01 julio 2022

La composición visual ¿Para qué me sirve?

La composición fotográfica, es el arreglo y acomodo de los elementos visibles dentro de una fotografía. La composición fotográfica, es el lenguaje con el que se comunica la fotografía. De manera que, valiéndonos de diferentes elementos compositivos, podemos crear y dar forma al mensaje que queremos transmitir desde nuestra visión detrás de la cámara. Es la forma en que organizamos los elementos en una escena para que resulten ser atractivos para el espectador y que así puedan representar el mensaje visual del fotógrafo (emisor) de una manera efectiva, armoniosa, e impactante. Saber Observar para buscar la mejor vista de una escena y encontrar el instante contundente. Saber Crear para agrupar y ordenar todos los elementos visuales consiguiendo que la imagen tenga un mayor impacto en nuestro espectador.
Para comunicarnos eficazmente a partir de imágenes fotográficas es esencial conocer y saber aplicar todos los conceptos básicos de la composición fotográfica, incluidos los principios y técnicas de composición, para poder comprender el lenguaje visual y usarlo favorablemente.
Aplicación de la regla de los tercios en paisaje.
La regla de los tercios o la ley de los tercios nos ayudará a mostrar armonía entre los elementos. No facilitará establecer jerarquías, definir que tiene mayor importancia, dirige el viaje de la mirada del observador. Como hemos venido platicando en otras publicaciones la regla de los tercios nos desaconseja utilizar los elementos principales en el centro para evitar que estos aparezcan como un obstáculo entre el observador y el fondo. Para algunos fotógrafos la ley de los tercios nos agrega mayor fuerza y energía, evita la imagen plana agregando profundidad a esta.
Bust shot o Medium close shot.
Existen tres grupos de valores de plano, según su tamaño. De forma general podemos hablar de planos generales (planos abiertos o descriptivos), planos medios (narrativos o intermedios) y primeros planos (planos cortos o expresivos). Dentro de cada uno de estos grupos, hay 3 tamaños diferentes, para concretar aún más la porción de figura humana que marcará sus límites.
Full shot o plano entero.
El plano entero (Full shot) es el encuadre donde los límites superiores e inferiores coinciden con la cabeza y los pies del sujeto, dejando un poco de aire por arriba y por abajo. El entorno sigue siendo importante, pero la figura humana ya es perfectamente reconocible, y vemos todo lo que hace con su cuerpo.

Western shot o plano americano
Los planos intermedios o narrativos (Medium shot, western shot, medium close shot y bust shot) muestran las actividades que desarrollan los modelos o personajes. En estos tamaños de plano intermedios ya podemos ver lo que esa persona hace con su cuerpo. La figura humana va tomando presencia, pero también podemos mostrar parte del entorno.
Primer plano o close up.
En este tipo de planos cerrados o primeros planos (close up, big close up, extreme close up) vemos la expresión de los personajes: sus emociones y sentimientos. Este
 tipo de plano corto recoge el rostro y los hombros. Sirve para mostrar las emociones del personaje, y ya nos olvidamos del entorno. Generalmente, se suelen realizar con teleobjetivos, o al menos con objetivos de distancia focal larga, que aíslan el rostro y desenfocan el fondo producen el efecto bokeh, reduciendo así el ancho del rostro, y se tiende a parecer más delgado.
Close up con hombro y espalda.
Cuando mezclamos la regla de los tercios con los valores de plano, como por ejemplo con un primer plano (close up) será muy valioso que hagas coincidir los ojos de la persona primera línea horizontal fortaleciendo la intensión del centro de interés; la que separa el primer tercio superior del tercio central.
Retrato con la ley de tercios aplicada.
Retrato con aplicación de la ley de la mirada se dirige fuera del cuadro.

Retrato con ley de la mirada. Contacto visual directo con la cámara.
Ley de la mirada: La modelo mira directamente al fotógrafo, en ese instante
establecen una relación que incluirá al observador.
Lo que vamos a evitar será colocar los ojos sobre la línea horizontal que pasa por el mismo centro del rectángulo de nuestra relación de aspecto. Otra consideración o alternativa, será que los ojos de la persona (centro de interés) queden dentro del tercio superior y cuida que el aire sobre su cabeza no resulte estar sobredimensionado o exagerado.
Primera opción colocar la mirada justo en la línea del primer tercio.
Segunda opción, coloca la mirada dentro del primer tercio superior.
La ley de la mirada consiste en respetar la dirección en la que un modelo, ya sea humano o animal, dirige su vista. Es decir, al momento de componer los elementos en un retrato, se recomienda dejar más espacio por delante del modelo (aire) que el aire detrás de sí. Se trata de permitir a la mirada respirar y desarrollarse. Es una de las principales reglas de composición fotográfica trata de respetar la dirección en la que el modelo de nuestro retrato mira. Es decir, que al momento que el fotógrafo encuadra un retrato, deberemos dejar más espacio por delante del sujeto que  atrás de este, independientemente de lo amplio o estrecho que sea el encuadre general o del resto de elementos que acompañen a nuestro sujeto en la imagen.
Así se logra dotar de fuerza expresiva al personaje que aparece en nuestra imagen. Respetando su mirada conseguiremos agregar mayor interés a la acción que hace el protagonista; mirar u observar. Si respetamos esta básica regla de composición, captaremos la atención de todo aquel que observe la imagen sobre qué es lo que el sujeto está mirando y, si la composición de nuestra fotografía está bien realizada, provocaremos que el auditorio de la imagen busque en ese espacio, aunque esto que busca no aparezca en la fotografía. Siempre y cuando, la mirada del modelo observe hacia afuera del rectángulo -fuera de cuadro- la posición del observador será la un observador anónimo, la alguien que espía a otros, la de alguien que observa sin ser visto. 
Al hacer lo opuesto, al dejar aire por detrás de la persona o animal que observa algo. Lograremos que se perciba que este ha rechazado algo. Si dejas más espacio por la zona trasera de tu sujeto, dará la sensación de que este está dándole la espalda a algo, de que está rechazando algo, de que se está alejando o huyendo. Si necesitas transmitir estos sentimientos en una fotografía, el hecho de romper la regla de la mirada cumplirá con este otro propósito.
Hacer contacto visual con la cámara y con el observador.
Hacer contacto visual. Cuando el modelo (centro de interés) no dirige su mirada hacia afuera del rectángulo, no está haciendo contacto visual con el fotógrafo, ni con el observador. Cuando se dirige la mirada en dirección a la cámara resulta que manifiesta conciencia acerca de la presencia y existencia del fotógrafo. Y además, de la persona que está observando la fotografía. En el primer caso, el fotógrafo y el modelo han establecido una relación directa, posiblemente de solo un instante, pero una relación a final de cuentas. Significa -también- en el segundo caso, que el modelo me está mirando a mi a través de la fotografía, así también se establece una relación en la que el observador pasa a formar parte de la historia y de la escena que nos muestra la cámara. Todos los observadores que acudan a un encuentro con esta fotografía van a experimentar una relación directa con esta foto. Yo te miro y tú me miras, y ambos lo sabemos.
¿Qué sucede cuando el modelo observa algo que también está incluido dentro del cuadro? En este caso estamos narrando una historia completa, hay un final cerrado.  Haremos una conexión entre los ojos del modelo que observa y aquello que es observado. Lo que puede jugar a nuestro favor pues conectamos estos dos centros de interés y dirigimos la ruta del observador entre dos puntos dados.
La otra posibilidad es aquella en la que la mirada del modelo no resulta claramente dirigida. Como al mostrar un animal o a una persona de espalda completa, solo sabemos que no me observa a mí, más no sabemos con certeza qué observa.

Practica, vuelve practicar, sigue practicando, y cada vez que te sea posible vuelve a practicar. En la medida que tus competencias compositivas maduren y vayan convirtiéndose en algo intuitivo y orgánico tu conciencia visual va a aumentar. Es decir, pronto aprenderás a identificar fácilmente aquellas situaciones en donde las diferentes reglas pueden ser aplicadas. Cuando menos lo esperes ya estarás tomando fotos con tu mente y haciendo composiciones mentales de forma ágil.

Que estés bien,




03 junio 2022

La luz, la sombra y su localización.

La energía lumínica se hace visible cuando se encuentra o hace contacto con la superficie que la pueda manifestar, de otra manera no podríamos observar la energía vibratoria -frecuencia- en la forma de colores. La luz no se comporta igual sobre un ambiente líquido(agua) y uno gaseoso(atmosfera). La luz es una radiación electromagnética que se transmite en forma de ondas y cuyo reflejo ilumina las superficies permitiéndonos, de esta manera, ver los objetos y los colores a nuestro alrededor, se propaga mediante partículas llamadas fotones (partículas portadoras de todas las formas de radiación electromagnética). Se trata del espectro visible (la luz visible por el ojo), dentro del amplio espectro electromagnético. La luz, son rayos que salen desde una fuente emisora u origen y se reflejan por toda una escena iluminándola.
Estos rayos de luz poseen una cantidad de energía limitada, que determina la cantidad de rebotes de esos rayos. Por ejemplo, los rayos de luz que salen de una vela cuentan con mucha menos energía que los rayos del sol. A medida que los rayos rebotan en diferentes superficies, van perdiendo fuerza y cada vez tienen menos intensidad. Para entenderlo consideremos que un rayo de luz sería como una pelota que es lanzada con fuerza hacia el suelo. El primer bote sería el más intenso e irá perdiendo energía con cada rebote hasta quedarse -finalmente- inmóvil. Estos rayos llegan hasta nuestros ojos, permitiendo a nuestro cerebro la interpretación.
Refracción de la luz
Las texturas de la superficie de los cuerpos reaccionan absorbiendo y reflejando dicha energía. Hoy, nos vamos a enfocar en la energía lumínica que se refleja sobre las texturas de la superficie de las cosas. La parte de la energía que se absorbe  se va a convertir en energía térmica o calor, por ahora no se va convertir en parte de nuestro análisis de esta oportunidad. 
Reflexión de la luz sobre la superficie del agua.
La reflexión ocurre cuando los rayos de luz que inciden en una superficie chocan en ella, se desvían y regresan al medio del que salieron formando un ángulo de salida igual al de la luz incidente. Muy distinta a la refracción. La reflexión de la luz es un fenómeno óptico básico en la naturaleza que es conocido y analizado desde la Grecia clásica. Al incidir la luz en un cuerpo, la materia de la que está constituido retiene unos instantes su energía y a continuación la reemite en todas las direcciones. René Descartes (1596-1650) descubre también, la ley fundamental de la reflexión “El ángulo de incidendencia es igual al ángulo de reflexión”. La publicación de su citado ensayo sobre óptica, supuso la primera exposición de este principio. Fue el primero que trató la luz como un tipo de fuerza en un medio sólido, lo cual influirá en la teoría ondulatoria de la luz.
Luz sobre esfera; sombras y brillos.

Las leyes que rigen los fenómenos de reflexión y refracción de la luz fueron enunciadas conjuntamente por el astrónomo y matemático neerlandés Willebrord Snel van Royen (1580-1626) en 1621 y unificadas bajo un principio de mínimo, en este caso, para el tiempo como variable, por el matemático francés Pierre de Fermat en 1657. La refracción es el cambio de dirección y lentitud que experimenta una onda al pasar de un medio a otro con distinto índice refractivo. Solo se produce si la onda incide oblicuamente sobre la superficie de separación de los dos medios y si estos tienen índices de refracción distintos. Se trata pues de la variación brusca de dirección que sufre la luz al cambiar de medio. Este fenómeno se debe a que la luz se propaga a diferentes velocidades según el medio por el que viaja; como en el caso del agua y el aire. El cambio de dirección es mayor cuanto mayor es el cambio de velocidad, ya que la luz recorre mayor distancia en su desplazamiento por el medio en que va más rápido.
La refracción, se origina en el cambio de velocidad de propagación de la onda señaladaEn el contexto de la física y de la geometría, la idea de dimensión alude a la cantidad más pequeña de coordenadas que se necesitan para ubicar un punto. Una recta, en este sentido, es unidimensional: alcanza con una coordenada para localizar cualquier punto de la misma. Los planos, en cambio, disponen de dos dimensiones ya que es imprescindible conocer la longitud y la latitud para la ubicación de un punto. La Ley de Snell o segunda ley de contracción, que es una fórmula simple utilizada para calcular el ángulo de refracción de la luz al atravesar la superficie de separación entre dos medios de propagación de la luz, o cualquier onda electromagnética, con índice de refracción distinto. Esta ley plantea que el producto del índice de refracción por el seno del ángulo de incidencia es constante para cualquier rayo de luz que incide sobre la superficie que separa los dos medios:
n1 sen φ1 = n2 sen φ2

Vamos a enfocar nuestra atención en las sombras proyectadas.
Una sombra o silueta, es un área de oscuridad donde la luz está bloqueada por un objeto opaco. La sombra se crea porque hay un foco de luz y un objeto que tapa los rayos de luz creando una forma concreta. La sombra cambiará según la posición del objeto y la cercanía al foco de luz. Todo cuerpo posee sombra, menos la propia luz.

Al observar y analizar las sombras y los reflejos de las altas luces sobre las superficies de los objetos sabremos proyectar la posición de la fuente de la luz. En la imagen que vemos arriba de este párrafo se muestran las zonas de altas luces (área amarilla), así como la zona de las sombras(área azul). La posición de las sombras se observa abajo a la derecha, de aquí que la fuente de luz debe encontrarse en la posición opuesta; esto es arriba a la izquierda. De otra manera, también podremos llegar a la misma conclusión, al observar el punto de brillo y su posición que está arriba a la izquierda sobre la superficie de la esfera. Con esto sabremos localizar la fuente de la luz que afecta a esta esfera.
Observa las sombras y encuentra la posición de la fuente de luz.
La imagen que tenemos aquí, nos vuelve a facilitar el análisis de la luz. Vamos por partes, para estudiar la localización de la fuente de luz. El área amarilla nos muestra las altas luces por el lado izquierdo de cada miembro del cuerpo, mientras el área azul nos permite ver la zona de sombras del mismo cuerpo. Si las partes del cuerpo con forma de cilindros y esferas muestran las sombras abajo a la derecha, significa entonces que la fuente de la luz está en la posición de arriba a la izquierda de la imagen. Esto es en la dirección opuesta a la posición de las sombras proyectadas.
Analiza esta imagen. Observa y localiza la posición de la fuente de luz.

¿Cuál es la posición de la fuente de luz en este cuadro?
Con estas ideas y conceptos en mente seremos capaces de estudiar o analizar la posición de las sombras proyectadas en una escena de una pintura, ilustración o fotografía y localizar la posición de la fuente de luz (que no está visible o permanece fuera del rectángulo visible). Resulta importante recordar que si observamos sombras suaves estamos ante una fuente de luz suave; bien sean estas rebotadas o filtradas. Ahora podrás estimar con mayor exactitud la posición de las luces en tu próxima fotografía y hasta diagramar en un esquema de iluminación su colocación en la escena observada.

Qué estés bien,



10 mayo 2022

Agencia de publicidad internacional

Desarrollar un modelo de negocio exitoso es el producto de una mente creativa. Las agencias de publicidad han encontrado oportunidades de negocio más allá de su mercado nativo local y salen a diario a la conquista de nuevos mercados para crecer. Parte de sus formulas de éxito las encontramos en los procesos de adquisición de otras agencias, o bien a través de las fusiones entre varias agencias, el sistema de franquicias que sus mismos clientes han operado exitosamente por décadas también ha sido adoptado para crecer.
Los emprendimientos globales poseen marcas globales. La idea básica detrás de una marca de alcance global apunta a coordinar todas las comunicaciones relativas a dicha marca en forma globalizada, y esto deberá incluir a la publicidad. Se dice que la publicidad global es menos costosa y tiene la ventaja de ser mejor controlada y más coherente. Además, permite a los propietarios de la marca impresionar con el brillo creativo en todo el mundo a la vez. Vale rescatar la frase, piensa global y actúa local. O bien, actuar con pensamiento "glocal".

Volnie B. Palmer, creó la American Newspaper Agency en 1842

En el año de 1842, en la ciudad de Filadelfia, EUA, Volney B. Palmer (1799-1864) se instala en una oficina, dejó atrás la actividad ambulante de venta de espacios publicitarios en periódicos puerta a puerta y creó lo que más adelante se va a convertir en la agencia de publicidad, y la llamó "American Newspaper Agency". Desde Filadelfia inicia una red de agencias que incluyó a las ciudades de New York y Boston. Desde American newspaper agency, Palmer tomó el control de los espacios publicitarios en periódicos de cerca de 1400 medios impresos de su época. Estableció un modelo de negocio en base a un sistema de comisiones en un rango del 15% al 25% a través del llamado contrato abierto. Para la mayoría de los historiadores de la industria publicitaria, James Walter Thompson (hoy sólo JWT) fue la primera agencia de publicidad moderna en el mundo. Se dice que en 1877 James Walter Thompson, compró Carlton & Smith a William James Carlton (14 de septiembre de 1838 a 1902), y les pagó USA $ 500 por el negocio y USA $ 800 por los muebles. 

En Europa, las agencias de publicidad se van a instalar en las ciudades capitales de estos estados, a partir de la segunda mitad del siglo XIX. Para el año de 1906 en Alemania, sus principales ciudades se empiezan a llenar de agencias publicitarias; Berlín contaba con 115, Hamburgo tenía 86 y Leipzig 53 agencias. En el año de 1899 la agencia norteamericana JWT, abre oficina en Londres y para 1927 abrió España, Bélgica y Francia, llegando a Alemania en el año de 1928. En la región de América latina, la primera agencia de publicidad da inicio el 23 de octubre de 1921, a través del emprendedor Alberto H. Garnier, quien abrió la primera agencia para esta región, y se llamó A. H. Garnier y Co. Estaba instalada en San José, Costa Rica. Alberto H. Garnier colaboró en el Departamento de publicidad de la Westinghouse Electric Manufacturing Co. Esta experiencia cultivó su interés por la publicidad, y se capacita tanto en esta área como en mercadeo en la Westinghouse, y en la Plat Harney School.
La rápida expansión de los automóviles de combustión interna por el mundo y su alianza con sus asesores publicitarios queda manifiesta en 1927, cuando la General Motors Co. y la agencia JWT llegan a un acuerdo por medio del cual esta agencia de publicidad -JWT- será la encargada de gestionar toda la publicidad de la automotriz en cada mercado o plaza alrededor del mundo, convenio que incluía el compromiso de la agencia de abrir oficinas en todos los mercados donde la General Motors Co. tuviera plantas de ensamblaje de automóviles. En 1928 esta agencia publicitaria, inicia operaciones en Brasil y Argentina, adaptando el modelo de negocio de la agencia de los EUA y su cultura de trabajo a nuevas sociedades.  La agencia JWT llegó a Uruguay en el año de 1936 y McCann Erikson llegó en 1946. Este sistema de internacionalizar su emprendimiento con este modelo de negocio llevó a las agencias de publicidad de los EUA a facturar 3.5 billones de dólares en el año de 1929. Las empresas anunciantes que tienen operaciones comerciales en varios continentes y muchos países suelen acudir en busca de una agencia que posea una cobertura similar a la que posee su producto o servicio, por esto seleccionan agencias que posean una red global. Esta exclusividad entre los servicios publicitarios y la marca se sella con un acuerdo a contrato a nivel mundial.

Cabe mencionar que adaptar un mensaje a las distintas culturas de cada sociedad es ya un enorme reto. Una consecuencia inevitable de la centralización es que los gerentes en la oficina central están muy distanciados de los mercados individuales que controlan. En el año de 1999 Coca Cola, hasta entonces muy centralizada, adoptó una estructura más regional. La razón que dieron fue que se habían alejado demasiado de sus mercados. Para nuestra región de habla española se regionalizó la creatividad desde Buenos Aires.

Observemos a las enormes redes de agencias que tienen cobertura casi total; a lo largo y ancho del mundo. Históricamente, observamos a las agencias pioneras valerse de fusiones para crecer y complementarse juntas en mercados nacionales donde se podían acompañar con un socio con similar interés. Es desde los EUA, que estas agencias aprendieron a crecer más rápido que el resto -por medio de las fusiones- de otras que se propusieron un crecimiento más orgánico. También, comenzaron a observar y analizar oportunidades en el Canadá y en Europa; dentro del Reino Unido y de lo que hoy conocemos como Alemania. Si damos una mirada a un mapa del mundo entero, podremos descubrir fácilmente que desde ciudades como New York, Chicago, Londres, París, Tokio, Barcelona y otras se ha propuesto un ágil crecimiento bajo una marca. Una que arroje prestigio local, una marca que se asocie con historias de éxito en la industria publicitaria, marcas con una visión clara del futuro.

Las redes internacionales de agencias o redes globales, suelen hacer crecer o aumentar su red a través de procesos de adquisición de agencias locales más pequeñas, o bien, valiéndose del sistema de franquicias con el que atraen a más agencias locales. Los contratos y acuerdos formales que las agencias locales obtienen para gestionar la publicidad (y otros servicios de las CIM) de marcas en pleno desarrollo y con presupuestos atractivos; son la miel que atrae a las agencias con fuerte músculo financiero para que estas adquieran a las agencias más pequeñas y a sus clientes. 
Las redes globales de agencias, suelen encontrarse todavía de forma independiente a los Advertising holding companies. Pero, en la mayoría de los casos sí forman parte de uno. Es más, algunos holdings poseen simultáneamente a varias redes de agencias globales. La diferencia más destacable entre una agencia global y un holding, está en que la agencia sí efectivamente se involucra en el desarrollo e implementación de las campañas de publicidad. Los holdings no, únicamente se involucran en la gestión de sus acciones, finanzas, etc. Para gestionar eficazmente a varias agencias en varias ciudades, o en varios países se han organizado redes internacionales de agencias que se cubren bajo la sombrilla única de una marca internacional. Así comparten el mismo "naming" y "branding" en cada plaza donde están presentes. Para una agencia publicitaria local, con clientes o cuentas de su ciudad siempre será un sano deseo aspirar a contar con algunas cuentas internacionales para diversificar su cartera de clientes, y que no esté solamente supeditada a la economía siempre cambiante de su mercado local. Al contar con cuentas internacionales se podría mantener constante la facturación en medio de escenarios de crisis o fenómenos locales no favorables. De aquí, que las agencias locales de la ciudad de Tegucigalpa, o de San Pedro Sula busquen afiliarse a alguna red internacional de agencias que le aporte mayor prestigio, acceso a marcas internacionales, a capacitación, y sobre todo a aportar un apellido que le permita atraer a nuevas cuentas.

La necesidad es la que permite la oportunidad. Podría ser el caso de que una agencia local -en Honduras- sale a buscar a alguna red internacional todavía sin representación en su país, y con suerte podría encontrarse con alguna red muy interesada en ese mismo momento por contar con presencia en esta plaza. O bien, se puede tratar de una red internacional que debe cubrir en el futuro inmediato una región del planeta donde todavía carece de presencia. Así que, "la red" sale en busca de una agencia local -Honduras- con quien asociarse para atender en este país a uno(s) clientes que está introduciendo en la región. Cuando una agencia de publicidad local realiza un acercamiento a una red internacional logra establecer un nivel básico de la afiliación, mismo que en ciertos casos no les permite utilizar ni exhibir la marca internacional junto con su nombre, pero sí atender proyectos de algunos clientes internacionales de ésta en su mercado local, como placement de pauta publicitaria en medios locales. En la medida en que la relación entre ambas empresas avanza y la red internacional adquiere acciones de la sociedad en el emprendimiento local se van destacando y haciendo públicos la relación de ambas marcas. Es cuando observamos el nombre de la agencia local acompañada del apellido de la red internacional. En fin, cada red tiene su propio estilo y sus maneras de avanzar en su relación con la agencia local. Para una agencia local joven y sin arraigo, ni experiencia se hará difícil disfrutar de estos beneficios, antes deberá demostrar por varios años que son capaces de mantenerse y de crecer en el mercado local con algún nivel de éxito.

Cada red internacional de agencias, posee sus propios beneficios para atraer a las agencias locales. Disponer de una marca de prestigio internacional, acceso a una amplia red de colaboradores para asesorar proyectos locales, capacitación, manuales de procesos más eficientes, asesoría en tecnologías de la gestión y logística,  acceso a proveedores especializados en otros mercados, programas de capacitación de colaboradores, etc. Existen algunos criterios o factores que vienen a potenciar esta alianza entre agencias locales con las redes internacionales, destacamos los principales. La capacidad de innovación que permite a las agencias locales asociadas a una red adecuarse de mejor modo a la evolución del negocio publicitario; es el caso de la emergencia de las centrales de medios y de las nuevas tecnologías. También la capacidad de superar las crisis económicas locales recurriendo en esos períodos a la subvención económica o al apoyo logístico de la red global. La calidad de la cartera de clientes como resultado de los acuerdos entre la red y sus principales anunciantes internacionales. Finalmente, la posesión de estructuras organizativas internas adecuadas al contexto global, monitoreadas por la casa matriz a la que, además, se convierte en el modelo aspiracional.

Madison Ave. La avenida de la publicidad
Algunas de las redes internacionales de agencias que puedes visitar en línea y que pueden contribuir con tu proceso de comprensión de este tema son:

James Walter Thompson

McCann Ericson

Mullen Lowe

Ogilvy

Grey

DDB

BBDO

Leo Burnett

FCB

TBWA

Havas media group

Tomate algunos minutos, visita unas de estas agencias, conoce mejor su organización, sus planes y descubre más detalles sobre sus redes de agencias de publicidad a lo largo y ancho de nuestro mundo, y analiza su estructura y know how. No son todas las que existen, ni todas las que hay. Sin embargo, solo se trata de una muestra aleatoria. Espero que tu comprensión acerca de las agencias internacionales y sus redes haya mejorado, éxitos totales.

Qué estés bien.



01 abril 2022

Cámara digital de Photoshop


En el año de 2003 Adobe, lanzó un plugin para su popular programa de edición de imágenes digitales Photoshop.  Se trata de una herramienta que nos permite editar la información generada a través de archivos todavía sin procesar o archivos crudos (RAW). Los archivos RAW son un formato de datos cuyos parámetros de procesamiento pueden todavía ser ajustados libremente por el fotógrafo. Originalmente este plugin no admitía archivos del tipo Digital Negative (DNG), pero esto quedó superado a partir de la versión 2.3 de camera RAWLos archivos camera RAW contienen datos de imágenes en escala de grises sin procesar, ni comprimir del sensor de imagen de una cámara digital, así como información sobre cómo se capturó la imagen (en la tarjeta de metadatos EXIF). El programa camera RAW interpreta el archivo de camera RAW y utiliza información acerca de la cámara y los metadatos de la imagen para construir y procesar una imagen en color. El plugin camera RAW se incluye en After Effects y Photoshop y también aporta nuevas funciones a Bridge, camera RAW permite a estos programas importar y trabajar sus archivos. También se puede utilizar para trabajar con archivos de imagen procesada como JPEG y TIFF.

¿Qué es un archivo DNG? El negativo digital (DNG) es un formato de archivo de imagen sin procesar que está disponible públicamente para los archivos RAW generados por diversas cámaras digitales; varias marcas y modelos. Este formato suple la falta de un estándar abierto para los archivos RAW creados por distintos modelos de cámara y garantiza que los fotógrafos accedan fácilmente a los archivos. Algunos simplemente lo llaman el RAW universal. El formato DNG, mejora la fiabilidad del almacenamiento; ya que las soluciones de software de imágenes digitales permitirán abrir los archivos sin procesar de forma más sencilla en el futuro. Una solución única de procesamiento de datos originales que permite un flujo de trabajo más eficaz al manipular archivos sin procesar de cámaras de varios modelos y fabricantes. Los fabricantes de cámaras pueden adoptar con suma facilidad una especificación disponible y documentada de acceso público que se actualizará para adaptarse a los cambios tecnológicos.

En los procesos fotográficos analogicos utilizabamos un negativo que guardaba la imagen latente antes de entrar en contacto con los químicos que harían la imagen definitiva. A través de camera RAW tenemos la posibilidad de editar la imagen latente antes que se genere el archivo definitivo. Es de esta manera que los archivos se pueden volver a procesar en cualquier momento, lo que permite obtener resultados idóneos mediante los ajustes de balance de blancos, rango tonal, contraste, saturación de color y enfoque. Al ajustar imágenes de camera RAW, se conservan los datos originales de camera RAW. Los ajustes se almacenan como metadatos en un archivo independiente denominado sidecar, en una base de datos o en el propio archivo (como en el formato DNG). También, se pueden convertir los archivos de camera RAW a formato DNG con DNG Converter o mediante el cuadro de diálogo de camera RAW.

Debes mantener en mente que las cámaras DSLR poseen la capacidad de generar varios archivos de imagen bien sean estos JPEG, RAW y/o DNG. Las cámaras DSLR de Canon generan archivos RAW con extensiones .CR2, .CR3 y .CRW. Las cámaras Nikon cuentan con extensiones de archivo .nef y Sony utiliza archivos .ARW y DNG. La herramienta digital camera RAW nos da la opción de gozar de máximo control sobre la imagen digital sin procesar todavía. Al tomar imágenes de camera RAW se tiene un mayor control que cuando se toman imágenes procesadas JPEG, ya que camera RAW no limita al usuario con el procesamiento que realiza la cámara. Aunque también es posible editar imágenes JPEG y TIFF desde camera RAW, esta opción editará píxeles (picture elements) que la cámara había ya procesado. Los archivos camera RAW contienen los datos originales de la cámara sin procesar.

Cuando utilizamos camera RAW para realizar ajustes (incluso enderezar o recortar) a imágenes, se conservan los datos camera RAW originales de la imagen. Los ajustes se almacenan en la base de datos de camera RAW como metadatos incrustados en el archivo de imagen o en un archivo XMP sidecar (archivo de metadatos que acompaña a un archivo de camera RAW). Después de procesar y editar un archivo con el plugin de camera RAW, aparece un icono en la miniatura de la imagen en Bridge. Si se abre un archivo de camera RAW en Photoshop, se puede guardar la imagen en otros formatos de imagen, como PSD, JPEG, formato de documento grande (PSB), TIFF, Cineon, Photoshop RAW, PNG o PBM. Desde el cuadro de diálogo camera RAW en Photoshop se pueden guardar los archivos procesados en los formatos DNG, JPEG, TIFF o Photoshop (PSD). Pese a que el software camera RAW permite abrir y editar archivos de imagen de camera RAW, pero no guardar/archivar imágenes en el formato camera RAW. Los distintos modelos de cámara guardan las imágenes camera RAW en muchos formatos diferentes y los datos deben interpretarse según cada formato. camera RAW es compatible con muchos modelos de cámara y puede interpretar muchos formatos camera RAW

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Qué estés bien.



15 marzo 2022

Del jingle al audiobranding.

Como buen comunicador o publicitario te has preguntado más de una vez ¿Cómo suena una marca? Recuerda que las marcas primariamente son audibles y después son visuales. Las marcas son multisensoriales.
Muy probablemente Pepsi-Cola produjo el primer jingle de radio para una bebida no alcohólica. La marca Pepsi Cola, se ha relacionado exitosamente con los productos culturales de la industria musical por varias décadas. Así que para algunos ha quedado grabado en sus memorias que el primer jingle publicitario para la radio lo realizó Pepsi a finales de los años treinta del pasado siglo 20. Y aunque esta parte de la historia pudiera parecer absoluta, en realidad los jingles publicitarios han viajado por más tiempo del que pudiéramos imaginar.
El siglo 16 en Inglaterra. Algunos investigadores han rastreado su existencia hasta allá por el siglo XVI en las islas británicas, y este bien pudiera ser el posible origen del "jingle". Se trataba de músicos que viajaban constantemente de una población a otra con su repertorio presentándose en directo. En esta época algunos comerciantes del lugar les pagaban para que incluyeran dentro de su presentación una canción que hablara de su tienda, de esta forma -los músicos itinerantes- financiaban sus viajes y estadías. El canto one-a-penny, two-a-penny, hot cross bollos, de la Inglaterra medieval, es considerado un jingle publicitario temprano.
Es muy posible que esta práctica sea todavía más antigua, y que haya originado con los imperios griego y romano. Los hondureños que han crecido con la radio a su lado recuerdan con total claridad algunos jingles radiofónicos ya clásicos de varias décadas atrás como el Instituto Nacional de la vivienda, los de leche Klim, Espresso americano, Maguilop, Confites Venadito, entre cientos de otros más.

Marketing conversacional. El confinamiento producto de la pandemia por Covid-19 nos deja un nuevo escenario global en el que las marcas se van humanizado y proponen mensajes más honestos e íntimos. En la actualidad las marcas conversan, dialogan y desean ser entendidas de una manera clara para ofrecer una experiencia humana que mejore realmente la vida de las personas. Una herramienta clave en este proceso es el sonic brandaudio branding. A medida que esta relación entre las marcas y los consumidores es más cercana y experiencial, hemos tomado conciencia del poder que tiene el que, tal vez, es el estimulo más creativo y emotivo a su disposición: el sonido. Y en particular, el sonido organizado de alguna manera: la música. Las conversaciones pueden estar soportadas en podcasts o bien weblogs.
Origen de la radiodifusión de peaje. La primera forma reconocida de publicidad en el medio radiofónico llegó a inicios del año de 1922 cuando una estación de radio en NY comenzó a vender espacios en su transmisión en las que las empresas podían financiar una transmisión a cambio de que su marca fuera mencionada en el aire. En el verano, de ese mismo año 1922, la estación de radio WEAF -entonces propiedad de AT&T- fue la primera estación en publicar un anuncio en directo oficial pagado. Estas formas de publicidad radiofónica se vuelven cada vez más populares y llevarán a las estaciones rumbo a la era dorada de la radio. Según cuenta el registro de esa época la estación radiofónica WEAF de New York y propiedad de AT&T emitió el primer anuncio de radio, fue una transmisión de 10 minutos para Hawthorne Court Apartments. La práctica, conocida entonces como "radiodifusión de peaje", aprovechó la capacidad única de la radio para vender tiempo frente a una gran audiencia local. Cuatro años más adelante, esta estación fue adquirida en su totalidad por la NBC y pasó a llamarse WNBC.

Ya en la época de oro de la radio esta práctica fue rescatada. En la década de los 1920 había en la radio de los EUA un dueto que era muy popular por sus cómicas y simpáticas melodías y canciones populares. Algunos investigadores e historiadores les creen los precursores de los modernos jingles publicitarios, utilizaron una variedad de nombres para su dúo, mismo que se adaptaba según la marca de la empresa que los patrocinara en esa temporada. Se trató de Ernie Hare y Billy Jones, y eran acompañados al piano por Dave Kaplan y al banyo por Fannie Heinline. Este dúo se mantuvo hasta marzo del año de 1939. Por allá de 1921 se conocían como The happiness Boys, pero también utilizaron nombres como The interwoven pair, the best food boys y the taystee. Se cree que, en 1923 la estación WEAF de New York City, emitió un jingle del dúo The happiness boys para la marca de calcetines Interwoven Socks. Este dato no se ha podido verificar correctamente.
Se mantiene un registro del 24 de diciembre de 1926 en San Pablo y Minneapolis, se trata de dos ciudades gemelas. Fecha en que el anunciante General Mills, transmitió su slogan publicitario cantado por un grupo a cappella llamado Wheaties Quartet : La mejor comida para desayunar del mundo "Wheaties" a partir de esta emisión local le sucedió una agresiva emisión nacional acompañada de aumento en las ventas. Este pegajoso estribillo ¿Has probado Wheaties? produjo un fuerte impacto entre el auditorio de radioescuchas. Su éxito fue tal que muchos otros anunciantes comenzaron a emular esta práctica. Así nació el jingle radiofónico publicitario.
Como en casi cualquier registro histórico aquí tampoco falta el debate. Algunos apuntan a una canción de 1905 llamada In My Merry Oldsmobile, de Gus Edwards y Vincent Bryan, como el primer jingle radiofónico del mundo. La canción en sí, es anterior a la radio comercial. Oldsmobile se la apropió para la radio a fines de la década de 1920. Podríamos llamarlo la primera canción pop del mundo con licencia para publicidad.
El Jingle publicitario para la radio, puede combinarse con el locutor, también puede ser solo un cierre para la marca, o totalmente cantado de principio a fin, sin descartar el fondo musical instrumental, la música alegre ayuda a aprender de buena gana números de teléfono, slogans, atributos de la marca, en fin.
El audio branding. Son muchos los especialistas que observan al jingle como un logotipo audible parte del Branding auditivo. La versión sonora de la marca. Con esto se contribuye a crear una identidad sonora favorable a la misma marca. Algunos poseen lírica y voces de cantantes, pero otras son únicamente melodías instrumentales.
Sus pegajosas melodías quedan en la mente de los radioescuchas por muchos años. Lo cual les hace muy efectivos. Aunque no siempre serán la mejor plataforma para algunos anunciantes, sin duda siempre serán recordados. Todavía hoy, no deja de sorprender la manera en que el público se aprende un slogan en tan poco tiempo gracias a sus bondades.
Estudios recientes llaman a nuestra atención acerca de las marcas multisensoriales pues estas son más atractivas que las marcas visuales. Esto se debe a que cuanto más involucremos a los sentidos, más fácil lo tendremos para que la marca resuene y conecte con sus clientes. Un importante estudio internacional demostró que las señales o assets sonoros son más poderosos para llamar la atención que cualquier otra señal de marca, incluso por encima de activos de marca históricamente explotados como las celebridades o las mascotas. Entre sus beneficios podemos mencionar que el jingle debe ser persuasivo, debe ser fácil de recordar, construir experiencias y crear fuertes lazos emotivos con el consumidor.
La importancia de identidad sonora es mucho más que los tonos que escuchas cuando el logo se anima al final de una cuña radiofónica, aunque ese es un activo importante. Un sistema de identidad sonora tiene varios elementos y capas que se pueden usar de diversas formas en una variedad de puntos de contacto y experiencias de marca. Todos los entornos, momentos o plataformas donde la marca emite sonidos pueden formar parte de un sistema de audio branding.
Pudiéramos destacar algunos beneficios a partir de contar con un logo audible: El logo audible será el encargado de establecer conexión emocional con los clientes. Apela a sus sentimientos y a sus recuerdos, estableciendo ligas entre ellos. Funcionan de forma universal, esto quiere decir, que funcionan para cualquier tipo de marca, se adaptan a las necesidades específicas y no se limitan solo medio de emisión. Este tipo de herramientas permite que el cliente procese el mensaje de forma pasiva, lo que le dará la posibilidad de realizar otras actividades a medida que lo escucha o le posibilita integrarlo dentro de su día a día. Los logos audibles posibilitan el aumento de la recordación de marca y lo relacionan con experiencias y recuerdos personales para que sea más fácil conservarla en la mente.
El objetivo está en construir sólidamente una marca sonora que represente la identidad y los valores de una organización de manera distintiva. Que permita al usuario identificar ágilmente a la marca a través de una composición sonora casi como su firma; esto puede incluir un jingle, un audio logo, una voz específica o un estilo de música. Se trata sobre cómo suena la marca y cómo se recuerda. Por ello muchas marcas líderes utilizan este tipo de práctica para facilitar el reconocimiento de sus productos o servicios. ¿Y tu marca ya suena bien y de forma memorable?

Qué estés bien,