Composición visual: El marco natural

¿Has observado fotos tomadas a través de puertas o ventanas? En estas podemos apreciar un paisaje o un retrato enmarcado dentro de la propia puerta o ventana. ¿O quizá has estado ante fotografías del reflejo en espejos, o a través de la ventana de un carro, etc. Generando alto impacto y atrayendo rápidamente nuestra atención sobre el sujeto enmarcado.

Un marco natural se vale árboles, ramas, ríos, líneas de horizonte y otros elementos naturales para enmarcar y aislar al sujeto más importante de la imagen. Estos marcos naturales aportan información sobre dónde estamos y ayudan a la creación de planos de fondo y destacan la perspectiva.

La composición visual es un elemento fundamental en la creación de imágenes impactantes y memorables. Como fotógrafo profesional, es crucial entender y dominar los conceptos de composición para crear imágenes que atrapen la atención del espectador. Uno de los elementos clave en la composición visual es el uso de marcos naturales. Los marcos naturales, son elementos que están presentes en la escena que se utilizan para crear un marco visual que guía la atención del espectador hacia el objeto o la acción principal.

Estos marcos pueden ser elementos geométricos, como arcos, columnas o estructuras, o pueden ser elementos naturales, como árboles, rocas o montañas. Los marcos naturales pueden ser utilizados para crear un contraste visual interesante, enfatizar el objeto principal, o crear una sensación de profundidad y perspectiva. Su uso aporta valores fundamentales como la atracción visual, la profundidad, el contexto narrativo, la belleza estética y la originalidad. Dominar el arte de incorporar estos elementos en tus composiciones te permitirá crear imágenes impactantes y memorables que atrapen la atención de tus espectadores.

Los marcos naturales -potencialmente- son cualquier objeto o grupo de objetos dentro de una escena que forman un entorno o marco alrededor del sujeto principal. Estos pueden ser elementos naturales como árboles, montañas, arcos de roca, o incluso elementos hechos por el hombre como puertas, ventanas, o arcos arquitectónicos. El marco puede estar en el primer plano, en el fondo, o ambos.

El uso de marcos naturales tiene muchos beneficios que podremos capitalizar en nuestra próxima fotografía. Veamos una corta lista de factores a sumar con su implementación:

Dirige la atención: Un marco natural puede ayudar a dirigir la atención del espectador hacia el sujeto principal de la imagen. Esto puede ser especialmente útil en escenas complejas con muchos elementos. Los marcos naturales pueden ser utilizados para guiar la atención del espectador hacia el objeto principal.

Agregan profundidad: Un marco en el primer plano puede añadir una sensación de profundidad a la imagen, creando una sensación de tridimensionalidad. Los marcos naturales pueden ser utilizados para crear una sensación de profundidad y perspectiva en la imagen.

Plantean un contexto: Un marco puede ayudar a contextualizar el sujeto, proporcionando pistas sobre su entorno o situación. Los marcos naturales pueden ser utilizados para crear un contexto que ayude a entender la escena y el objeto principal.

Aumenta el interés visual: Un marco interesante puede añadir interés visual a la imagen, haciendo que la composición sea más atractiva.

Aquí hay algunos consejos para usar marcos naturales en tus fotografías:

Busca marcos potenciales: Cuando estés componiendo tu imagen, busca elementos que puedan servir como marcos naturales. Esto puede requerir que te muevas o cambies tu punto de vista.

Experimenta con variedad de diferentes marcos: No todos los marcos tienen que ser tradicionales. Experimenta con diferentes tipos de marcos, como sombras, reflejos, o incluso desenfoques.

Asegúrate de que el marco complementa al sujeto: El marco debe complementar, no distraer, del sujeto. Asegúrate de que el marco y el sujeto trabajen juntos para crear una imagen cohesiva.

Usa la profundidad de campo a tu favor: Puedes usar una profundidad de campo reducida para desenfocar el marco, lo que puede ayudar a dirigir aún más la atención hacia el sujeto.

Contraste visual: Los marcos naturales pueden ser utilizados para crear un contraste visual interesante entre la forma geométrica y la forma natural del entorno.

Hay algunas cosas a tener en mente para lograr que los marcos naturales mejoren nuestra próxima sesión de fotos.

Observa la escena: Antes de tomar la foto, observa cuidadosamente toda la escena y busca elementos naturales que puedan ser utilizados como marcos.

Experimenta con diferentes perspectivas: Experimenta con diferentes perspectivas para encontrar la que mejor se adapte a la escena y el objeto principal.

Utiliza la luz: Utiliza la luz para crear un contraste visual interesante entre la forma geométrica y la forma natural del entorno.

No te preocupes tanto por la perfección: No te preocupes por la perfección del marco natural. A veces, los elementos naturales pueden ser imperfectos, pero esto puede agregar un toque de autenticidad a la imagen.

Existen algunos elementos de los marcos naturales que nos pueden ayudar son, por ejemplo:

Arquitectura: Los edificios, monumentos y estructuras pueden ser utilizados como marcos naturales. Estos elementos pueden ser utilizados para crear un contraste visual interesante entre la forma geométrica y la forma natural del entorno.

Árboles y vegetación: Los árboles y la vegetación pueden ser utilizados para crear un marco natural que guía la atención del espectador hacia el objeto principal. Los árboles pueden ser utilizados para crear un contraste visual interesante entre la forma geométrica y la forma natural del entorno.

Rocas y montañas: Las rocas y montañas pueden ser utilizadas para crear un marco natural que guía la atención del espectador hacia el objeto principal. Estos elementos pueden ser utilizados para crear una sensación de profundidad y perspectiva.

Cielo y nubes: El cielo y las nubes pueden ser utilizados para crear un marco natural que guía la atención del espectador hacia el objeto principal. El cielo puede ser utilizado para crear un contraste visual interesante entre la forma geométrica y la forma natural del entorno.

Puedes -además- aplicar algunas técnicas fotográficas que te van a ayudar a lograr un marco natural que contribuya a mejorar la idea inicial de tu foto. Pon atención a lo siguiente:

Incluye formas irregulares. Conseguir que se ajusten a las propias formas contenidas dentro del marco supondrá un plus.

Prueba con las formas regulares. Formas geométricas regulares darán mayor estabilidad y sensación de enmarcado. Pueden cubrir todos los lados, o sólo una parte. Aunque algunos elementos tales como puertas, tuneles, arcos, pasillos largos o ventanas nos ofrecen un enmarcado a través de los cuatro lados de una imagen, el tronco de un árbol y la proyección de una rama podría hacerlo sólo en dos de ellas, una cerradura muy grande.

Enmarcar a través del desenfoque. No suele tenerse en cuenta cuando se habla de marcos naturales pero, los objetos desenfocados muy cercanos puede ofrecernos un marco natural sutil.

Ahora, no olvides aplicar en tus próximas fotos. Comparte con todos nuestros lectores tus resultados y cuenta si te ha ayudado la lectura de hoy.

Qué estés bien,

Modelo de negocio: Basketball

El baloncesto, es un deporte que ha conquistado el gusto de todo el mundo, fue originalmente ideado en el año de 1891 por el canadiense James Naismith, un profesor de educación física en el Springfield College de Massachusetts. Naismith buscaba un deporte de invierno que pudiera practicarse en interiores y así nació el baloncesto, cuyo nombre proviene de las palabras inglesas “basket” (canasta) y “ball” (pelota o balón). Inspirándose en varios deportes y juegos de su infancia. Naismith estableció trece reglas básicas que definían el juego, la movilidad del balón, la puntuación y las faltas. El juego original se jugaba con dos canastas para cosechar duraznos colocadas a tres metros de altura en los extremos del gimnasio. A principios del siglo 20, el baloncesto se extendió rápidamente por las universidades y colegios norteamericanos, y hoy en día es uno de los deportes más practicados en todo el mundo.

James Naismith, nacido un miércoles 6 de noviembre de 1861 en Almonte, Ontario, Canadá, era hijo de John Naismith y Margaret Young, ambos inmigrantes escoceses que lucharon financieramente para mantener a la familia. Naismith estudió educación física en Montreal antes de mudarse a los Estados Unidos, donde trabajó en la International YMCA Training School de Springfield, Massachusetts. Allí, en 1891, desarrolló el baloncesto como una forma de mantener a sus alumnos activos durante el frío invierno. Naismith escribió las 13 reglas originales del baloncesto y fundó el programa de baloncesto de la Universidad de Kansas, donde trabajó como profesor y entrenador durante casi 20 años. Él mismo fue testigo de cómo el baloncesto se convertía en un deporte de demostración en los Juegos Olímpicos de 1904 y en un deporte oficial en 1936. Las contribuciones de Naismith al baloncesto le valieron numerosos honores, incluyendo su inducción en varios salones de la fama del deporte. El Naismith Memorial Basketball Hall of Fame de Springfield lleva su nombre en su honor.

El basketball, también conocido como baloncesto, es un deporte de alcance global con una presencia significativa en numerosos países. Se estima que al menos 450 millones de personas practican baloncesto de manera recreativa en todo el mundo. A nivel profesional, se estima que alrededor de un y medio millón de personas juegan baloncesto. El mercado del baloncesto es vasto y diverso, con más de cincuenta ligas profesionales reconocidas en todo el mundo. Estas ligas varían en tamaño y nivel de competencia, desde la prestigiosa NBA en Estados Unidos hasta ligas emergentes en Asia y América Latina.

El baloncesto se convirtió en un deporte olímpico de verano en 1936 durante los Juegos Olímpicos de Berlín, después de haber sido sólo un deporte de exhibición en los Juegos Olímpicos de San Luis en el año de 1904. Desde entonces, ha sido un elemento constante en los Juegos Olímpicos, demostrando su popularidad y relevancia en el escenario deportivo mundial.

El Dream Team fue el equipo de baloncesto masculino de Estados Unidos que participó en los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992. Fue la primera vez que un equipo de jugadores profesionales de la NBA participaba en los Juegos Olímpicos. Antes de esto, solo podían participar jugadores amateurs. El Dream Team estaba conformado por 12 superestrellas de la NBA, incluyendo a Michael Jordan, Magic Johnson, Larry Bird, El Dream Team ha ganado un total de 5 medallas de oro en los Juegos Olímpicos:

- 1992 en Barcelona

- 1996 en Atlanta 

- 2000 en Sídney

- 2008 en Pekín

- 2012 en Londres

Los jugadores del Dream Team han dominado el baloncesto olímpico, ganando la medalla de oro en 5 ediciones de los Juegos Olímpicos de verano. Esto demuestra la supremacía de este equipo de superestrellas de la NBA en la competición olímpica. El país que más veces ha ganado la medalla de oro en baloncesto masculino en los Juegos Olímpicos de verano es  el equipo de los Estados Unidos de América, con un total de 15 medallas de oro en esta disciplina.

Origen de la NBA. La National Basketball Association (NBA) fue fundada en 1946 en el Hotel Commodore de Nueva York. Originalmente conocida como la Basketball Association of America (BAA), se fusionó con la National Basketball League (NBL) en 1949 para formar la NBA. La NBA es la liga profesional de baloncesto más prestigiosa y reconocida en los Estados Unidos y en todo el mundo. Además de la NBA, existen otras ligas de baloncesto populares en los Estados Unidos. La NCAA es una liga universitaria muy seguida, que ha sido la cuna de muchos jugadores de la NBA. Otra liga destacada es la NBA G-League, que sirve como liga de desarrollo para la NBA. También está la WNBA, la principal liga profesional de baloncesto femenino en los Estados Unidos. Estas ligas han contribuido al crecimiento y popularidad del baloncesto en los Estados Unidos.

La NBA, la liga de baloncesto más prestigiosa del mundo, está compuesta por 30 equipos de alto calibre, divididos en dos conferencias: Este y Oeste. Cada conferencia se divide aún más en tres divisiones, lo que permite una competencia equitativa y emocionante. Durante la temporada regular, que dura aproximadamente seis meses, los equipos se enfrentan en una serie de 82 partidos, poniendo a prueba su habilidad, resistencia y estrategia. Al final de esta intensa temporada, los equipos con mejor rendimiento avanzan a los playoffs, una serie de emocionantes rondas de eliminación directa que culminan en la final de la NBA. Esta estructura de la liga garantiza una competencia emocionante y atrae a millones de aficionados al baloncesto en todo el mundo cada año.

La NBA es una liga de baloncesto que genera una cantidad significativa de ingresos a través de diversas fuentes o modelos de negocio. En términos de publicidad, la NBA atrae a numerosas marcas que buscan asociarse con el prestigio y la audiencia global de la liga, lo que se traduce en contratos publicitarios lucrativos que contribuyen de manera sustancial a sus ingresos. Los patrocinios son otra fuente clave de ingresos para la NBA, con acuerdos con empresas tanto a nivel local como internacional que respaldan equipos, eventos y la propia liga, generando importantes sumas de dinero. La mercadería licenciada es un aspecto fundamental de los ingresos de la NBA, ya que la venta de productos oficiales como camisetas, gorras y otros artículos con licencia de la liga y sus equipos es una fuente constante de ganancias. Además, los ingresos por la venta de entradas a los recintos donde se celebran los partidos son significativos, especialmente en eventos destacados como los playoffs y el All-Star Game. Otros ingresos provienen de acuerdos de transmisión televisiva y plataformas digitales, así como de eventos especiales y actividades promocionales que la NBA organiza a lo largo de la temporada. En conjunto, estos diversos canales de ingresos consolidan la posición financiera sólida de la NBA y respaldan su continua expansión y éxito en la industria del deporte a nivel mundial.

Cada temporada regular de la NBA, que se extiende desde mediados de octubre hasta mediados de abril, implica que cada equipo juegue 82 partidos. Por lo tanto, las ciudades que albergan a estos equipos se convierten en el escenario de los juegos durante la temporada. Los partidos se juegan en dos períodos de poco más de 175 días cada uno. Después de la temporada regular, los equipos avanzan a la postemporada o playoffs, que pueden extenderse hasta junio. En términos de valor de mercado, la NBA ha experimentado un crecimiento significativo.

Según Forbes, el valor medio de un equipo de la NBA es actualmente de 3 mil 850 millones de dólares, lo que representa un aumento del 35% con respecto al año anterior y un 75% más que en 2019. Este crecimiento financiero subraya la popularidad y el éxito continuo de la NBA en el escenario deportivo mundial.

La NBA opera según un modelo de franquiciatario en el que los equipos son de propiedad privada y se administra de forma independiente. La liga se compone actualmente de 30 equipos, distribuidos uniformemente en los Estados Unidos y el Canadá. Esta estructura fomenta la lealtad regional y garantiza una amplia base de seguidores, lo que se traduce en un mayor potencial de ingresos. Además, permite la colaboración y el reparto de ingresos entre los equipos, lo que promueve el crecimiento compartido y la competencia cooperativa.

La NBA, como una liga deportiva prominente, opera bajo un modelo de negocio que combina operaciones a nivel de liga y gestión individual de equipos. Sus ingresos anuales se derivan de una variedad de fuentes, incluyendo derechos de transmisión, publicidad, merchandising y concesiones, así como la venta de entradas y acuerdos de televisión. Para abordar los desequilibrios entre los mercados pequeños y grandes, la NBA implementa un sistema de reparto de ingresos, donde los equipos con altos ingresos brutos ayudan a aquellos con ingresos brutos más bajos. Además, el tope salarial de cada temporada se calcula en base a los ingresos de explotación globales previstos por la NBA para ese año y los beneficios previstos. Este modelo de negocio y estructura de ingresos proporciona una plataforma sólida para que los equipos compitan y crezcan, al tiempo que garantiza la equidad financiera entre los equipos. Sin embargo, los ingresos de la NBA pueden verse afectados por factores externos, como los acuerdos de patrocinio con marcas importantes.

A lo largo y ancho del mundo, el basketball  de hoy es uno de los deportes con más popularidad, sólo por detrás del fútbol. Con la gran expansión de su audiencia, los ingresos de la NBA han logrado un desarrollo que no pasan desapercibidos para nadie. De hecho, en la temporada 2013-14 todos los ingresos vinculados con el baloncesto generados gracias a la NBA ascendieron a 4.8 mil millones de dólares. En estos se incluyen los derechos de transmisión, comercialización, publicidad, concesiones, etc. Se estima que un acuerdo televisivo reciente aumente su valor en 24 mil millones dólares, sin embargo esto afecta las operaciones de los equipos, tales como los techos salariales de los jugadores. Esto trae como consecuencia que los equipos promedios de la NBA ahora están valorados alrededor de 1.1 mil millones de dólares, lo que representa el aumento del 74% con respecto al año anterior.

El equipo campeón de las Finales NBA recibe una cantidad significativa de dinero, que varía dependiendo de distintos factores. En el caso específico de la temporada 2023, los Denver Nuggets, como campeones, obtuvieron un total de $4 millones 775 mil 940 como premio por ganar las Finales de la NBA. Este monto se distribuye entre los miembros del equipo campeón a través del Player Playoff Pool, un sistema diseñado para recompensar a las franquicias conforme avanzan en los Playoffs y les permite repartir sus ganancias de manera interna. Es importante destacar que la NBA no otorga premios en metálico directamente por ganar el campeonato, pero los equipos campeones reciben compensaciones financieras significativas a través de este sistema de premios. Los ingresos obtenidos por el equipo campeón son una parte esencial de la recompensa y reconocimiento que reciben por su desempeño excepcional durante la temporada y los playoffs.

La NBA genera empleo, tanto directa como indirectamente, y tiene un efecto multiplicador en la economía. Los juegos de la NBA atraen a turistas, lo que beneficia a la industria hotelera, de restaurantes y de transporte. Además, las transmisiones de los juegos de la NBA atraen a millones de espectadores en todo el mundo, generando ingresos significativos por publicidad. Los derechos de emisión televisiva de una temporada completa de la NBA tienen un costo significativo. Según un acuerdo anterior, la NBA vendió sus derechos de emisión durante nueve temporadas por un valor total de 24 mil millones de dólares, lo que equivale a 2 mil 660 millones de dólares anuales. Sin embargo, se espera que este valor aumente en el futuro. Se especula que en 2024, la NBA desea solicitar el triple (X3) por sus derechos televisivos, lo que podría llevar el costo anual a alrededor de 6 mil millones de dólares. Sin embargo, estos valores pueden variar dependiendo de una serie de factores, incluyendo el interés de las cadenas de televisión y las plataformas de transmisión, así como el crecimiento y la popularidad del baloncesto. Por lo tanto, es importante tener en cuenta que estos son sólo estimaciones y el costo podría variar. El presente acuerdo de derechos de emisión televisiva de la NBA comenzó en la temporada 2015-2016 y se extenderá hasta la temporada 2024-2025. Este acuerdo, que fue firmado con ESPN y TNT, proporciona a la NBA unos ingresos significativos cada año.

Kareem Abdul-Jabbar, una leyenda del equipo de Los Angeles Lakers, estableció la marca de más puntos en la temporada regular de la NBA con 38 mil 387 puntos. Mantuvo este récord desde el año de 1989, hasta el 7 de febrero de 2023, cuando LeBron James superó su marca en un juego regular entre los Lakers y los Oklahoma City Thunder. Ese partido regular de la NBA ha sido el récord histórico de audiencia en televisión en directo se transmitió por la cadena TNT el 09 de febrero del año de 2023. En este juego, LeBron James (sumó 38 nuevas anotaciones) estableció una nueva marca de puntos para la NBA. Pues -esa noche- superó los 38 mil 387 de Kareem Abdul-Jabbar. Durante este evento, la cadena TNT registró su mejor resultado en casi cinco años para un partido de temporada regular de la NBA.

El equipo o franquicia de la NBA que ha logrado más triunfos en la final de temporada es Boston Celtics, con un total de 17 campeonatos de la NBA.

La disminución de las audiencias en la televisión ha sido uno de los desafíos más significativos en estos últimos años. A pesar que la NBA ha mantenido un contrato televisivo con Turner y ESPN desde la temporada 2016-2017, la pérdida gradual de espectadores ha afectado su renovación. Durante la última década, la NBA ha perdido un 45% de su audiencia, lo que representa casi cinco millones y medio de espectadores por partido. La incertidumbre sobre la próxima temporada y el contexto en el que se disputará también influyen en las negociaciones para ampliar el contrato actual. La NBA necesita encontrar opciones para recuperar la confianza del público y mantener su integridad.

El NBA League Pass ofrece la oportunidad única para ver absolutamente todos los partidos de la temporada NBA, en directo y también bajo demanda, con alta calidad de imagen y sonido en cualquiera de las plataformas que se desee y sin anuncios. En plataformas móviles, tendrás funciones especiales, como la opción de ver las estadísticas en simultáneo, gráficos interactivos y la oportunidad de contar con ángulos de cámara exclusivos. Existen diferentes paquetes de suscripción disponibles, incluyendo el paquete básico del NBA League Pass y el League Pass Premium, que permite transmitir los partidos hasta en tres dispositivos al mismo tiempo y sin publicidad. El precio de la suscripción premium es de 140 euros (anual), mientras que la suscripción estándar cuesta alrededor de 100 euros por toda la temporada.

Venta de entradas a los recintos deportivos. Se estima que la media de las entradas que se venden por un partido es de 7 mil 716 boletos. Siendo la media del valor de cada boleto de 211 dólares. También, se estima que se han llegado a vender 1 millón 574 mil 078 entradas por temporada. Los partidos se celebran en 30 recintos deportivos a lo largo y ancho de los Estados Unidos, y en Canadá.

La National Basketball Association (NBA) genera ingresos significativos a través de patrocinios y publicidad. En la temporada 2022-2023, la NBA estableció una nueva marca con ingresos por patrocinio de 1 mil 660 millones de dólares. Este monto representa un incremento del +1.3% con respecto a la temporada anterior. Los patrocinios incluyen acuerdos con diversas marcas y empresas, y la NBA ha experimentado un crecimiento particularmente fuerte en sectores emergentes como la tecnología, las finanzas y las criptomonedas. En cuanto a la publicidad, la NBA también genera ingresos significativos. Aunque los detalles exactos pueden ser difíciles de determinar debido a la variedad de acuerdos publicitarios y la falta de datos públicos específicos, se sabe que la publicidad en las camisetas de los equipos sigue reportando unos 200 millones de dólares por temporada. Estos ingresos son vitales para el funcionamiento de la liga y permiten a la NBA continuar creciendo y expandiéndose. Sin embargo, estos números son estimaciones y pueden variar dependiendo de una serie de factores, incluyendo el interés de los espectadores, el rendimiento de los equipos y las condiciones económicas generales.

De acuerdo a la información disponible se pueden estimar los siguientes montos de ingresos de la NBA durante la temporada 2022-2023:

Ingresos por publicidad y patrocinios: La NBA batió un récord de ingresos por patrocinios en la temporada 2022-2023, llegando a $1 mil 660 millones. Ingresos por mercadería licenciada: No se proporcionan cifras específicas, pero los ingresos por venta de productos oficiales con licencia de la liga y los equipos son una fuente constante y significativa de ganancias para la NBA. Ingresos por entradas a recintos: Tampoco se dan cifras concretas, pero los ingresos por venta de entradas, especialmente para eventos destacados como la postemporada o playoffs y el All-Star Game, son importantes para los ingresos totales de la liga. Otros ingresos: Durante la temporada 2022-23 los ingresos de la NBA aumentaron un +6% respecto a la temporada anterior, hasta una media de $353 millones por equipo y son 30 equipos. Esto incluye acuerdos de transmisión, eventos especiales y otras actividades.

En resumen, si bien no se proporcionan cifras totales consolidadas, la información sugiere que la NBA tuvo una temporada 2022-2023 muy lucrativa, con aumentos significativos en ingresos por patrocinios, mercadería y otros conceptos.

La NBA es una de las ligas que posee un mayor atractivo y desarrollo en lo deportivo y lo económico. Como todo sistema no está cerca de ser perfecto, pero generalmente muestra equidad en su trato con sus equipos, su modelo es muy parecido a las otras grandes ligas que existen en los Estados Unidos.

Qué estés bien,

Pre producción fotográfica

La mayoría de los proyectos fotográficos -casi todos- nos van a demandar tres fases o momentos durante el proceso de su realización. Esto significa que vamos a trabajar por estaciones(3) y cada estación en sí misma posee sus propios objetivos y características. Usualmente, si pensamos en la ingesta diaria de comida, muchos acostumbramos a comer en tres tiempos: Desayuno, comida o almuerzo y la cena. No intentemos comer todo en un sólo tiempo, creo que nos haría daño, no se recomienda hacer un único esfuerzo en lugar de distribuir este responsabilidad en tres momentos la preproducción, la realización de la sesión y el post proceso.

Preproducción + Producción + Posproducción

Vamos a hacerlo bien desde la primera vez. La creación fotográfica nos va a demandar un tiempo previo para planificar, crear la estrategia, visualizar, estimar, inventariar, medir los plazos, listar los recursos que se van a necesitar y organizar entre muchos otros detalles. A este momento se le suele llamar etapa de preproducción. Que consiste en desarrollar el inventario de todas las necesidades que nos va a exigir producir la foto. La preproducción es determinante por varias razones. Ayuda a evitar errores costosos durante la producción, permite una mejor gestión del tiempo y los recursos, y asegura que todos los involucrados en el proyecto tengan una clara comprensión de lo que se espera de ellos. La preproducción es una etapa fundamental para el éxito de una sesión fotográfica. Dedicar tiempo a planificar y organizar todos los elementos necesarios ayudará a asegurar que la sesión sea eficiente y que los resultados finales sean los esperados. La preproducción en fotografía es la etapa previa a la toma de fotografías, donde se planifican y organizan todos los elementos necesarios para la sesión. Es un proceso fundamental para asegurar que la sesión sea exitosa y que los resultados finales sean los esperados. Todos los recursos que entran al listado de necesidades, se van a convertir en costos -y a su vez- todos juntos nos van a permitir estimar el costo económico del proyecto. Esta etapa -del proyecto fotográfico- es esencial para anticipar problemas, optimizar recursos y tiempo. Y así, asegurar que las ideas se traduzcan en la imagen efectiva de alta calidad creativa y técnica. Una vez comprendido el tema que se va a tratar en el proyecto fotográfico a realizar, entonces es preciso tomarse el tiempo para hacer una profunda investigación que permita tener dominio sobre la temática y proporcionar a los observadores información de alta calidad; verídica y objetiva.

Las principales tareas que se llevan a cabo en la preproducción serán definir el objetivo de la sesión. ¿Qué se quiere lograr con las fotografías? ¿Se trata de una sesión de retrato, de producto, de naturaleza, etc.? Identificar al público objetivo. ¿Para quién se van a tomar las fotografías? ¿Qué tipo de imágenes les van a gustar?

Desarrollar un concepto creativo: ¿Qué estilo se va a utilizar en las fotografías? ¿Qué tipo de iluminación, composición y atrezzo se va a utilizar? Seleccionar el equipo necesario. ¿Qué cámara y objetivos se van a utilizar? ¿Se necesitan trípodes, flashes u otros accesorios? Contratar a los modelos o colaboradores. Si se necesitan modelos o colaboradores, es necesario contactarlos y confirmar su disponibilidad.

Buscar y reservar la localización. Si la sesión se va a realizar en una localidad específica, es necesario buscarla y reservar con anticipación. Realizar un presupuesto. Es importante calcular el costo total de la sesión, incluyendo el equipo, los materiales, la "locación" y los honorarios de los colaboradores. Pero, no serán todas las que podrían surgir.

Cómo nos vamos a organizar y a preparar para ser exitosos durante esta etapa del proyecto fotográfico. Empieza temprano. Cuanto antes empieces a planear, más tiempo tendrás para maniobrar y encontrar la locación perfecta, contratar a los modelos y colaboradores, y reunir todo el equipo necesario. Sé creativo. No tengas miedo de experimentar con diferentes estilos e ideas. La preproducción es el momento perfecto para probar cosas nuevas y encontrar el enfoque perfecto para tu sesión. Sé organizado. Mantén una lista de todos los elementos que necesitas para la sesión y asegúrate de tenerlos oportunamente todos a mano el día de la sesión. Sé flexible. No siempre todo saldrá según el plan. Es importante ser flexible y estar dispuesto a hacer cambios cada vez que sea necesario.

Un retrato de época. Las pin up girls como referencia.

Referencias previas. Usualmente el proyecto que tenemos por delante, surgió de un proyecto fotográfico hecho anteriormente y que hoy nos sirve como referencia. Otras veces, serán varias las referencias a las que acudimos para adoptar un estilo, una corriente u otra. Desde la referencia pictórica o pintura, una estatua, un monumento o un edificio, un fotograma de una película, etc. La inspiración puede venir de muchas fuentes, inclusive puede venir del interior; de un layout original o un rough, o de la imagen que generó la inteligencia artificial (generador de imágenes) luego de recibir algunas descripciones o prompts.

Layout de Copán Cola por Designer de Copilot AI.

También puedes apoyarte en los moodboards para comunicar mejor tus ideas puedes utilizar moodboards, se trata de collages de elementos que ayudan a compartir una visión creativa determinada. Esto incluye colores, texturas, luz, composición, tipografías, muestras de pinturas y fotografías, formas y en definitiva cualquier cosa que pueda inspirar una idea. El uso de moodboards es como un puente para transitar desde las ideas iniciales y los diseños finales. Puedes encontrar ayuda en herramientas en línea como Flim.ai, un motor de búsqueda de fotogramas de películas con algo más más de 250 mil imágenes. Existen 4 valiosos aportes del moodboard a tu proyecto de fotografía: 

Inspiración visual, reúne imágenes, colores, texturas y elementos visuales que transmiten la estética deseada. Sirve como fuente de inspiración para el equipo creativo. Comunicación visual, al compartir con el equipo (modelos, maquilladores, estilistas, etc.), todos entienden la visión global del proyecto. Facilita la comunicación y alinea las expectativas. Coherencia, el moodboard ayuda a mantener una coherencia visual en todas las tomas. Define la paleta de colores, el estilo de iluminación y la composición. Toma de decisiones al ver las imágenes juntas, se pueden tomar decisiones sobre atrezzo, vestuario, ubicaciones y más. Es una guía para producir imágenes impactantes.

Como es el caso de todo plan, se debe contar con un objetivo del plan. No se debe confundir este punto con el objetivo ópticos o las lentes de la cámara. El objetivo de este proyecto es crear una serie de fotografías que capturen la esencia de (descripción del tema). Las fotografías se utilizarán para [descripción del uso final]. Define a qué auditorio o segmento de la población está dirigido este proyecto. El público objetivo de estas fotografías son (descripción del público objetivo por su demografía). El tipo de mensaje a comunicar, su tono, el modo se suelen definir también como el concepto creativo. El estilo de las fotografías será (descripción del estilo).

Se utilizará una iluminación (diseño de planta y descripción del ambiente de la iluminación) y una composición visual (descripción de la composición). Se podrán utilizar props o atrezzo como (descripción del atrezzo). Listado de los equipos técnicos, la óptica (objetivos), cuerpo de cámara y formato, sincronizadores, trípode, cabeza y zapata, etc. Listado de luminarias (luz continua, flashes, accesorios, trípodes, pantógrafos, grúa, cables, esclavas inalámbricas, etc.) El fondo que será el entorno circundante a la escena; consideremos la textura, el tipo material, el acabado tanto como su brillo o su opacidad, colores y tonos, etc. La selección del talento, también conocida como casting call, es un proceso delicado y decisivo para lograr un alto nivel de verosimilitud. Preparar el contrato de cesión de derechos de la imagen. Definir de la manera exacta el vestuario, la época, la edad del personaje que deseamos construir. En la fotografía profesional, el vestuario no es solo una elección estética, sino una narrativa visual poderosa.

Vestuario de época

Cada prenda comunica aspectos del personaje o tema, desde su estatus social hasta su estado emocional. Un vestuario cuidadosamente seleccionado puede realzar la autenticidad de una escena, evocar una época específica o reforzar un mensaje subyacente. Es una herramienta esencial para el fotógrafo, que trabaja en conjunto con la iluminación y la composición para crear una imagen cohesiva y expresiva. Por tanto, el vestuario es fundamental para capturar la esencia de la visión creativa y transmitir una historia convincente a través del registro de la lente.
La selección de la localización, trata acerca encontrar el escenario idóneo para crear el ambiente más propicio para fotografía. Vamos a mencionar tres opciones que nos ayudarán durante la etapa de scoutting. Las localizaciones en interior, bajo techo. Una oficina, un taller, una nave de producción, la cocina de una cabaña, etc. También, están las localizaciones en exteriores; estas representan en más alto factor de riesgo pues están sujetas al clima o cambios bruscos del tiempo. La opción que nos permite tener un mayor control del entorno y de los cambios en el tiempo y el clima son los platós o estudios de fotografía.

El maquillaje y el peinado son esenciales en cualquier proyecto fotográfico. Estos elementos son cruciales para definir el estilo y la atmósfera de las imágenes. Un buen diseño de maquillaje puede resaltar las características del sujeto, ocultar imperfecciones y expresar emociones, mientras que un peinado adecuado complementa y completa la estética deseada. Juntos, maquillaje y peinado pueden transformar completamente a una persona, ayudando a contar una historia visual y aportando un nivel de detalle y profesionalismo que eleva la calidad final del trabajo fotográfico. Son, sin duda, herramientas poderosas en la narrativa visual. Los props y el atrezzo son vitales para construir el mundo visual de una fotografía. Estos elementos añaden profundidad y contexto, permitiendo que el observador se sumerja en la historia que se cuenta. Los props pueden ser tan sutiles como un reloj de época o tan dominantes como un coche clásico, pero siempre deben servir al propósito de la narrativa. El atrezzo adecuado puede evocar emociones, establecer el tono y transformar un espacio ordinario en una escena rica y detallada. Son, en esencia, los toques finales que hacen que una imagen cobre vida y resuene con el público. La logística de transporte, hospedaje, o la alimentación no siempre aplican pero, siempre será importante tenerlos presentes. Esto puede incluir la coordinación de horarios y la preparación de contingencias para problemas imprevistos. Si se planea hacer la sesión de fotos en ubicaciones específicas, es probable que se puedan requerir permisos y autorizaciones. Además, se deben revisar todos los aspectos legales y de seguridad.

Define claramente todo aquello que no es posible ser logrado exitosamente durante la etapa de realización y déjalo documentado para que se desarrolle durante el tiempo de post proceso. La estimación de costos y presupuestos es fundamental. Este proceso garantiza la viabilidad financiera del proyecto, permitiendo una asignación adecuada de recursos para cada aspecto, desde el equipo hasta el crew de colaboradores. Un presupuesto bien planificado previene gastos excesivos y asegura que se puedan cubrir todas las necesidades creativas y técnicas sin comprometer la calidad. Además, proporciona un marco claro para negociar con clientes y proveedores, manteniendo expectativas realistas y transparencia en el proceso creativo. En resumen, un presupuesto detallado es la columna vertebral que sostiene la integridad y la ejecución exitosa de un proyecto fotográfico.

Valorar correctamente la importancia de planificar y documentar correctamente todo es motivo de ahorros y potencia la utilidad financiera de cada proyecto, además nos va a ahorrar muchos dolores de cabeza. Te recomiendo leer sobre la preproducción de spots televisivos.

Establecer un plan claro desde el inicio asegura que todos los elementos del proyecto -desde la iluminación hasta la postproducción- estén alineados con la visión creativa. Permite anticipar desafíos, gestionar el tiempo eficientemente y coordinar al equipo con precisión. Un plan de trabajo detallado es una hoja de ruta que guía el proceso creativo, asegurando que cada paso se ejecute con intención y coherencia, lo que es vital para alcanzar un resultado final que refleje la calidad y el mensaje deseado.

Que estés bien,

Pintar con luz: Una danza de colores y movimiento

¿Quieres darle un toque especial

e impactante a tus fotos?

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Pintar con luz. Es una técnica creativa en la fotografía de retratos que va más allá de la captura tradicional de una imagen. Es un proceso que transforma el retrato en una obra de expresión vibrante, utilizando la luz como herramienta principal. El aceite mineral sobre la piel crea un brillo sutil que refleja la luz de colores de forma atractiva, intensificando la textura, volúmenes y la profundidad de la piel. Las luces de colores, a su vez, bañan al modelo en un aura vibrante que despierta emociones y crea una atmósfera increíblemente única. La simulación del movimiento, a través de las poses o de la técnica de barrido de luces, aporta dinamismo y energía a la imagen, capturando la esencia del instante y creando una experiencia visual cautivadora. La combinación de estos elementos produce una sinergia que impacta en el observador, generando una sensación de armonía, belleza y fascinación. Es una danza entre la luz, el color y el movimiento que transforma la fotografía en una obra de arte sensorial.

La fotografía de retratos va más allá de únicamente capturar una imagen, es una danza entre la luz, el color, la sombra y la emoción. La técnica de "pintar con luz" eleva este arte a un nuevo nivel, transformando el retrato en una expresión vibrante.

El lienzo negro: Un fondo oscuro, como un telón de terciopelo, abre paso a la magia. Es la base sobre la que la luz de colores teje sus historias.

Cuando la luz atraviesa una gel de color o algún vidrio de color, ocurren fenómenos interesantes relacionados con la interacción de la luz con la materia. La luz blanca, una mezcla de haces de diferentes longitudes de onda, se descompone en sus colores componentes al atravesar un prisma de vidrio. Cada color tiene una longitud de onda diferente, lo que provoca su separación en un espectro similar al arco iris. Además, cuando la luz pasa por un vidrio de color o una gel de color estos pueden absorber ciertas longitudes de onda, lo que da como resultado la coloración observada. Así, el vidrio actúa como un filtro que modifica la luz blanca original en función de sus propiedades físicas y composición.

Durante una sesión de fotografía de retrato con luces de colores, la piel de un modelo puede reflejar los tonos de luz de colores utilizados. Por ejemplo, si se ilumina con una luz azul, la piel podría adquirir un matiz azulado. Además, al pintar con luz, se pueden crear efectos artísticos sobre la piel, como suavizar o resaltar áreas específicas que la sola luz blanca no deja observar. El fotógrafo debe ser consciente de estos efectos y ajustar la iluminación para lograr el resultado deseado en su retrato.

Pinceles luminosos. Los geles para flashes de estudio son filtros de colores que permiten controlar y modificar la luz del flash. Su importancia radica en la capacidad de corregir la temperatura de color, agregar color a la escena y crear efectos especiales. Son herramientas versátiles, económicas y que potencian la creatividad. Los geles ofrecen una amplia gama de colores y densidades, permitiendo un control preciso sobre la luz. Son compatibles con la mayoría de los flashes de estudio y pueden usarse tanto en estudio como en exteriores. Los geles para flashes de estudio, fabricados principalmente de policarbonato (resistente al calor, ligero, flexible y con buena transmisión de luz) o acetato (más económico, menos resistente al calor y flexible), son herramientas que permiten controlar y modificar la luz del flash. Sus características técnicas incluyen la densidad (que afecta la cantidad de luz transmitida), el color (disponible en una amplia gama), la transmitancia (porcentaje de luz que atraviesa el gel) y la reflectancia (porcentaje de luz reflejada). Otros materiales utilizados en la fabricación de geles son poliéster, nylon y gelatina. La elección del material dependerá de las necesidades del fotógrafo. El policarbonato es la mejor opción para la mayoría, ya que ofrece un equilibrio entre resistencia, flexibilidad, transmisión de luz y precio.

Los geles para flashes de estudio son una herramienta valiosa para mejorar la calidad de las fotos y explorar la creatividad del fotógrafo. Las geles de colores convierten a los flashes en artistas, impregnando la piel del modelo en un arcoíris de emociones. Rojo pasión, azul melancolía, naranja intenso cada tono es una pincelada de emociones. La piel ahora es un lienzo. Un toque de aceite mineral realza la textura de la piel, convirtiéndola en un espejo que refleja la luz y la amplifica. Un brillo que intensifica la expresividad del retrato. La danza del cuerpo, las poses ya no son estáticas, son un baile de movimiento y pasión. El cuerpo se convierte en una herramienta narrativa, contando historias a través de la tensión muscular, la fluidez de las líneas inclinadas, diagonales y oblicuas y la energía del gesto.

Pliegos de papel celofán

Es posible adoptar un substituto de menor costo que los geles de colores. Hablamos del papel celofán, hecho de viscosa (derivada de la celulosa), es un material transparente, flexible, permeable y biodegradable. Se fabrica disolviendo celulosa, solidificando la solución, se le da forma de masa y se vacía hasta que toma la forma de una hoja fina y -finalmente- se la deja secar. Su tolerancia al calor es baja (se ablanda a más de 60°C), por lo que no se recomienda su uso a altas temperaturas. Nota: No deberá tocar las fuentes de luz (flash o luz modeladora) de manera directa.

Pintar con luz utilizando papel celofán sobre los softbox. 
(Modelo: Ale Cornavaca)

Las luces destellantes del flash congelan el movimiento en un instante de energía electrizante, creando una estética dinámica. Los filtros de color añaden un toque de surrealismo o nostalgia a la imagen, jugando con la percepción del color. Pintando con luz, el fotógrafo se convierte en un director de orquesta, coreografiando la luz, el color y el movimiento para crear retratos que no sólo capturan la realidad, sino que la reinterpretan, la transforman en una explosión de emociones y creatividad. En este baile de luces y sombras, la imaginación es el límite. Experimenta, juega, explora. Convierte tu cámara en un pincel y pinta con luz retratos que hablen al corazón.

El círculo cromático o rueda de colores es un instrumento gráfico representado en una ruleta, en el cual se organiza y se segmenta colores en base a su tono o matiz. En resumen, si te preguntan qué es el círculo cromático puedes responder que es una herramienta que nos ayuda a visualizar las combinaciones de los colores. Para responder a la pregunta sobre cómo es que se dividen los colores del círculo cromático. Resolveremos el misterio ahora. Colores primarios: son los colores principales del círculo cromático. Cuáles son depende del tipo de círculo; sobre este punto. Colores secundarios: estos colores son producto de la mezcla de dos que son primarios. Por ejemplo: naranja. Colores terciarios: son producto de la mezcla entre un color primario y uno secundario. Así, por ejemplo, al mezclar amarillo y verde se obtiene una tonalidad de verde en particular, que es el verde amarillo. Habrá que tener en cuenta que no todos los colores son primarios o secundarios sin importar el tipo de círculo que se trate.

En cambio, existen tres círculos cromáticos a tener en cuenta (RYB, CMYK, RGB) que te contaré a continuación. Así, mientras que el rojo es un color primario en RYB, es uno secundario en el modelo sustractivo (CMYK). Un círculo cromático clásico también se lo conoce como RYB por sus siglas en inglés Red, Yellow and Blue. Porque está compuesto por los colores básico: rojo, amarillo y azul; y por los colores secundarios: naranja, verde y morado. Hay casos en que un círculo cromático de modelo tradicional puede combinar los colores básicos y secundarios de la siguiente manera; amarillo anaranjado, rojo anaranjado, rojo violeta, azul violeta, azul verdoso o amarillo verdoso, como lo vemos en el gráfico de abajo:

Círculo (rueda) cromático clásico

Cómo lograr combinaciones y mezclas de colores impactantes para "pintar con luz":

1. Creando armonías contrastantes a partir de los colores complementarios indirectos que se encuentran opuestos en el círculo cromático, creando un contraste vibrante y llamativo. Lo vemos al reunir el rojo y el verde, azul y naranja, amarillo y morado. Es una de las combinaciones de colores de círculo cromático más compleja porque se mezcla un color base con dos adyacentes de su opuesto. Por ejemplo, el color naranja, azul y verde son opuestos, pero quedan muy bien cuando llegan a juntarse. Los colores análogos se encuentran adyacentes en el círculo cromático, creando una armonía suave y elegante. Como asociar el rojo, naranja y amarillo; azul, verde y celeste. Las gráficas o imágenes con colores análogos son una salida muy fácil y rápida de emplear en caso no tengas tiempo o necesites entregar tu pendiente en el menor tiempo posible. Solo necesitas encontrar un color adecuado y combinarlas con sus variables adyacentes. Es decir, si eliges rojo, puedes usar rojo, anaranjado y naranja, o rojo violeta y violeta. También te vendrá bien reunir tríadas que combinan tres colores equidistantes en el círculo cromático, creando un equilibrio dinámico y vibrante. Por ejemplo al reunir: rojo, azul y amarillo; verde, naranja y morado. Las combinaciones en tríadas se forman trazando un triángulo imaginario dentro un círculo cromático y que apuntan a tres colores equidistantes. Por ejemplo, azul-violeta, rojo-anaranjado y amarillo verdoso. Estas combinaciones expresan una sensación de balance y también transmiten fuerza por sus contrastes.

2. Incluye efectos psicológicos a través de los colores cálidos que transmiten energía, pasión, alegría y dinamismo, para esto trabaja con rojo, naranja, amarillo. También podrás incluir los colores fríos que transmiten calma, paz, serenidad y melancolía; azul, verde, violeta. Los colores neutros como aplicar el negro, blanco y gris, estos suelen aportar equilibrio, contraste y sofisticación a la composición.

3. Consideraciones adicionalmente el tono, la intensidad del color puede afectar el impacto visual. Los tonos más claros aportan ligereza, mientras que aquellos tonos más oscuros intensifican la profundidad. La saturación determina la viveza del color. Colores más saturados son más vibrantes y llamativos, mientras que colores menos saturados son más sutiles y elegantes. La temperatura del color (cálida o fría) puede influir en la atmósfera de la imagen.

Pintar con luz (blanca) sin agregar colores.

Consideremos -también- que aunque no es inherentemente necesario utilizar dos o tres luces con colores específicos al aplicar la técnica de "pintar con luz" en retratos, este enfoque permite explorar nuevos horizontes creativos y enfatizar aspectos visuales como el movimiento. En este contexto, aquí se describirán algunas maneras de incorporar luces con colores para destacar el movimiento en tu trabajo fotográfico. Aprovecha los colores complementarios y utiliza dos luces con colores opuestos (como azul y amarillo) para crear contrastes vibrantes entre las áreas iluminadas y las sombreadas. Esto puede ayudar a dar la percepción de movimiento cuando los colores cambian dinámicamente debido a la acción del modelo.

Círculo cromático RGB

Emplea las luces aditivas de color cálido (por ejemplo, amarillo, rojo y naranja) junto con otra luz fría (azul o violeta). Al combinar estas luces, podrás generar tonalidades neutras que permiten registrar mejor el movimiento sin distraer demasiado con colores saturados. Considera incluir luz de fondo con un color que contraste con el vestuario o el entorno del modelo. Por ejemplo, si tu modelo está vistiendo ropa de color verde, podrías utilizar una luz azul para hacer que el fondo parezca más oscuro y definido, lo cual también ayuda a enfatizar el movimiento del modelo contra ese fondo. La manera más eficiente de agregar color a la luz será utilizando filtros de color (gel de color) sobre las luces existentes para modificar sus colores. Esto te permite personalizar cada fuente de luz según tus preferencias y necesidades creativas. Una vez que has elegido y configurado las luces con colores deseados, sigue estos pasos básicos para enfatizar el movimiento, coloca las luces en posiciones que permitan iluminar selectivamente diferentes partes del modelo.

Moviliza las luces de forma coordinada con el movimiento del modelo para que las áreas iluminadas coincidan con los momentos claves de la actuación. Por lo general, la fórmula mágica para una buena foto será fundamentarse en los colores de un círculo cromático es que un color sea dominante y el resto sean complementarios al color principal.

Experimenta con diferentes velocidades de obturación (si utilizas flashes clásicos  no superes 1/200) para controlar la cantidad de movimiento registrado por la cámara. Es importante recordar que aunque la técnica de "pintar con luz" puede ser empleada con colores, no es necesario que todos los elementos de la imagen estén iluminados con colores. Lo fundamental es encontrar equilibrios visuales interesantes y coherentes que transmitan la intencionalidad artística detrás de cada obra.

Te comparto contigo un par de tutoriales, espero te sean útiles: Tutorial 1, Tutorial 2.

Si tienes un fondo neutro oscuro te vendrá bien vestir colores pastel o blanco para lograr un contraste más alto. No olvides agregar aceite mineral para bebé sobre la piel visible del modelo para aumentar la reflexión de los colores y favorecer los volúmenes. Comenta y comparte con nuestra comunidad ¿Qué has descubierto hoy al finalizar esta lectura? ¿Ya tienes ganas de producir tu primer retrato pintado con luz? ¿Con qué colores deseas iniciar?

Qué estés bien,