01 marzo 2020

El paisaje, consejos para fotógrafos.

Otra vez me han dado ganas de visitar París, la ciudad luz. No que ya lo haya hecho, pero sigue estando en mi lista de deseos, solo que nuevamente me dieron ganas de ir a tomar fotos por allí.
¿Cuantas veces has deseado salir -cámara en mano- a un lugar de tu agrado para recoger algunas postales hechas por ti mismo a una localización que te resulta atractiva y deseable. No la podrás conquistar ni poseer, pero la podrás llevar para siempre entre tus recuerdos gracias a unas buenas fotografías de paisaje. Si deseas desarrollar esta habilidad descubrirás que debes ser paciente, y ser un buen observador; ver lo que los demás no vieron al pasar por allí. Muchas increíbles imágenes son el resultado de regresar a una ubicación una y otra vez hasta que tenga las mejores condiciones posibles. Mientras observamos un paisaje con nuestros propios ojos -los ojos y el cerebro-poseen la capacidad de ignorar todo, excepto los detalles más atractivos. Las lentes y los sensores digitales no pueden hacer ésto por sí mismos. Ellos necesitan un poco de nuestra ayuda.
Paciencia y observación
La fotografía de paisajes consiste en la representación de un gran espacio natural o de una parte específica de un país. Nos muestra espacios dentro del mundo, a veces vastos e interminables, pero otras veces lugares microscópicos. Las fotografías de paisajes generalmente capturan la presencia de la naturaleza, pero también pueden enfocarse en características hechas por el hombre o alteraciones de los paisajes.
A unos pocos meses de su lanzamiento público, la fotografía, el óptico fracés  Nöel Lerebuors organizó y envió a un equipo de fotógrafos por todo el mundo a fin de captar imágenes y construir la colección de 114 paisajes de Excursiones daguerrianas(Excursions Daguerriennes, représentant les vues et les monuments les plus remarquables du globe). La primera imagen hecha como un daguerrotipo era un paisaje rural que se llamó "Vista desde la ventana de Gras" elaborada por Nicéphore Niepce en 1826.
Vista desde la ventana de Gras
De manera que hoy vamos a platicar de un tema, que en sí mismo, es una constante que inspira a muchos, y al que casi nadie puede resistirse. Hay varios tipos de fotografía paisajista. Vamos a distinguir algunos tipos de ésta, y debemos empezar por uno de los mayores representantes del paisaje.
Paisaje romántico: Es probablemente el estilo más practicado. Se basa en fotografías en las que se suele introducir una cierta cantidad de difuminado y una iluminación posterior. También es muy habitual la utilización de un ISO alto, y un enfoque poco profundo. Uno de los principales fotógrafos de este estilo fue Ansel Easton Adams (1902-1984), con una amplia obra y grandes aportes técnicos a este tipo de registro fotográfico. Fundó la asociación fotográfica Grupo f/64 junto con otros maestros entre ellos Edward Weston, Willard Van Dyke, Imogen Cunningham, y creó el sistema de zonas.
Paisaje descriptivo: No tiene tantos elementos concretos como el estilo romántico. Lo que más destaca de este tipo de fotografía de paisajes es una cuidada composición y una atención extrema al detalle. Se caracteriza por no incluir ningún tipo de manipulación de forma que se registre la realidad de la forma más fiel posible. Pertenece al campo de la fotografía sin ningún tipo de artificio (Directa), en el que destaca la labor de Edward Weston (1886-1958). Weston acudía a las bases de la Fotografía Directa. Los fotógrafos que siguieron esta nueva tendencia capturaban imágenes en exteriores con breves tiempos de exposición. Además permitían que sus modelos posasen por sí mismos, a diferencia de las forzadas posturas de la fotografía pictorialista. En estas fotografías no había intervenciones en el laboratorio, revelado, ni a nivel compositivo. Siempre debía visualizarse previamente el resultado final, se suma a f/64 comienza a trabajar también con una serie de técnicas que eran obligatorias para todos sus integrantes. Se formuló una estética de fotografía nítida enfocada en cada detalle impreso por contacto en papel brillante, blanco y negro, para finalmente ser montada en una superficie blanca. La fotografía debía de ser exclusivamente de la realidad y no debía estar manipulada de ninguna manera. En sus fotografías, los artistas de f/64 buscaban amplia profundidad de campo y realismo, además prestaban especial atención al control de las zonas.
Estilo gráfico/abstracto: Se trata de un estilo en el que se intenta reducir el paisaje a algo simple, llegando incluso en ocasiones al minimalismo. Consiste en extraer la esencia gráfica de una escena de la mejor forma posible. Se precisa de cierta pericia visual para conseguir buenas fotografías de paisajes gráfico/abstractas.
Paisaje ambiental: Surge como método de protesta contra la degradación del medio ambiente a causa de la contaminación. Esta se basa principalmente por los aportes de las sociedades Sierra Club y Audubon Society, en cuyas publicaciones encontramos fotografías de paisajes de una gran belleza, que se utilizan para hacer pensar sobre la posibilidad de que algo así se pierda. Existe una variante, en la que se muestran paisajes desolados, destruidos a causa de la contaminación o de la acción humana. Uno de los máximos exponentes ha sido Robert Adams (1937-). Una de sus series más conocidas aparecen publicadas en el año de 1974 con el título The New West: Landscapes along the Colorado Front Rage (El nuevo Oeste: Paisajes a lo largo del Colorado Front Rage).
Paisaje controlado: Los paisajes urbanos normalmente se fotografían iluminados por fuentes de luz natural. En este tipo de paisaje, se suelen fotografiar con fuentes de luz artificiales por lo que frecuentemente se realizan las tomas de noche.
Otros especialistas en paisajes, hablan de subtemas dentro de la fotografía paisajista; montaña, mar, zonas áridas, zonas de tierra húmeda, estaciones del año, día soleado, día nublado, día lluvioso, amanecer, atardecer, nocturno, etc. Algunas cosas que hay que tener en mente siempre, como las reglas de composición visual que organizarán la historia que estás a punto de narrar. La ley de los tercios, la zona áurea, la simetría, la curva de la belleza, entre otras. Cuida la profundidad de campo, la nitidez de la imagen y el sweet spot.
Crepúsculos. La calidad de la luz del sol tendrá variaciones a los largo del día, el tono dominante de la luz va a variar en la medida que avanza el día. La luz del final de la madrugada, esa luz -que temerosa surge- antes que veamos el sol sobre el horizonte lo llamamos el crepúsculo náutico, y seguido de ésta viene la hora azul, en nuestra zona del mundo tiene una duración de cerca de 8 minutos, y es seguida de la hora dorada que dura cerca de 40 minutos, incluido el amanecer, esto no es constante, va a variar todo el año. Por las tardes, cuando ya se acerca la noche volveremos a experimentar una nueva hora dorada antes que el sol se oculte bajo el horizonte, y dura cerca de 30 minutos incluido el atardecer. Mientras la hora azul del atardecer viene a tener una duración de menos de 10 minutos. La hora azul posee una dominante de tono frió, mientras la hora dorada tiene una dominante de tono cálido. Prueba -colocando el balance de blancos WB en 5500K- así las dominantes van a sobresalir, dramatizando los tonos buscados. Si lo que gustas es de la precisión al máximo te comparto un listado más completo, en base a la inclinación del sol con respecto al horizonte:

Durante el amanecer civil tenemos:
Amanecer (de -18º a 0º)
Amanecer astronómico (de -18º a -12º)
Amanecer náutico (de -12º a -6º)
Amanecer civil (de -6º a 0º)

Durante el amanecer civil tenemos:
Hora azul (de -6º a -4º)
Hora dorada (de -4º a 6º)
Día (por encima de 6º)
Anochecer (de 0º a -18º)
Anochecer civil (de 0º a -6º)

Durante el anochecer civil tenemos:
Hora dorada (de 6º a -4º)
Hora azul (de -4º a -6º)
Anochecer náutico (de -6º a -12º)
Anochecer astronómico (de -12º a -18º)
Noche (por debajo de -18º)

Scouting: Selecciona un día, una hora y comprueba "el tiempo" con alguna aplicación de tu teléfono, para tomar tus fotografías. Usa el GPS (Google maps) para guardar la localización de tus sitios favoritos. Resulta muy común que vayas caminando por algún lugar y descubras paisajes maravillosos para fotografiar, pero justo ese día no llevas contigo el equipo fotográfico. No pasa nada. El GPS será una herramienta muy valiosa, a partir de ahora.
Durante las mañanas tenemos -generalmente- presión atmosférica alta, ésto favorece el hecho de que no haya nubes ni lluvia. Después de que el sol calienta la atmósfera, tendremos algo de baja presión, y podrán llegar nubes y también caer lluvia. Selecciona bien el mejor horario para tus fotos. En las mañana el sol iluminará tu paisaje de este a oeste, y por las tardes de oeste a este. Al mediodía el sol estará sobre tu cabeza y caerá perpendicularmente.



El equipo fotográfico: Cámara, trípode, filtros degradados o de densidad neutral, mochila (sin logotipos de marcas de fotografía, por seguridad) son algunas de las cosas básicas. Un día antes de tu salida recarga la batería de la cámara para tenerla llena de energía. Recordad que las fotografías de larga exposición y, más aún, cuando son nocturnas consumen mucho la batería, trípode liviano y portable.

Otros: Una gorra, calzado para exterior, cuerda, navaja, encendedor, lámpara de mano.

Para que el cielo muestre suficiente luminosidad y variaciones de tonos, utiliza una sensibilidad de ISO 400, o si su cámara es Full Frame de gama alta pruebe con ISO:1200 evitando captar ruido digital.

El tipo de archivo que mejor viene en estos proyectos es el archivo crudo o archivo RAW.


Debes tener siempre algún propósito en mente, sin importar que este cambie ante una increíble oportunidad no esperada. Toda buena foto debe tener un centro de interés. Selecciona uno dentro de tu paisaje. Puede ser la cumbre de una montaña, una roca, un árbol, una silueta, algo que ayuda a narrar una historia. En las fotos de paisajes, el fondo sí importa, y mucho. Observa sobre tu cabeza -analiza el cielo- es otro de los puntos de interés a considerar a la hora de organizar la composición visual de nuestra próxima foto.


Las líneas -y sus significados- son un recurso compositivo que nos permite guiar la mirada del observador de la foto, marcando el recorrido que deben hacer para ver la imagen. Gracias a las líneas diagonales que se reúnen en un mismo punto podemos dar a la imagen la sensación de profundidad y destacar la escala, el tamaño, y hasta ser el centro de interés de la fotografía.


La línea del horizonte. Aunque el paisaje parezca algo estático, es muy importante saber leer y capturar su movimiento que se pueda producir a nuestro alrededor puede añadir a la imagen sentimiento o drama, y crear en sí mismo un centro de interés.
El sujeto del paisaje bien pudiera ser el agua con movimiento, el bosque, las llanuras y praderas, desiertos, las costas y playas, y las montañas o cordilleras.
El centro de interés. Bien puede ser un tronco de árbol ligeramente diferente, un camino sinuoso o un toque de color en un árbol frutal, sea lo que sea, organiza la composición de tal manera que conduzcas al espectador hasta allí. Busca rayos de luz que penetren entre las hojas y ramas o un punto en el suelo del bosque directamente iluminado por el sol. Observa cuidadosamente los reflejos en el agua. Puedes aprovechar algunos reflejos para mejorar la imagen; los colores de las hojas de otoño reflejadas, verifica que no sean un distractor. Es posible que tengas que moverse un poco para incluirlos o eliminarlos, o regresar cuando el sol esté en otra posición. Usa filtro polarizador para eliminar parte de la reflexión y aumentar el contraste; gíralo hasta que tenga el efecto que desea. Al igual que cada bosque, cada llanura tiene su propia personalidad, así que busca hasta encontrar un ángulo y una composición que lo reflejen. Mientras observas, medita en ésto ¿Cuál es la característica más importante de este lugar en particular? Piensa en el cielo ¿Quieres mucho o un poco cielo? Un cielo azul claro podría reflejar mejor el carácter de una llanura, una tormenta de cerveza otra. Si el cielo es muy importante, coloca el horizonte a lo largo de la tercera división inferior del marco. Si no es así, colócalo a lo largo del tercio superior. Una vez que hayas pensado en ese personaje de la orilla, busca elementos que pueda usar para reforzar la sensación que busca. Las palmeras son un buen marco para una playa tropical; un chorro de agua que se dispara sobre las rocas agrega drama a una accidentada escena costera. Como en el desierto, ten cuidado con la arena. Si hace viento, asegúrese de proteger su cámara y lentes de la arena que sopla. No abra la cámara a menos que se encuentre en un área bien protegida. ¿Son las montañas que estoy fotografiando rugosas o gastadas, amenazadoras o encantadoras? ¿Qué sentimiento percibes de éstas? Busca elementos que refuercen su sentimiento y lo transmitan al espectador. ¿Qué composición, ángulo, luz y clima parecen más apropiados? Busca también los detalles reveladores que reflejan el espíritu de las montañas. Sigue esforzándote, quizá en poco tiempo veamos tus fotografías como portada de alguna prestigiosa revista de geografía o biología.

Te deseo éxitos en tu próximo viaje o foto tour.

Qué estés bien,









El autor de este post es publicitario, creativo y productor audiovisual y ha incursionado exitosamente como docente universitario para el Instituto de Mercadotecnia y Publicidad de México, así como en la UNITEC en Honduras desde hace más de veinte años. Es asesor publicitario independiente, redactor de artículos sobre publicidad, conferencista y blogger. Síguenos en Facebook.

01 febrero 2020

Mejorando la nitidez de mis fotos

Algunas veces, después de tomar algunas fotografías, experimentamos algún sentimiento de frustración o de incomodidad -pues mientras las observamos en la pantalla grande de la computadora, las fotos que más nos habían gustado, aquellas que tenían el mayor potencial de llegar a ser una buena foto se ven no muy claras, no muy limpias, con falta de nitidez.
Es allí cuando descubres que hay que trabajar más en fortalecer el contraste, definir claramente, y asegurar que las cosas estén perfectamente enfocadas.
Revisemos lo que entendemos por enfoque, quiere decir que un objeto está en foco cuando la luz que emite, al pasar por el objetivo, es dirigida hacia el sensor enfocada -o sea- nítida. Al grado de contraste que puedes observar en el límite entre los detalles de la fotografía, que difieren por su luminancia o densidad óptica le llamamos acutancia. Durante su viaje la luz adopta una forma lineal, pero al cruzar por espacios estrechos y pequeños la forma en que viaja la luz cambia a la forma de un cono haciendo difícil definir el foco, al pasar por un diafragma muy cerrado se produce este fenómeno llamado efecto de difracción óptica. Gracias a ésta, la luz no podrá concentrarse en un mismo punto con precisión y no llegará nítida al sensor alojado en el plano focal.

En las prácticas de fotografía, es común y normal utilizar cámaras con objetivos que poseen un diafragma de iris. Esta herramienta permite controlar varios factores importantes; el más destacado es la posibilidad de dosificar la cantidad de luz que vamos a permitir fluir desde el exterior al plano focal donde está el sensor digital de la cámara. También -el diafragma- nos permite acortar o alargar el área de nitidez -profundidad de campo- lo que ayuda al fotógrafo a destacar aquello que será el centro de interés para el observador, o bien para aplicar el tan apreciado efecto bokeh (en japones: desenfoque, mentalmente confuso).
Durante la etapa de diseño de un objetivo, su fabricante utiliza una escala de pasos completos muy conocidos por todos los fotógrafos como números efectivos -f stops en inglés- y que se pueden calcular al dividir la distancia focal del objetivo (milímetros) entre el diámetro efectivo del diafragma (milímetros). En todos los casos la utilización de la escala de pasos completos con números f/, se deben entender como un valor teórico. Ésto nos puede ayudar a entender que en la práctica o en la realidad no será un valor exacto y que dicho objetivo (lente) podría variar entre 1/3 y 2/3 la exactitud de dicho valor en la práctica real. Esta variación la suelen producir la difracción, y la capacidad de absorción y transmisión de la luz de los materiales utilizados. La escala de pasos completos de números f/ no considera estas perdidas. Para la mayoría de los fotógrafos que realizan foto fija ésto no significa ningún problema, pues esta ligera variación se puede corregir muy fácilmente en el pos-proceso de la imagen digital.
Cuando el fotógrafo produce productos audiovisuales como películas o cortometrajes digitales, sí será necesario ocuparse en este factor, pues las variaciones de entre 1/3 y 2/3 de paso completo en la nitidez y luminancia sí afectan la ilusión de continuidad en el momento del montaje o edición. Se hará notorio al trabajar con varías cámaras similares con los mismos valores y diferentes distancia focales, y que nos entregan archivos de vídeo que no hacen matching completo entre éstas a pesar de compartir los mismos valores; incluido el mismo el número efectivo del diafragma.
Una vez construidos los objetivos (lentes) se mide la transferencia de detalles finos de éstos, bien sea valiéndonos de las gráficas de curvas de transferencia de contraste -Modulation Transfer Function- o MTF, o bien de otros métodos tradicionales de mensura como la medición de líneas por milímetro en todas las aperturas de diafragma podremos validar si el objetivo transmitió toda la información desde el exterior al sensor. Bueno, ahora que hemos llegado hasta éste punto te voy a presentar a los números T. Los números T, obtienen su nombre de números de su capacidad de transmisión de luz, se miden luego de construido el objetivo (lente) -éste ya no es un proyecto teórico- y se le aplican algunas pruebas con fotómetros especializados industriales. Al momento de grabar en la parte exterior del anillo de diafragma de iris, no se marcan los valores en pasos completos de números efectivos, ahora se utiliza un valor real; escala de números T. Para lograr los valores de los números T cada fabricante deberá invertir mayor esfuerzo en medir cada objetivo, por ésto los realizadores de cine digital pagan más por juegos de objetivos que poseen similar apertura de diafragma máxima, y así evitan variaciones  de entre 1/3 y 2/3 de pasos de luminancia durante su edición. En la mayoría de los casos hablamos de variaciones de alrededor de 1/3 de paso entre el número f y el número T. 
Busca aquí el objetivo que deseas revisar.
La nitidez tiende a disminuir cuando la apertura del diafragma es pequeña, mientras las aperturas de diafragma intermedias tienden a mejorar la nitidez de la imagen, pues con esto evitamos las alteraciones de las aberraciones ópticas y la difracción. Llegado este momento, vamos a platicar un poco acerca del "sweet spot" que en español es mejor conocido como punto dulce del objetivo. Se trata de las aperturas de diafragma que nos ofrecen la mayor nitidez del objetivo, o donde el trabajo de la óptica es óptimo, o sea el punto más nítido del objetivo.
Para encontrar el sweet spot de cada objetivo sigue los siguientes sencillos pasos:
Hagamos juntos un ejercicio: Lleva tu diafragma a la apertura máxima (podría ser f/1.4), ahora cierra la apertura en 2 o 3 pasos completos. Esto nos lleva hasta f/4.0, y listo, ahora bien evita llegar hasta f/16. Digamos que en este ejemplo nuestro sweet spot andará entre el rango de f/4.0 y f/11. Hay quienes simplifican todo este calculo y recomiendan abiertamente trabajar en el centro de la escala f/8.0. La difracción óptica se hará más notoria en las aperturas de diafragma que están entre f/16 hasta f/64. Ahora podemos decir que las aperturas de diafragma cercanas a los extremos resultan ser las menos nítidas.
Una de las preguntas que nos hacemos en este punto es ¿cómo haremos para evitar que la difracción afecte la nitidez mis proyectos? Vamos a evitar aquellos números efectivos que estén muy cerca de la apertura mínima del diafragma, pero además aquellos que están cerca de la apertura máxima. La difracción se hará más notoria a partir de f/16 y aumenta un poco, cada vez, que nos acercamos a la apertura mínima.

Para nuestro cierre, para mejorar la nitidez de nuestras fotos vamos a hacer lo siguiente:
Busca el sweet spot de tu objetivo. A dos o tres pasos de la apertura máxima del diafragma, hasta antes de llegar a f/16. Así evitas la difracción, y en el otro extremo las aberraciones cromáticas. Te deseo muchos éxitos.

Qué estés bien.













El autor de este post es publicitario, creativo y productor audiovisual y ha incursionado exitosamente como docente universitario para el Instituto de Mercadotecnia y Publicidad de México, así como en la UNITEC en Honduras desde hace más de veinte años. Es asesor publicitario independiente, redactor de artículos sobre publicidad, conferencista y blogger. Síguenos en Facebook.

01 enero 2020

El arte de nombrar marcas: naming

¿Tienes un nuevo proyecto en las manos, éste tiene un gran potencial de negocio, podría ser el caso de un próximo nuevo lanzamiento, o de un branding, o de un relanzamiento? La pregunta que todos nos hacemos ahora mismo es ¿cómo vamos a identificar o llamar a nuestro nuevo proyecto para asegurar que sea adoptado y bien recibido por los consumidores y el público?
Las mejores marcas han construido fuertes lazos emocionales con sus consumidores, y ésto comienza con el nombre. Hoy vamos a hablar sobre el nombramiento o naming.
¿Creando la fórmula para poner nombre a tu proyecto?
El nombre correcto -buen nombre- puede ayudar a separarte del resto de la competencia y a reforzar estratégicamente la imagen de tu empresa, afirma Steve Manning, fundador de Sausalito y de Igor international (3020 Bridgeway, Suite 360 Sausalito, California), agencias especializadas en nombres. Aconseja definir claramente el posicionamiento que buscas con tu marca antes de elegir tu nombre, como Apple lo hizo para diferenciarse de empresas con nombres de estilo corporativo como IBM y NEC. “Estaban buscando un nombre que apoyara una estrategia de posicionamiento de marca y que fuera percibido como simple, humano, alcanzable y distinto."
Ten siempre en mente que los nombres tienen gran poder. Las palabras son muy importantes hasta en los negocios. Si eliges bien el nombre de tu marca  tendrás una buena identidad de marca en el futuro. El primer paso es la marca audible, el nombre deberá sonar bien y producir una primera buena impresión al decirlo en voz alta y escucharlo. Debe significar algo, le debe decir algo sobre el beneficio cada vez que sea escuchado por el consumidor, debe ser una idea simple nada complicada como un código secreto, si se trata de una marca local evita las letras iniciales y las siglas sin significado real, evita ser en exceso básico y usar palabras genéricas, verifica que sea registrable comercialmente, verifica en AdWords y en Google, debe poseer una pronunciación sencilla y lejos de lo complejo, ser original, si es corto tendrá ventaja al ser fácilmente recordado.

Lingüística + Simbología + Marketing= Nombramiento

El nombramiento es una herramienta valiosa que se ha de desarrollar cuando se quiere nombrar algo en concreto. Muy frecuentemente surge el problema de cómo denominar o llamar a un nuevo servicio o proyecto que comienza. Es en estos casos cuando aplicar una serie de técnicas ayudará a designar el nombre más idóneo en base a una identidad única. Es -naming- una disciplina que se desprende del branding. El namingconsiste en una serie o conjunto de palabras, pautas, perspectivas y directrices que se establecen en base al modelo propio de marca y que cuyo fin sea el de fusionar y lograr una adhesión entre nombres para luego crear la parte gráfica de la comunicación de la marca.



¿Por qué llamar Wi-Fi a una red inalámbrica local? Esta es una marca de la Alianza Wi-Fi; la organización comercial que cumple con los estándares 802.11 relacionados con redes inalámbricas de área local. Su primer nombramiento fue Wireless Ethernet Compatibility Alliance. Posiblemente no hubiera sido tan exitosa de haberse lanzado con este nombre al mercado global.
Según Marketing Journal los nombres con sílabas o sonidos repetitivos (Coca-Cola, Jelly Belly, lululemon) crean percepciones positivas de la marca.
Los investigadores de la Universidad de Princeton descubrieron que las empresas públicas con logotipos fáciles de pronunciar superan a las que tienen logotipos difíciles de pronunciar en la Bolsa de Nueva York. Los nombres genéricos no resultan atractivos ni interesantes para la mayoría del público. Los nombres deben ser diferentes en base a una razón o argumento, y también deben ser fácilmente deletreables. Tampoco les resulta interesante la definición oficial de la RAE u otro diccionario sobre el nombre de tu marca. Cada vez que te sea posible sepárate del grupo, aléjate del pelotón o de la tendencia de las empresas del mismo sector. Aprovecha para sorprender con nombres no esperados como el primer nombre de una persona, pero asegúrate que éste sea muy corto. Las personas buscan interactuar con otras personas, así que se sienten más cómodas ante un nombre humano que ante una gran compañía, por el simple hecho de que siente humano. Otra buena práctica está en reducir el nombre completo de una compañía a un solo nombre, un nombre sencillo tiende a atraer más a las personas. Si aspiras a que tu marca no caiga en el terreno de lo común, entonces piensa en algo especial. Los públicos buscan una conexión emocional con la marca para desarrollar lealtad a ésta.

Siempre será oportuno y sabio seguir algunas guías o ayudas que te facilitarán llegar a buen puerto durante el naming de nuestro proyecto. Muchas veces será prudente empezar de cero y examinar todos y cada uno de los factores que inciden en ésta. Algunas tendencias recientes apuntaban a las etimologías latinas, ahora vamos hacia los términos tecnológicos.

Escribe todo lo que venga a tu mente: Si quieres poner el nombre a un producto o servicio. Una vez que hayas escrito una cantidad con suficientes buenas opciones, selecciona aquellas que más te interesen y posean mayor potencial, descarta las que más se alejen del significado deseado. Empieza con una lista mayor a 20 opciones, ten cuidado de no ser víctima de tu propia memoria.

La creatividad: Utiliza técnicas para ser más sensibles y creativos en este momento nos ayudará a conseguir el objetivo inicial de poner el nombre adecuado.

Preguntas más básicas: Para transmitir la esencia de la marca en el nombre, la utilidad del producto, lo que se ofrece, responde las siguientes preguntas para conseguir poner el nombre más adecuado. ¿Qué es? ¿cómo se utiliza? ¿cuándo se usa? ¿cuáles son sus ventajas y el beneficio? Este tipo de cuestiones van a proporcionar una información más detallada para acercarse al nombre que transmita todo los valores esenciales de la empresa o el producto. El nombre deberá proveer información o algún sentido sobre mi producto o servicio.

Valores de la marca: El aporte de valor es lo que distingue a un negocio de otro en su mismo sector. Busca proponer nombres que transmitan esa esencia será una tarea fundamental para que la audiencia asocie a la marca los atributos positivos que tiene.

Importante comprueba que no está registrado: Tras encontrar el nombre que mejor se adapta a las necesidades de la empresa hay que comprobar que no esté ya registrado y que si se quiere crear un sitio web con éste dominio también está disponible.
También debes considerar cómo lucirá el nombre en un logotype o en la publicidad gráfica, dice Manning. Por ejemplo, él destaca Gogo, un proveedor de servicios de InterNet, como un buen nombre para temas relacionados con el diseño. “Se trata del balance de las letras, en este caso todas son redondas y amigables, a diferencia de letras angulares como la K, la T y la R”, afirma Manning. Otros nombres atractivos visualmente son Volvo, por no tener letras colgantes, y Xerox por la simetría, según el experto.

Lo que nunca debemos hacer es elegir el nombre incorrecto; uno que no resuene en la mente de los clientes, que sea difícil de pronunciar o deletrear o que sea demasiado parecido al nombre de otra empresa, todo ésto podría tener efectos perjudiciales muy serios en su marca, SEO y en sus resultados de analítica web. El error está en escoger un nombre parecido al de sus competidores, algo que hace el 90% de los que inician emprendimientos.

Para terminar toma en cuenta que exista disponibilidad legal para registrarlo. Evalúa qué es lo posee de emocionante y desafiante este nombre al escúchalo desde diferentes plataformas. Escríbelo para leerlo, y observarlo. Prueba a traducirlo en varios idiomas y verifica que su traducción local no produce interpretaciones negativas.

Si te es posible evalúa las mejores posibilidades a través de una encuesta para que escuches la voz del mercado de los consumidores reales  antes que se muy tarde.

Qué estés bien,
El autor de este post es publicitario, creativo y productor audiovisual y ha incursionado exitosamente como docente universitario para el Instituto de Mercadotecnia y Publicidad de México, así como en la UNITEC en Honduras desde hace más de veinte años. Es asesor publicitario independiente, redactor de artículos sobre publicidad, conferencista y blogger. Síguenos en Facebook.

01 diciembre 2019

Navidad y la excusa de las fiestas de fin de año.

Personaje de ficción que odia la navidad.
Los amantes -fans- de la temporada navideña están a punto de vivir la realización de su sueño anual de la mejor época del año y encender el modo Navidad, para muchos se llama el espíritu navideño. Muchas personas; niños y jóvenes, y emprendedores del sector comercio esperan cada año la temporada de las fiestas de fin de año para cambiar su entorno y así vestir de blanco, verde, rojo, y dorado todo su ambiente, el que más emoción produce entre los compradores.
En algunos países la celebración inicia con las reuniones de las posadas a los peregrinos, en otros con la cena de acción de gracias, en muchos otros no hay señal clara para su inicio; es el sector comercial con sus templos dedicados a las ventas al detalle quienes dan la señal de salida. La fiesta se extiende hasta la primera semana de enero, sobre todo en países de habla española.
Los minoristas -vendedores al detalle- también vivirán su sueño realizado, pues pueden lograr -solo esta temporada- el 40% de todo lo vendido en el año. Solamente en 2017 se había estimado que en los EUA se iban a vender mercancías por 800 mil millones de dólares. Hace un año atrás Amazon aumentó un 25% sus ventas de ropa de la temporada de fin de año en hasta 30,800 millones de dólares. En 2017, Amazon capitalizó ingresos por 24,600 millones de dólares gracias a la ropa y el calzado, frente a los 29,000 millones de dólares que facturó Walmart. Se estimó que en el cierre de la temporada de la Navidad de 2018 las ventas de los detallistas cerraron en 719.17 miles de millones dólares. Otras fuentes de investigación hablan de un modesto crecimiento de 2.9% en las ventas con respecto al año anterior 2017. Hay proyecciones optimistas sobre que en el mes de diciembre de 2019 las ventas lleguen hasta los 730 mil millones de dólares.
Recuerdos y nostalgia. Los regalos para los niños; juguetes, comida y ropa, unos señores que visten rojo y blanco con larga barba blanca y sus renos. A los más grandes los atraen las comidas de trabajo, las compras locas en tiendas y almacenes, las comidas de la temporada, los dulces y postres, bebidas con chocolate, visitar los templos, visitar las villas navideñas, los intercambios de regalos, vestir ropa con el tema navideño, las reuniones familiares, quemar pólvora, asistir a las salas de cine a disfrutar de los estrenos, o bien las películas navideñas clásicas en la televisión como; mi pobre angelito, el Grinch, el cuento de la Navidad. O bien, viajar junto a la familia, pasear en trencito, iluminar el árbol con muchas luces de colores por primera vez, la música navideña cantada y orquestal, y otras.
Viajeros. Muy posiblemente -2019- se aumente en 4% el número de viajeros en los EUA por esta temporada de fin de año, llegando a un número estimado mayor a los 26.8 millones de pasajeros utilizando avión y más de 53 millones de personas viajando por carretera en distancias mayores a 80 kilómetros, solo en los Estados Unidos.

Yo mismo he disfrutado de grandes momentos en la víspera de la Navidad -el veinticuatro- junto a mis hijas. Cuando todavía eran niñas pequeñas, me gustaba esconderme detrás de una ventana cerca del árbol y con voz de hombre mayor gritar Jo, jo, jódesde allí verlas reír y gritar de alegría por abrir sus regalos.  También disfruto muchas de las comidas de la época; puedo adelantar que en cada familia se vive cierta nostalgia al comer cosas que aprendimos apreciar con nuestros abuelos, cuando eramos -todavía- niños pequeños. Es que la navidad es para los niños, y para sentirse como niños un momento año tras año.
Uno de los mayores iconos navideños de nuestra generación.
Los fans de la Navidad son muchos, así como las interpretaciones acerca de la Navidad, éstas también pueden ser muchas. Resulta ser frecuente mi encuentro con personas que expresan con mucho animo como la música navideña les alegra el alma; disfrutan la música tropical, el clásico piano merengue, los villancicos con santa entregando regalos y visitando los pueblos, los simpáticos temas bailables y su playlist para fiestas decembrinas, más de alguna canción bailable competirá y se colocará como la canción del fin de año en todas las fiestas y reuniones. Otras personas aman la decoración navideña; los colores, los adornos, las luces de colores y la transformación de los espacios públicos, oficinas y de su hogar.
Para muchos otros la comida de la celebración es su máximo placer de la temporada; son amantes de los platos nostálgicos. Muchos esperan los nacatamales, las torrejas, la pierna de cerdo, el pollo al horno, tamalitos de frijoles, romeritos, bacalao, el ajiaco, el pavo con relleno, ponche de frutas, en fin. Para muchos otros la parte más esperada está en las reuniones con amigos, compañeros de trabajo y las de familia. Una de las decoraciones más disfrutadas por niños y por adultos, son los portales y los nacimientos; los hay muy pequeños y discretos con figuritas de barro cocido, porcelana, metal y en fin. La mayoría se limitan a contar una versión de la navidad de la tradición cristiana, otros cuentan de manera humorística o simpática los últimos escándalos políticos del país, como si éstos últimos fueran pocos.
Esta atractiva temporada de la navidad y fin de año está asociada a muchos excesos en la ingesta desmedida de alcohol, se usa como excusa para tener sexo fácilmente, aumentan accidentes de tráfico, atracos y asaltos, robos, en fin. Las salas de emergencia de clínicas y hospitales suelen tener sus picos de atención en la temporada de diciembre, por intoxicación con alimentos, golpes, suicidios, heridas causadas por empaques plásticos herméticos, y para muchos papás es el momento de comprar baterías para los juguetes que no las incluyen.
Localmente, en los países de Centro América se acostumbra a quemar pólvora, tirar petardos, y fuegos artificiales durante toda la noche, y se llega al clímax a las doce de la media noche. Esta es la excusa perfecta para que muchos niños aprendan a fumar cigarrillos, y a quemarse más de un dedo jugando con la ahora ilegal pólvora. Algunos sufrirán quemaduras serías y llegarán hasta los hospitales para ser atendidos de urgencia.
Los aeropuertos, las terminales de autobuses inter urbanos se verán colapsadas y llevadas al máximo de su capacidad en los días previos con viajeros que desean llegar a casa para celebrar una cena navideña junto con sus amigos y familiares. En los salones de algunos hoteles y restaurantes se organizan fiestas, bailes, y banquetes que garantizan una velada inolvidable.
También hay personas quienes sobreviven a estas fiestas solas, en profunda depresión y que corren a refugios falsos como el alcohol y las drogas para superar las horas que dura esta celebración. Resulta que la víspera de la navidad (el veinticuatro) y su celebración opaca con todos sus excesos y abusos a la navidad y su mensaje, en sí mismo.
El aguinaldo. A algunos de los que disfrutan de la dicha de contar con un salario mensual, también les suele pasar, que reciben un bono especial durante estas fechas. En algunos países se trata de una costumbre, en otros ya es ley, o también se trata de un reparto de utilidades. La tradición nos invita a comprar ropa de estreno para la navidad, y juguetes el seis de enero. Cuando lo más sabio será guardarlo para empezar el año con algo de ahorros, y hacer más llevadera la cuesta de enero, mes en que todos los bolsillos suelen estar vacíos.
Así llegamos finalmente a la Navidad con resaca, con el estomago al revés, cansados, con dolor en los pies, con aroma a cenicero,  desvelados y con somnolencia. Por fin llegamos a la Navidad, con los estados de cuenta de nuestras tarjetas de crédito saturados o sobregirados, las cuentas de ahorro vacías y regalos para ir a cambiar o devolver a los almacenes. Ese día al despertar somos menos receptivos al mensaje de la Navidad que el mismo Grinch.
Santa, resulta ser el para la mayoría el personaje principal de la fiesta.
Al final de tantas vueltas, de muchas historias y simpáticas anécdotas sobre nuestra loca navidad, surge la pregunta: ¿Qué es lo que realmente celebramos en la Navidad o Natividad? ¿Por qué corremos desesperados y vaciamos nuestros bolsillos en una alocada carrera por limpiar los almacenes y los mercados como si no hubiera mañana?

Que estés bien, y feliz Navidad.





El autor de este post es publicitario, creativo y productor audiovisual y ha incursionado exitosamente como docente universitario para el Instituto de Mercadotecnia y Publicidad de México, así como en la UNITEC en Honduras desde hace más de veinte años. Es asesor publicitario independiente, redactor de artículos sobre publicidad, conferencista y blogger.

01 noviembre 2019

Buenas prácticas en la publicidad.

¿Qué se entiende por ética? “Ética (del griego ethika, de ethos, comportamiento, costumbre), principios o pautas de la conducta humana, a menudo y de forma impropia llamada moral (del latín mores, costumbre) y por extensión, el estudio de esos principios a veces son llamados filosofía moral.” Para Fagothey (1991) “es el conocimiento de lo que está bien y de lo que está mal en la conducta humana” además podemos entenderle mejor así pues a diferencia de la moral no prescribe ninguna norma o conducta ni nos manda o sugiere directamente qué debemos hacer. Su cometido, aunque pertenece al ámbito de la praxis, es mediato, no inmediato, y consiste en aclarar qué es lo moral, cómo se fundamenta racionalmente una moral y cómo se ha de aplicar esta posteriormente a los distintos ámbitos de la vida social. 
Este protagonismo económico, social y cultural de la publicidad hace cada vez más necesaria la correspondiente regulación de sus diferentes aspectos normativos. Si la publicidad ocupa un lugar importante en nuestra sociedad e influye poderosamente en nuestras vidas, es lógico que nos preocupemos por las normas que deben guiarla. La publicidad ha sido así objeto de una atención creciente por parte del derecho. La regulación jurídica aumenta conforme lo hace la trascendencia de los productos anunciados (como en el caso de los farmacéuticos) o de los hábitos de consumo fomentados, cuando la publicidad se dirige a grupos de especial atención (como los niños); o cuando afecta a derechos fundamentales de las personas (como la salud, la intimidad, la imagen, etc.).
Sin embargo, aunque nadie duda del papel imprescindible del derecho en la regulación de la publicidad, también es cierto que tiene algunas dificultades a la hora de cubrir todos sus aspectos morales y normativos. Son estas dificultades y limitaciones del derecho las que hacen necesario el refuerzo de la ética publicitaria a través de la autorregulación. De ellas, dos son especialmente significativas:
El derecho, la norma jurídica, tiene que ser general. Esta generalidad es mayor aún si cabe en ámbitos como el de la publicidad, lo cual deja siempre un cierto margen a la hora de concretar las conductas que se ajustan o no a derecho. En ocasiones, este margen es utilizado por algunos para escapar al espíritu de la ley, lo que hace muy recomendable la existencia de otras formas de exigir corrección que complementen al ordenamiento jurídico.
El derecho prescribe las conductas incorrectas que pasan así a ser ilegales. Pero en una sociedad abierta y plural como las nuestras, hay muchas cuestiones que no pueden ser reguladas por el derecho y que sin embargo tienen una dimensión ética destacada, que en ocasiones dañan la imagen de la publicidad y provocan malestar social. En estos casos, los mecanismos de autorregulación están en mejores condiciones de abordar estas cuestiones. Por su parte, algunos rasgos específicos de la publicidad acentúan más si cabe estas limitaciones del derecho y hacen más necesaria la labor autor reguladora. Uno de estos rasgos es el gran dinamismo de la actividad publicitaria. Dado los intereses económicos en juego y su propia naturaleza, la publicidad resulta una actividad especialmente dinámica, siempre dispuesta a aprovechar novedades o producirlas ella misma con tal de llegar a un público saturado de mensajes. Justo lo contrario del derecho, siempre más lento y cuidadoso. Sólo cuando alguna novedad tecnológica, comercial, comunicativa, etc., lleva ya algún tiempo en el mercado se produce su regulación jurídica. Entre la aparición de la novedad y su regulación pasa por tanto un espacio de tiempo más o menos amplio. Este vacío suele ser una invitación para que los más desaprensivos se aprovechen y traten de obtener ganancias rápidas, con la tranquilidad que supone no poder ser sancionados por ello. Aquí la autorregulación puede jugar un importante papel al suplir el vacío jurídico, estableciendo criterios que permitan discriminar entre una publicidad ética y la que no lo es.
Como parte de un colectivo y dentro de la sociedad que nos rodea se hace necesario entonces un código ético o código de ética, que busque o pretenda desarrollar una cultura ética. Que alimente un diálogo reflexivo sobre unos ideales de convivencia, integración, inclusión, participación, que nos dé la oportunidad de avanzar hacia la construcción del bien común, este instrumento es importante y valioso pues nos da la oportunidad para que nos reconozcamos mutuamente y sigamos construyendo una industria publicitaria con más y mayores oportunidades. 
Es ante esa valiosa necesidad que los publicitarios, medios, y anunciantes en su carácter individuo y de colectivo deciden establecer el Código de Ética Publicitaria, el mismo que contiene las pautas de conducta que se comprometen a cumplir y hacer respetar. 

En París en el año 1919 se constituyó la Cámara Internacional de Comercio de París -ICC- aquí se crearon las normas del (CPI) Código Internacional de Prácticas de Publicidad publicado inicialmente en 1937 y ya para nuestros días ha sufrido al menos ocho revisiones, y ha servido de inspiración a la mayoría de los códigos de ética publicitaria que hoy están vigentes en el mundo entero. Incluye nuevas directrices para las prácticas de publicidad en internet, SMS y publicidad infantil. La CCI, goza de la condición de entidad consultiva de primer orden ante las Naciones Unidas, sus agencias y organismos especializados, y mantiene una fluida y estrecha relación con otras organizaciones internacionales, la Organización Mundial del Comercio, la Organización Mundial de la Propiedad Intelectual, la OCDE, el Fondo Monetario Internacional y el Banco Mundial, donde expone las visiones del mundo de la empresa y aboga a favor de sus intereses.
Estos instrumentos de autodisciplina regulan las actividades publicitarias para todos los países aquí representados. “Queremos que las empresas adopten este nuevo código actualizado de Prácticas de Publicidad con el fin de servir mejor a su público. Los consumidores necesitan saber que la publicidad que reciben de todos los medios es honesta y verás, que no va a engañar ni a confundirles. También quieren saber que la información personal que dan a las compañías está debidamente reguardada. Este nuevo código provee esa seguridad a través de las empresas que se han suscrito a este código para cumplir sus preceptos” dijo John F. Mandrefi, presidente de la CCI. 
En Francia desde 1953 funciona el Bureau de Vérification de la publicité, en el Reino Unido, se creó en 1962 el “Code of advertising practice” y junto con el organismo con personalidad jurídica que se encarga de su cumplimiento el Advertising Standars Authority. En 1964 Italia se crea la Confederazione Generale italiana della publicitá, el sistema de autorregulación de Belgica inició en 1967, como Conseil de la publicité, en 1971 nace en los EUA el National advertising review council, en España su sistema de autorregulación de la publicidad se instaló en 1977 como la “Sociedad de autocontrol S.A.”. 

El principal aporte de los códigos profesionales a los códigos de ética ha sido el de definir el marco de acción y de responsabilidad, regular las relaciones que se establecen en dichos marcos, y establecer los deberes y obligaciones hacia cada uno de los grupos con que se interactúa. 
Es así como hoy en día muchos de estos códigos éticos, incluyen una serie de elementos básicos y fundamentales como son: los valores de la cultura organizacional; los mecanismos de autorregulación, control y sanción; la distinción entre las conductas mínimas que han de seguir y las aspiraciones que pueden compartir los miembros de la empresa; las pautas para reconocer y abordar los dilemas éticos que se pueden presentar; los compromisos frente a la sociedad y los diferentes grupos con que se relaciona; la identificación de las expectativas de los actores sociales internos y externos a la empresa, entre otras más cosas.

Aunque entendemos que su objetivo fundamental es mejorar la publicidad, su finalidad social es velar por el cumplimiento de las normas legales y éticas que regulen la publicidad, la idoneidad, y veracidad de sus mensajes orales, escritos y por imágenes.

Qué estés bien,

Mauricio Pineda

El autor de este post es publicitario, creativo y productor audiovisual y ha incursionado exitosamente como docente universitario para el Instituto de Mercadotecnia y Publicidad de México, así como en la UNITEC en Honduras desde hace más de veinte años. Es asesor publicitario independiente, redactor de artículos sobre publicidad, conferencista y blogger.

14 octubre 2019

Entro o no entro a la sala. El póster de película.

El afiche para películas de cine ¿vende o no vende?
Muy probablemente, alguna vez, pasaste por un cine y entraste a curiosear por su lobbie. Caminaste por allí y te fuiste directo a las cajas de luz con los posters de los próximos estrenos para estar informado de que película podría ser la próxima que irías a ver en tu tiempo libre. O bien, preparando tu cita o solamente andabas por allí y fuiste atraído por el diseño del póster, nada más.
Los afiches de películas tienen una gran responsabilidad; deben informar a las grandes audiencias y persuadir a éstas de entrar a la sala y ver la película. Son el gancho, son el llamador de atención más importante para completar la decisión de compra y pasar por fin a la sala, y así recuperar la inversión de la producción, y generar las utilidades que los bancos y demás inversionistas están esperando.
Origen. Los afiches de películas o movie poster inician su vida justo en el mismo lugar que dio vida a las imágenes con movimiento, y casualmente al mismo afiche como tal. Desde Francia inicia su andadura para invitar al público a visitar la proyección. Los carteles cinematográficos, son usados por la industria del cine para la promoción publicitaria de sus películas. Estos afiches no son de un único diseño y tamaño, se usan en distintos idiomas, mercados y soportes. El 26 de diciembre de 1895, desde el Grand Café de París,  iniciamos el uso del póster de películas por encargo de los hermanos Lumiére y su corto L’Arroseur arrosé (El regador mojado), y que fue ilustrado por Marcelino Auzolle (1862-1942).
Afiche diseñado por Marcelino Auzolle.
Al principio del siglo XX, las películas usaban tamaños de papel publicitario heredados del vodevil, ferias y el circo. Estas medidas fueron una hoja (27" x 41"), triple hojas (41" x 81"), seis hojas (81" x 81") y los pósteres 24 hojas (246" x 108"). Con el crecimiento numérico de las salas de cine a inicios del pasado siglo, hubo la necesidad variar de tamaños; más especializados.  Los afiches para promocionar películas en el cine se estandarizaron inicialmente a la medida 17 pulgadas de ancho, por 41" de alto, medida que fue definida por Thomas Alba Edison. Ya en los años 20, del pasado siglo XX, los contenidos sufren algunos cambios para favorecer a los públicos con baja lecturabilidad y analfabetismo con imágenes que destacaban los rostros de las estrellas del cine de esos años y que empiezan a utilizar los slogans con alguna frecuencia importante, más no disponible en todos.
Antes de fines de la década de 1930, los estudios de cine eran responsables de la distribución de material de marketing (como carteles de películas) a la gran cantidad de cines en todos los EUA que exhibirían sus películas. Esto requería que cada estudio tuviera un almacén en cada ciudad importante para almacenar y administrar la distribución de su propio material de marketing. Algunas agencias de diseño de material promocional para películas que destacan a nivel mundial por sus proyectos están disponibles en este Link.
Las medidas de afiche para promocionar las películas no se han mantenido sin cambios, han surgido diversas medidas para una variedad de usos. Por ejemplo:
27 x 41″ (Una hoja)
22 x 28″ (Paisaje horizontal)
14 x 36″ (Retrato vertical)
14 x 22″ (Ventana)
41 x 54″ (Doble hoja)
41 x 81″ (Triple hoja)
30" x 40″, 40" x 60", y 81" x 81″ (Cuadrados).

Surgió también el póster de "24 hojas" era exactamente 24 veces el tamaño de una hoja normal. Éste ya se usaba para anunciar los circos, las ferias y vodevil. Con el crecimiento del automóvil, los productores reconocieron que estas vallas publicitarias espectaculares se podían ver desde gran distancia cuando se transportaban en un automóvil. Durante la década de los 30, había más creatividad en la historia del póster que en el guión mismo de la película como tal. Los carteles variaron en tamaños, y experimentaron con diferentes estilos de letras.
Diseño de Reynold Brow, de 1958 para
el ataque de la mujer de 50 pies
Los estudios generalmente producían dos versiones; los carteles de una hoja y los de media hoja, cada uno con un tipo diferente diseño y mensaje. Los carteles de la Paramount Studio eran conocidos como "Estilo A" y "Estilo B". Los afiches que la MGM utilizaba se conocían como "Estilo C" o "Estilo D". Los de la Universal Pictures se conocían como "Estilo X" y "Estilo Y". A veces se lanzaron más de dos estilos, especialmente cuando se estimaba que la película era un proyecto importante.

1931, City Lights de Charlie Chaplin.
La década de 1970 fue en realidad una plataforma de lanzamiento para los éxitos de taquilla que vendrían posteriormente en la década de 1980. Donde surgieron películas como The Godfather, Rocky, Star Wars y Star Trek. Las fotografías de los actores fueron un tema recurrente de los afiches de estos años. Es en esta década, que la NSS cambia el código numérico de cada póster promocional, antes éstos eran escritos a mano, en el año de 1977 se inicia la impresión tipográfica de éste. Para el año de 1978, el código NSS pasó a ser un número único.

Aunque los carteles de esta época continuaron con el uso de la fotografía, a veces se usaban estilos de ilustración y pintura. Artistas famosos como Ansel Adams, Frank Frazetta y Bob Peak crearon algunos carteles populares de esta época.
Desde el año de 1940 a 1984 funcionó un sistema nacional centralizado de impresión, y distribución de afiches para promoción de la películas en los Estados Unidos y se conoció como el Servicio Nacional de Pantallas (NSS), los teatros debían devolver los póster al terminar su exhibición. A fines de la década de 1990, solo quedaban tres oficinas regionales. Un pequeño porcentaje (aproximadamente el 15%) de los materiales publicitarios en papel de las películas se gestionaban a través de estas oficinas. A partir de septiembre de 2000, Technicolor, Inc. adquirió las oficinas restantes de NSS. Technicolor planea continuar operando estas oficinas, con especial énfasis en la ventanilla única. Los teatros multiplex, de varias salas, redujeron su espacio promocional para póster por cada sala, se redujo el tamaño de éstos y la gestión de la NSS perdió importancia.
Diseño de póster estilo A de Tom Jung,
con ilustración de Greg y Tim Hidebrandt, 1977
Durante los años 80 se adoptó el uso cada vez más frecuente de un papel parecido al utilizado en las portadas de revistas, el estucado de acabado brillante o satinado. las películas de esos años venía cargadas con efectos especiales análogos y de producción que eran un gran atractivo para las audiencias. Llegaron a las salas películas como el Imperio contra ataca, Cazadores del arca perdida, El regreso del Jedi, Volver al futuro, y muchas otras.
También surgen las múltiples salas (multiplex) en un mismo cine, ahora podíamos ir al cine a ver una película y escoger entre varias opciones de películas en diferentes salas.
Póster ilustrado por Roger Kastle. 1980.
Póster diseñado en 1980, por Noriyoshi Ohrai.
La hoja única continúa siendo muy utilizada en la actualidad. Algunos estudios de cine lo han achicado hasta 27" x 40" (686 x 1016 mm). Este formato es el más utilizado actualmente, se diseña con una resolución de 300 DPI. Muchos estudios han decidido utilizar la "mini hoja". Estos no son de tamaño estándar y se pueden usar para reemplazar muchos de los viejos favoritos, como inserciones, medias hojas. Las "mini hojas" a veces se usan como artículos promocionales. También se utilizan soportes, móviles y pantallas planas. Además, los carteles hechos para TV por cable y películas de televisión en red también han tenido un importante impacto. A inicios del siglo XX las ilustraciones de algunas escenas se volvieron el tema del cartel en la gran mayoría de los casos. En muchas salas de cine podemos ver movie trailers (avances o extras) de los próximo estrenos de manera interminable en pantallas planas de alta definición, y éstas cada vez son más, y menos el espacio para el póster.
La fotografía sigue siendo un gran imán para audiencias
en el diseño de afiches para películas.
Por la MPAA no solamente pasan este proceso de calificación las películas que miramos cada fin de semana, sino también alrededor de 60,000 piezas publicitarias anualmente, desde spots de TV, publicidad gráfica incluidos los afiches de películas, publicidad exterior, cuñas de radio, afiches y demás material BTL que se utiliza en la promoción de las mismas películas.
Cabe destacar a un par entre las muchas agencias de diseño de pósters para películas a In sync plus, e Ignition Creative. Entre los diseñadores también hay personajes destacados como el norteamericano de origen chino Thomas JungTom Jung, nació el 13 de febrero de 1942. Es un director de arte publicitario, diseñador gráfico e ilustrador que es mejor conocido por su póster de cine y su trabajo como artista de guiones gráficos (story boards). Estudió en la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston, Massachusetts. Mientras estudiaba su segundo año fue reclutado por el ejército de los EUA, y durante este tiempo en Fort Jackson en Columbia, Carolina del Sur, trabajó en el periódico Fort Jackson Leader como dibujante editorial, diseñando e ilustrando principalmente mensajes de servicio público. Después de su baja del ejército, trabajó como ilustrador autónomo y director de arte en muchas agencias de publicidad conocidas en Nueva York. En 1958, fue contratado por Ben Adler Advertising Services Inc. para rediseñar campañas publicitarias para películas extranjeras para adaptarse a una audiencia estadounidense. Creó libros de prensa y carteles que se distribuyeron a cines de propiedad independiente en todo el país.

En 1963, trabajó como director de arte independiente para Metro-Goldwyn-Mayer, donde diseñó carteles para títulos como Doctor Zhivago, Grand Prix, Far from the Madding Crowd, Ice Station Zebra y The Shoes of the Fisherman. El proceso de diseño en MGM fue increíblemente lento y significó ilustrar múltiples conceptos de póster, cuidadosamente ilustrados a lápiz o carbón con o sin líneas de copia y créditos en posición para su aprobación. Una vez aprobados, estos serían entregados al ilustrador seleccionado para preparar una pintura a todo color. En 1973, Tom trabajó en la obra de arte para Papilion.
Él dijo: "Era obvio que Dustin Hoffman y Steve McQueen tenían roles únicos en Papillon, Steve representaba, en ese momento, un instinto de desafío con el que cualquier persona se identificaría... desafío contra la opresión y la autoridad. El póster realizado con este tema se fusionó perfectamente con el ambiente de la película...Mientras trabajaba como ilustrador independiente en 1977, Tom fue elegido para trabajar en Star Wars.
Layout estilo A para el lanzamiento de Star Wars.
Antes de completar la obra de arte, se le dio el tema de Good Over Evil, junto con fotos en color y fotografías en blanco y negro de 2.25 pulgadas en hojas de contacto tomadas de la impresión original de 35 mm de la película. Su trabajo se utilizó en la hoja Estilo A. Según Tom, la "cruz" formada por el sable de luz de Luke Skywalker contra la imagen de fondo del fantasma de Darth Vader fue el homenaje de Tom al clásico enfrentamiento entre el bien contra el mal. Tom solía usar a miembros de su familia como modelos. Cuando trabajó en el diseño del póster de Star Wars y con Frank Frazetta en mente, usó a su hijo Jeff como Luke Skywalker y a su esposa Kay como princesa Leia. Después de la discusión, se decidió que Tom completaría la ilustración.
Entre los póster que mayor impacto por su diseño nos han dejado podemos destacar algunos. ¿Cuál otro merece ser incluido en la lista?





El autor de este post es publicitario, creativo y productor audiovisual y ha incursionado exitosamente como docente universitario para el Instituto de Mercadotecnia y Publicidad de México, así como en la UNITEC en Honduras desde hace más de veinte años. Es asesor publicitario independiente, redactor de artículos sobre publicidad, conferencista y blogger.