El ruido es esa especie de grano -gris- que aparece sobre todo en las zonas más oscuras de la foto. Se trata de un elemento de la imagen digital que no se valora como estéticamente agradable, más bien al contrario. Trabajar con una sensibilidad de ISO elevada también puede modificar la calidad de la imagen, pues tu sensor generará más ruido digital y esto -finalmente- afectará al rango dinámico. Cuanto más ruido capte tu cámara en las zonas oscuras, más difícil será extraer detalles de las zonas de sombras. Vamos a verlo resumido a través del siguiente vídeo:

Para recordar: La mayor calidad de imagen con una cámara digital se obtendrá usándola a su menor sensibilidad ISO equivalente. El uso de sensibilidades ISO mayores a ISO 800 se traducirá en un aumento de pixeles distribuidos al azar, principalmente en las zonas de sombra de la imagen. El ruido digital, a diferencia del grano de la película, no será proporcional en toda la imagen, sino que se manifestará de forma evidente en las zonas oscuras. El ruido, se manifiesta más en algunos canales que en otros. Normalmente el canal azul suele ser el que contiene más ruido. Es posible editar este canal posteriormente con algún programa de edición de imágenes digitales para reducir el ruido mediante la aplicación de algunos filtros. Éxitos totales.

Qué estés bien.






01 diciembre 2022

Retratos casuales ¿Cómo se hacen?

¿Has hojeado y disfrutado de alguna revista con fotos de ropa y accesorios? ¿O tal vez miraste en la tele alguna serie de reality show donde había modelos y diseñadores de vestuario? Es muy probable que te sientas atraído por estos retratos tan llamativos y pienses si algún día podrías lograr producir algunos tan buenos. La noticia genial de hoy es que si tienes el suficiente potencial creativo para producir retratos casuales con alto impacto.
En los párrafos que vienen por delante vamos a meditar juntos en el proceso para crear material fotográfico de moda o retratos casuales en estudio o plató de retratos. La fotografía de moda, que es una combinación de fotografía de retrato, product shot y artística, es un género en el que convergen el arte y el comercio. Dicho de otra forma, consiste en narrar historias increíbles. Y las posibilidades son ilimitadas cuando se trata del modo en que tú las cuentas. El retrato, es un tipo de fotografía que ofrece la oportunidad de retratar algo más que mostrar un simple rostro, y un buen fotógrafo de retrato sabe cómo utilizar los elementos y técnicas a su favor para plasmar una emoción con una intención artística expresiva. Cada vez que tea posible muestra la autenticidad y la personalidad del talento que posa frente a nuestra cámara. Dicho en otras palabras, se trata de un género donde se reúnen toda una serie de iniciativas artísticas que giran en torno a la idea de mostrar las cualidades físicas o morales de las personas que aparecen en las imágenes fotográficas.
El retrato casual supone el uso de parámetros que combinan tratamientos de imagen en la última etapa del proyecto con el fin de embellecer el arte final o el acabado de la misma. Esto lo convierte en una fotografía en apariencia simple, pero nada más lejos de la realidad pues desarrollar un book a esta escala requiere buen gusto y conocimientos amplios; tanto en fotografía de moda, como de belleza a la hora de su realización. Sobre todo por la complejidad que implica mezclar ambos géneros. El retrato casual destaca por lucir prendas de vestir básicas, sencillas, acompañándolas de algunas más elegantes o formales. Y como persona se debe mantener una actitud: Positiva ante la vida, relajada, algo ingenua pero a su vez cargada buena onda, dulzura y empatía. Implica incluir algo de estilo de vida y actividad laboral o de ocio.
Lo primero. Investiga a fondo, observa mucho, colecciona fotos, desarrolla sensibilidad de observador y llenate de inspiración. Busca cuáles son las ventajas de la fotografía de moda y de esta manera podrás hacerte una idea de cómo quieres tus fotos, en tu propio y particular estilo. La organización y planificación en este estilo pueden marcar la diferencia. Busca imágenes y referencias que te inspiren, elegantes, que impacten. Es importante dedicar tiempo para encontrar fotografías que te emocionen por algún motivo. Las puedes hallar en sitios web que tengan productos interesantes, en las redes sociales o directamente en revistas especializadas en moda, pero no te enfoques sólo observar aquellas más reconocidas.
Reúne un álbum o carpeta con imágenes de retratos fashion que valores como atractivas, luego de esto, organízalas por temas, reunelas por semejanza, por colores o por localización, por su estilo creativo, etc. Este archivo te va a resultar ser muy útil para consultar previo y durante realices la toma de tus fotografías. Será muy valioso que los mantengas a la mano siempre para revisar, seleccionar y verificar.
Toma tiempo para aplicar a tus proyectos la simbología del color, organiza paletas de colores armónicas, define el color del entorno y del fondo, los colores del vestuario, etc.
La primera etapa de la planificación de tu proyecto de retratos se conoce como pre producción. Aquí nos dedicamos a resolver -con oportuna anticipación- todo lo que haremos en siguiente momento. Lo vamos a redactar en orden en documentos conocidos como desglose de pre producción; se trata de inventarios completos que dan solución a las necesidades de tu proyecto. Aquí vamos a redactar tus objetivos del proyecto ¿Qué deseas lograr con éste? Describe el tipo de fotos, estilismo, ubicación, maquillaje y demás metas que planeas para los modelos y tus fotos. Y repasa esos aspectos con tus compañeros implicados para que, en el momento de la sesión todo llegue a buen puerto. La estructura de este primer documento se parece mucho al desglose para un comercial de televisión.
Te vendrá bien, que entiendas los fundamentos de la iluminación de retratos. La luz, es la materia prima de la fotografía, saber seleccionar la luz correcta hará una gran diferencia entre una iluminación buena y una extraordinaria. Los diagramas de iluminación son importantes, te ayudan a reducir tiempos y hablan bien de un proyecto profesional y organizado.  Organiza y planifica bien el valor de plano o encuadre que vas a aplicar, según el nivel de intimidad o respeto que deseas imprimir a cada foto, si vas a destacar el fondo junto al modelo, o si tu modelo será el centro de interés destácalo profesionalmente. Dedica algo de tu valioso tiempo para definir y seleccionar la mejor óptica u objetivo a utilizar para el registro de tus imágenes digitales, prueba con objetivos con distancias focales dentro del rango de 50 mm.  a 135 mm. Recuerda enfocar en las pestañas del ojo más próximo de tu modelo y selecciona correctamente el mejor diafragma para tu toma de retratos, así evitas errores ópticos y te ahorras problemas. Asegurate de encontrar a la persona ideal -modelo- para tu tipo de fotografías, selecciona al modelo idóneo para lograr retratos memorables, la búsqueda de talento puede tomar horas o hasta semanas, no corras y prepárate bien. Por temas legales siempre pide al modelo que complete y firme un contrato de cesión de derechos de imagen. Nuestro foco -aquel detalle que sobresale por su nitidez- debe destacar el centro de interés, un detalle deberá dominar al resto de los elementos dentro del cuadro.
Siempre nos ayudará mantener un clima de confort, de respeto y de cordialidad para favorecer la comunicación entre el fotógrafo, el crew y el talento para que esta sea fluida y clara. Se recomienda que no haya muchas personas haciendo uso de la palabra hablada, por orden y jerarquía será mejor que sólo el fotógrafo dirija la sesión. Si estás relajado y disfrutas tomar la foto, les relajarás a ellos también. Y por supuesto, sonríe cada vez que puedas. Esto facilitará muchas cosas. Asegúrate que sepan que son especiales y diles que crees que se trata del modelo perfecto para la fotografía que tienes en mente.
También, nos vendrá bien tener algunas ideas básicas acerca de cómo dirigir la sesión para disfrutar del mejor clima laboral y creativo posible. La creatividad, el mensaje idóneo, el estilo personal se sirven de la composición visual para organizar los elementos que construyen al retrato. Dentro de las líneas de composición vamos a destacar la aplicación de la S de la belleza, será mejor que la tomes en cuenta durante todo el avance del proyecto. Debes ser acucioso y muy observador, con una gran capacidad de análisis y comprensión del alma humana.
Para realizar tu sesión de retratos casuales o de moda de preferencia utiliza una cámara de fotografía réflex o DSLR de marco completo, que cuentan con visor óptico, aunque hoy día hay -también- excelentes cámaras sin visor óptico -mirror less- para este propósito. Recuerda guardar los registros de la imagen digital en archivos RAW. Los archivos de este tipo -RAW- te permiten mayor agilidad durante la última etapa del proyecto conocida como post-proceso (post production).
Ahora sí, ya hemos comprendido que para lograr un retrato casual vamos a transitar por tres momentos en secuencia: La pre producción, la realización o sesión de retratos en sí misma y la post producción.

Se te desea lo mejor en tu próximo proyecto de retratos.

Qué estés bien,












El autor de este post es publicitario, creativo y productor audiovisual y ha incursionado exitosamente como docente universitario para el Instituto de Mercadotecnia y Publicidad de México, así como en la UNITEC en Honduras desde hace más de treinta años. Es asesor publicitario independiente, redactor de artículos sobre publicidad, conferencista y blogger.

03 noviembre 2022

Las líneas rectas y su efecto en el observador

Es casi seguro, que te hayas preguntado más de una vez ¿Qué estructura a la imagen, qué crea ritmo visual, como se conduce la mirada hacia un punto determinado? Para todas estas dudas la respuesta común será las líneas.
Las reglas de composición visual son subjetivas. Pero, existen patrones y elementos comunes por los que los seres humanos percibimos imágenes. 
Alguien dijo que la línea, es un punto que salió a caminar. Las líneas, derechas o rectas según su posición; horizontal, diagonal o vertical le hablan a nuestro cerebro y éste las entiende, les asigna valor y significados. Las líneas rectas son infinitas, por lo que nunca podremos trazar una línea recta completa, solo un pequeño trocito, el resto de la línea lo tendremos que imaginar. De manera que, si aspiras a crear imágenes; ilustraciones, películas o fotografías con mensaje claro y afectar al auditorio de observadores a tu alrededor vamos a poner nuestra atención completa en los párrafos que vienen más adelante.
Línea horizontal paralela al horizonte del paisaje sobre un cuerpo de agua.

Vamos a poner en claro algunos conceptos muy básicos para iniciar. La línea
es una sucesión continua de puntos, muy unidos, y que se extienden de manera indefinida formando un trazado en un mismo plano. Es también, el elemento más básico de todo gráfico y uno de los más sumamente utilizados. Representa a la forma de expresión más sencilla y pura, que a la vez puede ser dinámica y variada. A continuación nos vamos a enfocar en las líneas rectas.

Los sentidos se deleitan con las cosas que tienen
las proporciones correctas.

Tommaso d'Aquino.

La palabra horizonte en español proviene del latín horizontem, quien a su vez, lo tomó prestado del griego ὁρίζω (horizo) y este de la expresión ὅρος κύκλος (horos kyklos = límite [horos] de la rueda [kyklos]). Surge de la idea el límite donde parecen que se unen la tierra con el cielo. Así que vamos a entender por línea horizontal a aquella que tiene la misma dirección de la línea del horizonte, es esa línea acostada que carece de inclinación. Se desplazan de derecha a izquierda y viceversa, además de ser perpendiculares (en ángulo de 90 grados) a la línea vertical. Al ser nula su inclinación, es la referencia usual para ubicar otras figuras y objetos sobre el plano y el espacio o el visor óptico o LCD de la pantalla de la cámara de fotografía, cine o televisión.
La línea horizontal aparece con mucha frecuencia en el diseño de imágenes gráficas, además de ser una referencia para la posición de los diversos elementos, constituye el eje de simetría de muchas figuras. Para motivos de la práctica fotográfica se suelen alinear la línea del horizonte del paisaje con la línea horizontal de la base del rectángulo del visor o pantalla. Son claves a razón de su peso (nos invita a considerar las líneas horizontales como el fundamento en la cual poder sostener objetos, una base estable, pesada, de calma, reposo y descanso) pues observamos el mundo que nos rodea en formato horizontal. ¿Qué significa esto? Llega una de las primeras características expresivas, se ajustan mejor a un formato de encuadre horizontal. El ojo se comporta como un perfecto lector y le resulta interesante recorrer líneas horizontales en formatos de encuadre apaisados. La línea horizontal por excelencia será el horizonte, presente en la mayor parte de paisajes, fotografías de diversas temáticas y punto de referencia primario. La línea del horizonte funciona como línea dominante. Al mantenerla recta y horizontal, suele ser una referencia visual clave para obtener una imagen estable.

Las líneas horizontales, transmiten sensaciones de estabilidad, de calma, de descanso. Podríamos entender acerca de estas que son líneas que "no pueden moverse" porque están "acostadas", apoyadas sobre alguna superficie, son inalterables. Las líneas horizontales parecen poseer una posición de reposo -estar acostadas- al parecer apoyadas sobre una superficie.
Los troncos de árbol crecen perpendicularmente al horizonte.

En posición perpendicular a la línea del horizonte del observador tenemos a la línea vertical. La palabra vertical se originó en el vocablo latino verticalis de verticis (vértice) a su vez derivado del verbo vertere = girar. Como el vértice se aplicó al polo celeste, lo vertical pasó a significar algo con sentido ascendente, dirigido hacia arriba. La línea vertical, es aquella que sigue la dirección en la que cualquier objeto cae al suelo cuando se lo suelta desde cierta altura y es perpendicular a la línea del horizonte, ya que forma con esta un ángulo de 90º. La línea vertical nos sugiere un movimiento muy común en la naturaleza: La caída libre, así como también, describe la dirección de otras fuerzas, como la gravedad, cuando ellas actúan perpendicularmente a una determinada superficie. También indican poder y elevación, sugieren el momento justo antes de iniciar, une el cielo con la tierra, representa espiritualidad o la relación del hombre y Dios. Es la línea que indica que algo sube o que baja, según. Si las horizontales expresan estabilidad como base, las verticales transmiten velocidad y una mayor sensación de movimiento, ya sea hacia arriba o hacia abajo. Siendo que ciertas formas verticales pueden actuar como obstáculos o barreras diferenciando zonas dentro del encuadre, obtienen un gran poder de división que les confiere fuerza y poder. Parece que las líneas verticales y horizontales poseen propiedades intrínsecas opuestas, por tanto, la última de las implicaciones será conjunta, la aparición de ambas orientaciones de líneas se equilibran de forma natural, una detiene a la otra. Las líneas verticales pueden transmitir fuerza, poder o crecimiento.
Paisaje urbano y líneas diagonales u oblicuas.
Las líneas diagonales u oblicuas son las que no tienen la dirección vertical ni horizontal. Ni forman ángulos rectos al cruzarse con éstas. Las líneas rectas dividen el plano en dos partes. Las diagonales atraviesan el fotograma -rectángulo del visor- conduciendo la mirada como ninguna otra línea ¿Qué relación tiene esto con la profundidad? ¿Qué ocurre cuando aparecen varias diagonales? ¿Cómo varía el concepto de perspectiva?
Líneas diagonales convergen en un punto y crean la perspectiva.
Dirigen la mirada a un punto.

El grado de inclinación en las líneas diagonales provoca tensión compositiva. Otorgando propiedades muy marcadas: Dinamismo, velocidad y dirección más allá de la expresión de una vertical, más actividad y vida en la imagen. El máximo ángulo que podremos conseguir (a camino entre una vertical y una horizontal) será de 45º, convirtiéndose en una potente herramienta para expresar el máximo de dicha actividad. La línea diagonal suele implicar, acción, movimiento, tensión, fuerza, dinamismo, inestabilidad, desequilibrio, entre otros.
En geometría podemos entender por diagonal a dos esquinas no adyacentes de un polígono conectando en línea recta oblicuamente, transversalmente. conectando dos esquinas no adyacentes de un polígono en una línea recta. Su raíz proviene del latín diagonālis y éste a su vez proviene del griego, diagonios, término compuesto por dia (“a través”) y gonia (“ángulo”). Estas líneas diagonales se pueden agrupar de dos formas: Las de dirección ascendente, que según el contexto puede dar, metafóricamente, una sensación de esfuerzo, de lentitud o de progreso. Y las de dirección descendente, como si un personaje estuviera cayendo a través de una rampa, pudiendo dar una sensación de velocidad o de hundimiento.

“Las líneas rectas van demasiado rápido para apreciar los placeres del viaje. Corren directamente hacia su objetivo y luego mueren en el mismo momento de su triunfo sin haber pensado, amado, sufrido o disfrutado”. Rene Crevel.

Hay cosas fundamentales que no podemos obviar, sin la composición visual impera el caos. ¿Cómo vas a agregar nuevos significados a tus fotos? ¿Cómo utilizarás las líneas para hablar y comunicar mensajes claros a tus observadores con cada nueva foto? ¿Sientes que posees nuevas herramientas para comunicarte a través del lenguaje gráfico?

Cuando aplicamos las líneas o rayas al vestuario deberás considerar que mientras más gruesa la línea, más volumen aporta al cuerpo. Cuanto más delgada sea la raya horizontal más delgado se observará el cuerpo. Por ejemplo si utilizas un sweater de rayas, éste te ayudará a sumar volumen en el área de tu pecho y tus caderas, favoreciendo a personas delgadas. Si el efecto que buscas es al inverso, deseas estilizar la figura te vendrá bien un estampado de rayas muy delgadas y finas.
Las líneas verticales o rayas verticales pueden utilizarse para crear un efecto alargado y estilizado, hará que los cuerpos se observen más altos. Las rayas verticales son perfectas para todas aquellas personas talla petit que buscan lograr un efecto de mayor altura. Las rayas verticales gruesas agregan más volumen al cuerpo, el efecto es que te verás más grueso. En general se percibe que su efecto aplica así los cuerpos con ropa de rayas verticales parecen más altas y delgadas, mientras que al usar rayas horizontales pueden verse más anchos y voluminosos. Un grupo de investigadores de la Universidad de York -Inglaterra- ha demostrado que la ropa estampada con rayas verticales crea la ilusión óptica de un cuerpo más voluminoso, en contra de la creencia popular de que éstas estilizan y las horizontales hacen parecer más voluminoso. Incluso un científico alemán, Hermman von Helmholtz, ya lo describió en 1860, e incluso llegó a sugerir en su libro que las mujeres vistieran con prendas de rayas horizontales en detrimento de las verticales, porque las hacía parecer más altas. Se abre el debate. ¿Tú qué crees que te funciona mejor?
No debemos perder de vista que cuando una prenda de vestuario es fotografiada y contiene muchos detalles pequeños y repetitivos, como líneas o puntos, y la resolución de la cámara no será capaz de reproducirlos con extrema definición, se produce una sensación visual extraña, como de ondas. Este efecto visual, no se percibe como algo agradable, es más bien un distractor visual llamado efecto Moirè o muaré. Este nombre nos viene del francés, por un tejido de tela cuyo efecto visual es muy parecido, ya que hace ondas según la luz que refleja. Para otros, proviene del fotógrafo suizo Ernst Moirè. Sea como sea, en francés se pronuncia muaré, de tal modo que en español escrito encontrarás las dos versiones, moirè y muaré. El consejo es que si eres talento frente a cámara será prudente no vestir telas con líneas finas y delgadas, patrones de puntos finos o cuadros o cuadriculas muy finas.

Qué estés bien,



01 octubre 2022

Nacimiento de un clásico de la moda: Blue jeans.


Se estima que el mercado mundial de la ropa de jeans para el año de 2023 alcanzará la cifra de 15 mil millones dólares. América del norte es el mercado de mayor crecimiento y Asia Pacífico el mayor mercado mundial. En la localidad de Nimes, al sur de Francia. Los tejedores de esa localidad buscaban imitar o replicar un tejido medieval de (1567) mediados del siglo XVI originario de Génova (en francés: Genes) al que los franceses llamaban
Jean fustian, estaba hecho con algodón y lino.
Nimes, sur de Francia.
Los tejedores de Nimes, por accidente, crearon la mezclilla de algodón. La palabra genoese o genes se usaba para describir la tela resistente de los pantalones de sarga usados por los marineros comerciantes que venían de Génova, Italia. Se trata de una sarga -tejido de algodón trenzado- utilizado para velas de barcos y cobertores de carruajes; se pasaba la trama bajo los hilos de la urdimbre. Es básicamente un tejido con ligamento cruzado de sarga de algodón, que produce líneas diagonales particulares. Obteniendo así una cara en color azul y la otra blanca. Se teñía con índigo, un antiguo tinte azul. Originalmente, los franceses le llamaron Serge de Nimes. Sin embargo, en el siglo XVII pasó a ser adoptado en la lengua inglesa como “sarga denim”. Para nosotros que hablamos español se vino a llamar sarga de Nimes.
Mezclilla, sarga de Nimes, denim, blue jeans.
Esta mezclilla de color azul se producía con tintes que provienen de una planta legumisosa de Asia; indigofera tinctoria. El tinte natural de índigo se obtiene al procesar sus hojas. Se cubren con agua y se dejan allí hasta fermentar para convertir el glicósito indicano naturalmente presente en la hoja en los colorantes azules indigotina e indigoferina.
Estructura química del índigo

El material baja al fondo de la solución de hojas fermentadas se mezcla con hipoclorito de sodio, para luego ser prensado, secado, y convirtiéndolo en polvo. El polvo, luego se mezcla con varias otras sustancias para dar diferentes grados de azul y de color morado. Como cualidad esta mezclilla suele quedar más suave y algo más blanca después del lavado. Durante este proceso pierde fibras de algodón y pigmento. Con esto se logra un producto que se pone mejor mientras envejece. Así esta mezclilla pasó a conocerse en el mundo entero como
blue jeans.
Jeans Leví's de cerca de 1880.
La mezclilla moderna surge en 1860, cuando el oriundo de Baviera Löb Strauß (Levi Strauss) de Levi Strauss & Co. comienza a producir pantalones de trabajo hechos con sarga de Nimes para los mineros de San Francisco. Fueron patentados el 20 de mayo de 1873 bajo el número 139.121. Los remaches metálicos fueron la base del diseño patentado por Levi Strauss. Conocidos como los pantalones XX, luego se los llamó 501. Los remaches de Jacob Davis, se usaron originalmente para reforzar los jeans en áreas donde se podían rasgar fácilmente, pero las costuras modernas los han hecho puramente decorativos. La tela para los Levi's se produjo inicialmente en fábricas textiles como la Amoskeag Manufacturing Co. de Manchester, de New Hampshire, EUA. ya para 1922 Levi's se había cambiado a otro proveedor exclusivo.
Elvis Presley como Vince Everett.
En el año de 1957 un joven cantante de nombre Aaron Elvis Presley como Vince Everett participó en la película para cine Jailhouse Rock, la canción de este mismo nombre había sido lanzada recién como sencillo el 24 de septiembre de ese año. Vince Everett, vestía unos blue jeans que impresionaron a los jóvenes de su generación, junto al impacto de otras películas de Marlon Brando y James Dean.
Esta moda rápidamente se extendió por otras culturas y el denim dejó de ser solo un trozo de tela y se convirtió en una manifestación social. Iniciaron como prendas para obreros a estar en los uniformes de la marina, luego a ser el símbolo de la rebelión y la angustia juvenil y la cultura pop.

Que estés bien,




01 septiembre 2022

Casting call


Ser talento y estar frente a las cámaras es algo importante para personas que aman la cámara. Así lo han demostrado actores de la talla de Marlon Brando Jr., John Joseph Nicholson, Robert Anthony De Niro, Daniel Michael Blake Day-Lewis, Philip Anthony Hopkins, Laurence Kerr Olivier, Thomas J. Hanks, Leonardo Wilhem DiCaprio, Alfredo James Pacino, James Maitland Stewart, Robin McLaurin Williams, Charles Spencer Chaplin, Dorothy Virginia Margaret Juba, Norma Jean Mortenson, Gisele Caroline Bündchen, etc. Si esto es lo tuyo, significa que vas a pasar mucho tiempo participando en audiciones o llamados para seleccionar a los actores o modelos, pero también puede ser la señal de que vas a producir muchos contenidos audiovisuales y necesitas seleccionar al talento idóneo. Es muy probable que ya tengas la versión aprobada del guion para tu proyecto audiovisual o el boceto final con el visto bueno para tu próximo photoshoot. Ahora, vamos a seleccionar al talento; modelo o al actor correcto para representar a cada personaje de forma idónea. Para esto, vamos a organizar un "casting".
Casting call es el proceso de la preproducción en el que se eligen los diferentes tipos de papeles o personajes del guion, de la escena o de la serie de TV. Si hay un "open casting call" significa que se están haciendo -ahora mismo- audiciones para quien quiera ir a participar. Una convocatoria a casting, es un anuncio realizado por la casa de producción o fotógrafo que requiere de modelos o actores en sus películas. Cuando la casa de producción realiza una llamada a casting, especificarán los requisitos en términos de edad, imparcialidad e incluso -también- incluyen la jerga del idioma. Cualquier actor que quiera participar en películas debe asistir a un casting y mostrarse en una audición para que lo seleccionen en caso de estar satisfechos. En palabras más simples, es un anuncio de trabajo con entrevistas para modelos o actores.
El director de casting, es el profesional de la pre producción responsable de seleccionar aquellos perfiles actorales o de modelos que más se ajustan a un papel dentro de un proyecto (en este caso puede ser una película, una serie, un videoclip o una campaña publicitaria o sesión de retratos). Se trata de un servicio solicitado por una productora, fotógrafo, una marca anunciante, agencia de publicidad, etc. Las agencias de casting, generalmente son propiedad de colaboradores de la industria de la producción con amplia experiencia que -finalmente- llegan a formalizarse y profesionalizarse aún más al gestionar desde una especie de despacho. De esta manera, los casting pueden hacerse en una oficina fija, bien equipada con todo lo necesario y gozan de cierto prestigio al profesional. También es posible observar procesos de selección de actores que se realizan en lugares temporales o itinerantes, improvisados o hasta en el mismo lugar de rodaje. Ocurre así con producciones que se llevan a cabo en localizaciones al aire libre o en poblaciones específicas y, especialmente, en proyectos como series de televisión. Informate correctamente de los detalles y condiciones de la audición. Evalúa si realmente es de tu interés, debes estar disponible y mostrar ganas e interés. Puntualidad, llega unos minutos antes. En este apartado de la puntualidad siempre ha sido importante llegar a tiempo, pero ahora que hay menos margen de maniobra con las citas concertadas. La puntualidad es más valorada que nunca. Tu teléfono celular será tu herramienta principal durante un casting virtual en directo. Hay un dicho popular que dice: Si llegas temprano, llegas a tiempo. Si llegas a tiempo, llegas tarde. ¡Si llegas tarde, estás despedido! Será muy importante colocar tu teléfono en la dirección perfecta. Muestra que eres profesional. Si puedes, informate del nombre del director del proyecto. Mantente enfocado en cómo hacer un buen trabajo y pon todos los medios disponibles para que el resultado sea lo mejor posible. Prepara el casting según las instrucciones recibidas, lleva el vestuario adecuado, si necesitas cualquier accesorio o atrezzo, tenlo previamente preparado para hacer el mejor la mejor prueba actuada posible. Los detalles van a ayudarte a lograr una buena audiencia. El vestuario debe asociarse un poco al personaje que estás buscando. Aparece confiado, seguro y sonriente. Mira a los ojos al director. También existen algunas cosas que es mejor evitar al participar en la audición de un casting. Ser impuntual. Si te citan para estar a una hora es para que acudas a esa hora. Ser demasiado familiar. Perder tiempo antes de empezar la audición. No llevar tu material preparado. Llegar disfrazado.
Los directores y productores audiovisuales contratan a un director de casting para supervisar el proceso de casting, que incluye, en algunos casos, varias audiciones, pruebas de pantalla y devoluciones de llamada. El director de casting en algunas oportunidades contratará a un equipo para ayudarlos a gestionar los aspectos administrativos y organizativos de este. Si eres un aspirante a actor -o bien- a modelo, recuerda que todo el mundo tiene que empezar en alguna parte. La clave es tomar medidas para convertirse en actor, encontrar audiciones de actuación y hacer conexiones. En muchos casos los directores de casting no toman decisiones de aprobación y contratación. Los productores y el director reducen sus selecciones de la devolución de llamada y eligen una primera y una segunda opción para presentar a su cliente.
¿Qué función tiene un agente o manager? Se trata de un profesional que supervisa a diario el avance de la carrera de un actor o modelo, mientras que los agentes lo ayudan a encontrar y asegurar oportunidades, contrataciones y audiciones. En el momento que un actor ya dispone de varios proyectos para atender se hará necesario contar con un representante, en caso contrario todavía no será oportuno. Un agente se hará necesario en el momento en que el talento se haya establecido como actor en ese mercado. En algunos mercados como México, el talento suele ser parte de una asociación profesional conocida como la ANDA. La Asociación Nacional de Actores, es una agrupación de trabajadores -sindicato independiente- formada por artistas de cine, teatro, radio, televisión, doblaje, stunt, centros nocturnos y demás ramas artísticas y del entretenimiento. En lugares como Hollywood, existen sindicatos de actuación como SAG-AFTRA es un sindicato que representa a los actores de cine y televisión, cantantes, actores de doblaje, personas influyentes, modelos, periodistas, DJ y otros artistas. Significa Screen Actors Guild - Federación Estadounidense de Artistas de Radio y Televisión, ellos poseen una lista de agentes de talento autorizados, esta organización dispone de muchos recursos, como las hojas de llamado o Call Sheet, un repositorio que contiene miles de directores de casting, agentes de talento, managers, escuelas, empresas, agencias boutique y muchos más. Las agencias pueden tener perfiles muy especializados como actores y modelos para industria de la publicidad, de las películas, fotógrafos, series de TV, etc. El hecho de ser miembro del sindicato te dará prioridad o cierta ventaja en los castings. Otro ejemplo, es la Unión de trabajadores de la moda e imagen publicitaria en Argentina. Muchos de estos sindicatos independientes de actores, a su vez son miembros de la Federación Internacional de Actores.
¿De qué trata la Call Sheet? El equipo administrativo de producción audiovisual te enviará por correo electrónico una hoja de llamado que especifica a qué hora debes estar trabajando (siempre llega 15 minutos antes), en qué lugar vas a trabajar, la información de contacto del talento y el equipo, así como otra información importante que podrás necesitar para el día de la grabación.
Un callback es una herramienta frecuentemente utilizada por la agencia de casting y los directores de un proyecto fotográfico o audiovisual para definir preliminarmente a los actores que cumplirán con un papel. En primer lugar, la Call sheet es para participar en una segunda ronda de casting donde -posiblemente- se va a tomar la decisión final. Se trata de una buena noticia, que nos dice que tu perfil personal se alinea con aquello que se está buscando en algún personaje, así que en esta nueva oportunidad trata de no cambiar mucho la forma en que te presentaste en la ronda anterior; algo les gustó y quieren confirmación. Seguramente, mostrarse fresco y original te mantendrá en el centro del radar. Nota importante: Los modelos se consideran empleados bajo algunas leyes y contratistas independientes o autónomos bajo otros marcos legales.

Para definir el perfil del talento que se demande para representar a un personaje o un modelo hay algunas variables que especifican aquello que se necesita:
Edad cronológica: (Fecha de nacimiento)
Género:
Características físicas: Asiáticas, caucásicas, étnicas, etc.
Estatura:
Complexión física: Pequeña, mediana o grande.
Tono de piel:
Color de ojos:
Color del cabello:
Entre muchos otros.

Para protección y seguridad de ambas partes, te comparto un modelo de Contrato de cesión de derechos de imagen. El contrato de cesión de derechos de imagen es un documento legal mediante el cual las partes involucradas fijan las condiciones para el uso de fotografías o imágenes de una persona por un tercero. Por norma general, accede a tales derechos a cambio del pago de una suma determinada de dinero, aunque también existe la cesión gratuita de derechos de imagen (que no quiere decir que no deba llevar aparejado un contrato que marque los límites de dichos derechos de uso). Esta autorización escrita para el uso de la imagen de una persona por un tercero es importante, dado que existen multitud de  canales digitales donde las imágenes de las personas pueden llegar a circular sin control.

Qué estés bien.