Cinemagraph. Sin embargo, se mueven.

"Es algo más que una fotografía, y menos que una película". Se trata de unas imágenes fijas que logran mostrar movimiento repetitivo en algunas de sus partes. Resulta ser en parte una fotografía fija y en otra es vídeo. Un cinemagraph es una imagen predominantemente estática en la que un movimiento menor, aislado y repetitivo ocurre en bucle infinito. La clave está en la sutileza y la integración del movimiento dentro de la quietud. Se caracteriza por tener una parte animada, generalmente un elemento en movimiento, sobre un fondo estático. Su objetivo es sorprender al observador; quien en un primer momento cree que se está exponiendo a una imagen fija y nada más, pero resulta sorprendido por el sutil movimiento de una porción de esta dando la impresión de tomar vida, dicho movimiento no se detiene y este vuelve a iniciar infinitamente. Parte de su atractivo estetico obedece a varios factores:

Sutileza vs. Impacto: ¿Cuándo elegir un movimiento casi imperceptible y cuándo uno más evidente? Depende del propósito y el mensaje.

El Ritmo del Bucle: La velocidad y duración del movimiento afectan enormemente el mood. Un bucle lento puede ser relajante, uno rápido puede ser enérgico o ansioso.

Contar una Historia Mínima: ¿Qué emoción o idea transmite el movimiento elegido en el contexto de la quietud?

Evitar el "Uncanny Valley": Un mal bucle o un enmascaramiento torpe pueden resultar extraños o artificiales. La naturalidad es nuestro el objetivo.

Su aplicación inicial fue adoptada para usos en el fashion, publicidad (Nike, Coca-Cola y Ford) y en el diseño en general. Usualmente, se utiliza un archivo .gif y de allí que algunos solo les conozcan con ese nombre "guif".

Los Graphics Interchange Format (GIF) -formato de intercambio de gráficos- son un tipo de archivo de imágenes ampliamente utilizado en internet, tanto para imágenes fijas como para animaciones. Se trata de un formato que surgió en el año de 1987 por la empresa CompuServe. Este rápidamente se volvió muy popular gracias al algoritmo de compresión de imagen LZW. Se trata de un formato de imagen RGB sin pérdida de calidad o resolución que posee un máximo de 256 colores y 8 bits de profundidad de color. Hoy hablamos de hacer GIFs más artísticos.

Iniciaré explicando que su nombre es una palabra compuesta por una mezcla, un producto híbrido entre cinematografía y fotografía. Realizar una cinemagrafía -cinemagraph- se trata de un proyecto bien planificado, aunque muchos parezcan un producto de la espontaneidad, así qué piensa muy bien lo que vas a mostrar. Visualiza con claridad, narra una historia corta, y selecciona el movimiento. Es una técnica que nos permite encapsular una microhistoria para generar una narrativa en movimiento en un recuadro estático o fijo, y cuyo producto puede ser hipnótico. El producto puede ser utilizado como herramienta de expresión individual o también para la publicidad que pautamos a diario en internet.

Algunas diferencias con la fotografía son:

Vs. Fotografía: Introduce el elemento tiempo y movimiento, rompiendo el instante congelado.

Vs. Video: Se enfoca en la quietud, usando el movimiento como un acento hipnótico, no como el flujo principal de la narrativa. Mucho más contemplativo.

Vs. GIF Animado: La diferencia fundamental reside en la intención artística, la calidad de producción (resolución, color, detalle) y la fluidez del bucle. Un buen cinemagraph busca la invisibilidad de la repetición.

Kevin Burg y Jamie Beck de Ann Street, creadores del cinemagraph (2011).

El primer Cinemagraph fue "The Kiss", que fue publicado en el blog de su autor, From Me To You. Para dos de sus mayores exponentes; la fotógrafa Jamie Beck y el artista gráfico Kevin Burg, con los Cinemagraph "se intenta mantener el enfoque artístico y estilo visual de una fotografía capturando el momento pero contando un poco más de esa historia con los beneficios de la era digital." Los primeros experimentos sucedieron por allá del año 2009. Para el otoño del año 2011 ya habían completado el desarrollo de su primer Cinemagraph mismo que fue presentado durante la Semana de la Moda en NY.

Jamie Beck es una fotógrafa estadounidense que nació en 1983 en Nueva York. Se graduó en la Parsons School of Design en 2005. Beck comenzó su carrera como fotógrafa de moda y retratos. En 2008, conoció al fotógrafo Kevin Burg, y los dos comenzaron a trabajar juntos en proyectos creativos. En 2009, Beck y Burg crearon el formato de fotografía Cinemagraph, que es una combinación de fotografía y GIF animado. El primer Cinemagraph de Beck y Burg fue "The Kiss". Los Cinemagraphs de Beck y Burg se hicieron rápidamente populares y fueron publicados en medios de comunicación de todo el mundo. En 2011, los dos fotógrafos lanzaron su sitio web, Cinemagraphs.com. Beck y Burg han creado Cinemagraphs para una variedad de marcas y empresas, incluidas Nike, Coca-Cola, Ford y Adobe. También han publicado varios libros sobre Cinemagraphs, incluyendo "Cinemagraphs: A Creative Guide to Capturing Motion and Emotion" (2013) y "Cinemagraphs: The Art of Motion" (2016). En 2017, Beck y Burg se mudaron a Francia, donde viven y trabajan actualmente. Kevin Burg es un diseñador visual y artista estadounidense que nació en 1982 en Nueva York. Se graduó en la Parsons School of Design en 2005. Burg comenzó su carrera como diseñador gráfico y director de arte. En 2008, conoció a la fotógrafa Jamie Beck, y los dos comenzaron a trabajar juntos en proyectos creativos.

El trabajo de Ann Street Studio en 2009 fue un punto de inflexión en la historia de la fotografía. Los Cinemagraphs de Beck y Burg revolucionaron la forma en que se ve la fotografía, y su trabajo ha sido imitado por fotógrafos de todo el mundo. Los creadores del Cinemagraph -Ann Street Studio- cuentan que su proceso inicia en capturar algunos clips de vídeo con una cámara de vídeo RED Dragon, que es capaz de grabar a 120 cuadros -lo común es grabar 24 o 30 cuadros- por segundo en muy alta resolución. Posteriormente, en la etapa de postproducción, se seleccionan las partes inmóviles y las que tendrán movimiento, para esto trabajan el vídeo desde el software Adobe After Effects. Pero la verdadera magia está en saber ajustar el principio y el fin de cada cinemagraph, para así dar un aspecto de movimiento fluido y constante que no se vea que es un loop con cortes. ¿Por qué funcionan tan bien?

Gracias al Poder de la Quietud: La mayor parte de la imagen está congelada, dirigiendo la atención del espectador de forma ineludible hacia el elemento en movimiento. Es un juego de contrastes visuales.

El Bucle Perfecto: La Ilusión del Infinito: La técnica fundamental. El movimiento debe empezar y terminar de forma tan similar que la transición sea imperceptible. Esto crea un efecto hipnótico, casi meditativo. No es solo técnico, es artístico.

Las Micro-Narrativas: Un cinemagraph puede contar una pequeña historia, evocar una sensación, capturar una atmósfera de una manera que ni la foto ni el video pueden lograr por sí solos (ej. el vapor de una taza de café, el viento en el cabello, el reflejo en el agua).

Busca un smartphone con una buena cámara de vídeo o tu cámara DSLR, si fuera posible asegura que el archivo de cámara sea vídeo HD progresivo, si además posees un trípode o si controlas muy bien tu respiración el resultado será idóneo. Lo mejor será editar desde una computadora, o bien si todavía guardas tu Nokia utiliza la App Lumia Cinemagraph que allí se dispone. Desde tu computadora utiliza una versión reciente de Adobe Photoshop (superior a CS3).

Durante la producción de este clip de vídeo deberás lograr que el escenario y los modelos queden inmóviles durante se graba un pequeño trozo de vídeo. Logra varias tomas para asegurar el resultado deseado, no será suficiente una sola prueba de cámara.

Utiliza el foco selectivo, que es la manera de lograr fondos desenfocados a través del diafragma de la cámara y agrega una óptica de telefoto corto para un efecto bokeh.

Lo primero, vamos a abrir el archivo de vídeo desde Adobe Photoshop, en un primer Layer. Abre la opción Animation. En la ventana de los layers selecciona el layer actual y duplica ésta (Control+J). Esta copia -segunda layer- deberá convertirse a mapa de bits (Rasterisar: Es el proceso de convertir un objeto gráfico vectorial en una imagen rasterizada o mapa de bits. Esto se hace dividiendo la imagen vectorial en una cuadrícula de píxeles, cada uno de los cuales se asigna a un color u otro valor) con el botón derecho del mouse y al ser un bitmap no podrá modificarse ni editarse más, funcionando perfectamente como nuestro fondo inmóvil o imagen fija. Si deseas otro fondo selecciona otro frame, solo avanza el vídeo al frame que deseas dejar fijo en el fondo y lo conviertes a bitmap.

Ahora vamos a crear una máscara sobre nuestra imagen de fondo -la imagen en bitmaps- utilizando el tercer icono desde la parte inferior de la ventana de Layers. Vamos a seleccionar la opción pincel y el color negro para pintar aquella parte del vídeo que sí va a moverse. Para visualizar el vídeo en movimiento presionar la barra espaciadora y ver el resultado.

Si para este punto el inicio y el cierre del vídeo es el correcto, quedará hacerlo loop y hemos finalizado. Pero de no ser así queda un poco de trabajo todavía. 

Lo segundo, seleccionamos el layer del vídeo, y desde el menú de Animation -derecha- le daremos clic a la opción "flatten frames into layers" (convertir cuadros a capas) con ésto se va a generar un layer por cada frame. Si así lo deseas aquí podrás borrar los frames que no te interesan y dejar los frames que finalmente sí serán incluidos. Ahora vas a eliminar los dos layers iniciales; el que habías pintado con el pincel negro y el vídeo inicial. Vamos a darle clic a "Convert to frame animation", seleccionamos los layers, regresamos al menú Animation y seleccionamos la opción Make frames from layers.

Seguimos, hay que ocultar cada uno de los layers haciendo clic sobre el icono del ojo a su lado izquierdo, seguido haremos clic en el icono de crear nuevo frame.

Crear un nuevo frame.

Ahora queda el paso más complejo y delicado de todo que este largo proceso, lo vamos a guardar en la opción "Guardar para la web" y a compartirlo por tus redes sociales. Para repasar todo lo que hemos platicado en breves palabras te comparto un tutorial en vídeo corto y preciso.

Las claves para esquivar los tropiezos más habituales en este fascinante arte del cinemagraph. Piensa en esto como una regla inviolable: la estabilidad es sagrada, usen trípodes robustos y -hasta- disparadores remotos, desactivando cualquier estabilización interna de la cámara. Para lograr ese bucle hipnótico e invisible, graben secuencias amplias, busquen puntos de unión perfectos fotograma a fotograma y elijan movimientos naturalmente fluidos; los fundidos (disolvencias) son un último recurso, no son la norma. El enmascaramiento exige precisión quirúrgica: trabajen con zoom, usen bordes suaves con moderación y asegúrense de que su capa estática sea impecable. Controla la luz de forma férrea, siempre en manual para evitar parpadeos indeseados. Sean astutos al elegir el sujeto; movimientos simples y aislables son sus mejores aliados al empezar. Y finalmente, dominen la exportación: optimicen los GIFs con inteligencia sacrificando lo mínimo posible. Recuerden, la anticipación y la meticulosidad son el sello de un verdadero profesional, permitiendo que su creatividad brille sin las distracciones de errores técnicos evitables.

Herramientas de AI para desarrollar cinemagraph. Actualmente, existen servicios en línea que, a partir de una fotografía fija, generan automáticamente una imagen animada en la que solo una parte se mueve mientras el resto permanece estático, reproduciendo la lógica básica del cinemagraph. Para una primera experiencia en clase, son especialmente útiles opciones como PhotoStyleLab y NightCafe, que ofrecen planes gratuitos suficientes para prácticas introductorias para profesionales que nunca han trabajado con este formato visual.creator.

En el caso de PhotoStyleLab – Convert Photo to Cinemagraph Style (Free Online & AI‑Powered), el proceso es muy sencillo y no requiere registro. El novato prepara primero una fotografía propia, preferiblemente con pocos elementos y una composición sencilla para que el efecto sea más evidente. Luego accede desde el navegador al sitio de PhotoStyleLab, sube la imagen y selecciona el estilo o efecto relacionado con “cinemagraph” o “dynamic photo” que ofrece la plataforma. La IA analiza la foto, decide qué parte animar y genera una pequeña animación en bucle que el alumno puede previsualizar y descargar como vídeo o GIF, viendo claramente cómo una zona queda en movimiento y el fondo se mantiene casi estático.

Por su parte, NightCafe dispone de un AI Cinemagraph Loop Animation Generator que también permite crear animaciones en bucle a partir de imágenes, con un sistema de créditos diarios gratuitos adecuado para prácticas cortas. El flujo de trabajo comienza creando o usando una cuenta gratuita y entrando en la herramienta específica de loop o “living photo”. El estudiante puede subir una fotografía o incluso generar primero una imagen con IA y luego convertirla en animación. A continuación, configura parámetros básicos como la duración del bucle y el tipo o intensidad del movimiento, siempre con la idea de que la mayor parte de la escena permanezca quieta mientras un área limitada se mueve. Una vez generada la animación, solo queda descargar el resultado y comentarlo en clase.

Existen además herramientas especializadas en retrato, como Imagation – Free Cinemagraph Portrait Effect, que permiten aplicar un efecto de cinemagraph sobre fotografías de personas. En este caso el procedimiento es similar: se sube un retrato, se aplica el efecto de cinemagraph y se descarga la animación resultante, donde se mueven únicamente ciertas partes del rostro o del fondo. Este tipo de ejercicios es especialmente útil para estudiantes interesados en redes sociales, fotografía de personas o branding personal, porque visualizan cómo una simple foto de perfil puede transformarse en una “foto viva” mediante IA.

La IA actúa como una puerta de entrada accesible al concepto, que nos facilita experimentar rápidamente con la idea de “imagen casi fija con un detalle en movimiento”. Una vez comprendida esta lógica básica a través de PhotoStyleLab, NightCafe o Imagination, el curso puede avanzar hacia procesos más manuales y controlados, de modo que el cinemagraph deje de ser solo una definición teórica y se convierta en un experimento visual concreto realizado por los propios estudiantes.

Algunos de sus usos profesionales más frecuentes para Cinemagraphs son:

La publicidad y marketing: Productos (vapor en comida/bebida, reflejos en joyas, movimiento sutil en ropa), branding atmosférico. Alto poder de engagement en digital.

Las redes sociales: Capturan la atención inmediatamente en feeds saturados.

El diseño web: Hero images, banners, elementos visuales que añaden dinamismo sin el peso de un video completo.

Fotografía Editorial y de Moda: Añadir un elemento de vida y sofisticación a los reportajes.

Fotografía de Viajes y Paisajes: Capturar la atmósfera (olas, nubes, cascadas).

Proyectos de Arte Fino: Explorar el concepto del tiempo y el movimiento.

No dejes de compartirnos tus logros, estaremos atentos a tus comentarios, cuéntanos qué te pareció y si te ha resultado útil.

Que estés bien,

El autor de este post es publicitario, creativo y productor audiovisual y ha incursionado exitosamente como docente universitario para el Instituto de Mercadotecnia y Publicidad de México, así como en la UNITEC en Honduras desde hace más de veinte años. Es asesor publicitario independiente, redactor de artículos sobre publicidad, conferencista y blogger. Síguenos en facebook

Productos, fotografía publicitaria.

¿Recuerda Ud. aquellos años...? Cuando había en casa o en nuestra oficina varios de esos gordos catálogos de papel impresos a todo color que bien parecían directorios telefónicos. Estos estaban llenos de miles y miles de fotografías, junto a códigos alfanuméricos que servían para pedir vía correo tradicional o fax productos descritos en éstos. Imagina cuánto trabajo hay detrás de una sola fotografía, y todo el trabajo que demanda todo el proyecto de un catálogo anual o de una temporada.

Estudio de fotografía para productos

Los catálogos para venta de productos y servicios aparecieron desde el año 1744 en los EUA, se le atribuye a Benjamín Franklin la creación del primero donde vendía libros (algo similar a Amazon). En 1881, surgió el catálogo de herramientas de Hammacher Schelemmer, en 1872 aparece el primer catálogo de tienda, lo hizo Montgomery Ward, el famoso catálogo de Sears, Roebuck & company apareció casi diez años después, en 1893.

Antes del internet y del comercio electrónico, así se construía un catálogo impreso. En nuestra región existan publicaciones -suplementos, insertos- en las páginas interiores de los periódicos con ofertas especiales de los supermercados o insertos de almacenes y demás; todos éstos descansan en la fotografía de producto.

La fotografía de productos -product shot- ha venido a sustituir en algunos casos a las ilustraciones en este tipo de productos virtuales en dos dimensiones, que no solo incluyen imágenes fieles sino también en algunos casos información técnica según sea el caso. Cuanto mayor certeza sienta el consumidor sobre su capacidad de reconocer fielmente el producto que observó virtualmente en un catálogo de papel o pantalla, comparado con aquel que se encuentra en el mueble de exhibición del punto de venta, más confiado se sentirá de llevarlo a casa. La fotografía de producto posee un rol un muy importante en el mundo de la publicidad y el comercio, entiéndase publicidad como la forma de dar a conocer un producto y generar en el espectador las ganas de poseerlo y adquirirlo. La fotografía de producto es parte de la fotografía comercial, trata de la representación visual -con una cámara fotográfica- de un objeto de forma muy atractiva y  lo más favorable posible. Generalmente, con una finalidad comercial. Lo que persigue la fotografía de producto es dar a conocer o mostrar un producto con el último fin de comercializarlo.

Iluminación para productos.

Actualmente, el desarrollo de las campañas BTL y el Internet han creado una gran demanda de fotografías que apoyen la visualización de los productos ofrecidos para que estos sean fácilmente reconocidos por los consumidores, además la publicación periódica de catálogos de productos de temporada, descuentos, lanzamientos de campañas, relanzamientos y demás suelen ir apoyados visualmente a través de fotografías que muestre de manera convincente lo que vamos a encontrarnos en los puntos de venta. De allí, que exista actualmente una gran oferta de fotografías digitalizadas disponibles ya con todo y derechos de publicación y aplicaciones de Internet, acudir a estas es como buscar un traje en un almacén, nunca quedará igual de bien como uno hecho a la medida.

Lo anterior nos muestra -de alguna manera- que para el comprador final la fotografía de los productos o product shot resulta vital a la hora de tomar decisiones sobre el producto o servicio a elegir para satisfacer una necesidad dentro de todas las opciones que dispone el mercado. Este tipo de fotografías se concentran en contestar la pregunta ¿Qué es esto? Las fotos de productos se pueden separar en dos grupos importantes; los Product Shot donde el producto se muestra tal cual será hallado en los supermercados, farmacias, tiendas especializadas u otras, y las fotos que muestran al producto o servicio en pleno uso o mostrando la manera en que nos beneficiarán o nos harán disfrutarlos; a estos se les llama fotografía de Dispersión Creativa o de producto en uso, donde utilizarás más la narrativa y contar una historia. Para realizar un proyecto de product shot, vamos avanzar por tres etapas; la pre producción, la realización y la post producción.

Product shot para catalogo de productos.

Es como mostrar al superhéroe de un cómic cuando hace su brillante aparición en el momento crucial de la historia y este aparece mostrando en una sola pose toda su fortaleza, junto a sus cualidades, sus colores identificativos, su vestuario único, invitando o retando a ser provocado para entrar en acción. Aunque esto pareciera algo exagerado, de alguna manera nos permite ver una visión que deberíamos recordar al momento de presentar la imagen de un satisfactor a los futuros consumidores; el producto vive en el escenario de lo aspiracional, vive en el mundo de los anhelos y de los ideales, y es allí donde debe confirmar que éste está, en otras palabras debemos mostrar que es algo de otro mundo, debe despertar deseos y motivar o activar las necesidades latentes y pasivas que llevamos dentro. No perdamos de vista a los empaques primarios y secundarios, pues deberemos tratar de mostrarlos para que sean rápidamente reconocidos y evitar cualquier instante de duda o confusión. En aquellos casos en que el mismo envase o empaque limiten la visibilidad del contenido deberemos optar por mostrarlo. Además de la mera clasificación de la fotografía de productos, deberemos prestar atención a varias condiciones técnicas muy relacionadas al Product Shot; la iluminación, las texturas, la óptica del objetivo, la temperatura del ambiente, el color y textura de fondo, etcétera. 

Si vas a utilizar el producto real durante la producción, trata de seleccionar productos perfectos, que no tengan ningún error visible que puedan ser captado por la cámara, otra opción será usar substitutos.

Maquetas: (dummies, mock‐up) Son sustitutos o reemplazos de productos reales que suelen usarse durante la producción de la fotografía, son copias o réplicas tridimensionales, son muy semejantes a los productos reales. Suelen resolver limitaciones que el producto real presenta durante la sesión de fotografía como sus proporciones con respecto al entorno o bien para lograr mostrar detalles importantes en mayor escala, o para resolver problemas de textura o de limitaciones de los materiales del producto ante la temperatura de las luces o del clima de trabajo, o simplemente sustituir vidrio y cristal con algún tipo de material plástico que resista a las exigencias de producción. Como Ud. puede ver que resuelven una gran cantidad de obstáculos razón por la que son muy utilizados. Las maquetas se acostumbran a usar para presentar productos que se encuentran en construcción o que todavía están en etapa de diseño y no se ha construido o fabricado una primera pieza todavía. Son muy usadas para representar una población a pequeña escala o para mostrar un nuevo residencial o bien una catástrofe natural, en fin cuando el clima o bien la distancia no permiten hacer una toma de este tipo o simplemente solo existe en la mente de un creativo de la agencia publicitaria.

Bebidas con flujo continuo sobre mesa para productos.

El horizonte. Se trata del límite que separa al cielo y la tierra, es una referencia que es muy importante para que nuestro cerebro procese la escala, la proporción, el tamaño, la distancia o proximidad. Se trata de una sola línea que permite comprender mejor aquello que está delante de nuestros ojos.

Horizonte

Si lo que buscamos es gozar de la completa la atención -corta y escurridiza- del observador y que ésta se fije en el producto como tal, será sabio que la línea del horizonte no distraiga a nuestra atención, para que ésta se enfoque solamente en el packaging de nuestro producto. ¿Cómo hacer, entonces, para que no aparezca el horizonte en nuestra imagen y captar toda la atención? Vamos a utilizar un humilde y genial trozo (pliego de 50 x 65 cm.) de cartulina Iris para construir un fondo neutro: blanco, gris o negro. Pero también podrán seleccionar algún color que refuerce o que apoye la paleta de color de la etiqueta o bien del empaque. Hay que ser cuidadoso en evitar que el color del empaque y el de la cartulina no sean tan parecidos que tiendan a no definir los bordes del producto, será una mejor decisión procurar un contraste más alto entre los colores.

Fotografía de productos sin linea del horizonte producen imágenes biestables.

La iluminación de productos bien podría resolverse con un esquema básico de luces de relleno (fill) que produzcan sombras suaves, para que éstas no se proyecten en la cartulina, puedes colocar sombrillas blancas para atenuar, sombrillas plateadas rebotadas, o todavía mejor si utilizas unas cajas de luz de tipo softbox. La sombra siempre deberá quedar proyectada en la base para evitar que la cámara la capte. Otra buena manera de resolver será colocar una caja con ventanas traslúcidas blancas a los lados y arriba. Vale aclarar que el reflejo -brillo- de las luces no deberá ocultar textos o información importante de las etiquetas.

Ciclorama de tela blanca.

Fondo o ciclorama. El fondo para estos proyectos puede ser la mesa de productos como tal con su lamina blanca semi traslucida, pero si se trata de un producto de mayor tamaño el fondo más frecuente es una bobina de papel Iris que suele tener mayor tamaño, o bien un fondo de tela pintado a mano, un fondo de vinilo mate. Existen muchos materiales con texturas varias que cumplen perfectamente el objetivo de funcionar como curva sin fin o infinita. Telas panorámicas de gran tamaño, superficie curvada y color uniforme que está situada en el fondo y en los laterales del escenario de un estudio, debe ocultar el horizonte. La cartulina Iris® es un papel de color suave, de alta calidad y sin ácido, especialmente diseñado para manualidades. Sólido y muy resistente. Ligeramente satinada y coloreada en pasta con pigmentos sólidos a la luz. Tiene como aplicación principal las manualidades. Ofrece dureza y regularidad en su superficie. Posee un gramaje de 240.

Se recomienda trabajar con una óptica de telefoto corto para asegurar que no habrán aberraciones ópticas que alteren la forma de los productos, ni de los textos de hay en las etiquetas. También será recomendable lograr imágenes con mucha profundidad de campo para que todos los detalles se muestren bien definidos. Para un grupo de fotógrafos también resulta interesante trabajar con ópticas de focales fijas como 50 mm y 100 mm con macro.

Producto shot con splash de agua en un pecera.

Debes ser muy cuidadoso al momento de alinear los bordes verticales de tu producto con el marco vertical de tu toma, puedes apoyarte en la plantilla de la ley de tercios o en otra plantilla de cuadrícula que la interfaz de tu cámara tenga disponible. De igual forma vigilar atentamente la línea horizontal, y el área de seguridad circundante o aire. Veamos un vídeo que nos ayudará a resolver proyectos fotográficos de productos.

Para cerrar nuestro post de hoy, vamos a destacar la importancia del product shot en las tiendas on line. La fotografía de producto, incrementa la conversión. ¿Sabes que cerca del 90% de la información que nos llega al cerebro ingresa por vía de nuestro sentido visual? Los potenciales clientes se sentirán muy atraídos por las fotos de productos. La calidad de las imágenes -product shots- será siempre asociada directamente con la calidad de los productos reales, creando así la primera buena impresión tan deseada. La calidad de los product shots incrementan cada uno de tus buyers points. Más del 90% de los consumidores reales considera a las imágenes esenciales para su proceso de compra. 

Éxitos totales.

Qué estés bien,

El autor de este post es publicitario, creativo y productor audiovisual y ha incursionado exitosamente como docente universitario para el Instituto de Mercadotecnia y Publicidad de México, así como en la UNITEC en Honduras desde hace más de veinte años. Es asesor publicitario independiente, redactor de artículos sobre publicidad, conferencista y blogger.

Redactar copys para cuñas radiofónicas

¿Cómo se escribe una cuña de radio? Antes de cualquier cosa, trabaja con la actitud correcta, con mucho respeto al medio y dignidad; la cuña radial es el más creativo soporte para impactar al auditorio. Se puede producir -casi- todo lo que uno imagina a bajo costo y en breves plazos de tiempo. El sonido posee como una cualidad el que no puede ser evitado a voluntad. Sí podemos cerrar los ojos pero no los oídos, no hay nada tan implacable como el audio, éste nos rodea, nos envuelve, nos persigue, no podemos defendernos ante éste. El sonido, deberá seducir mientras el mensaje debe persuadir.

La cuña radiofónica es totalmente autónoma al contenido de la estación y de sus programas, posee un formato corto y variable, su eficacia dada su fugacidad depende la frecuencia y de la repetición. Cuantas menos palabras -60 máximo- mejor, capaz de promocionar casi cualquier cosa.
A esta generación de radio oyentes de hoy les ha tocado menos horas de exposición escuchando la radio. Ven más la televisión y ven vídeos de manera constante a través de sus smartphones, leen menos libros de cuentos y libros de papel, dedican al menos 15 minutos de cada hora a revisar su status en las redes sociales, disfrutan leyendo memes. Consumen algunos pocos podcasts de audio, y es un verdadero reto creativo ganar su atención y mantener este interés.
Empecemos a pensar y a sentir antes de escribir, un buen texto será producto de masticar muy bien el contenido del brief -leer a fuego lento- y dejar que éste nutra a nuestras emociones. Si puedes además inicia con una tormenta de ideas.
A manera de ejemplo; tómese un tiempo para empezar a sentir como consumidor, siéntase pegado a la etiqueta, visualícese dentro del empaque, véase colocado en el mueble del supermercado, sienta al producto y a su marca como algo propio, identifíquese plenamente con el producto o servicio, póngase Ud. en los zapatos del consumidor, imagine que usted entiende como se siente la persona que todavía no resuelve el problema que su producto sabe resolver tan bien. Cuando esa parte de nuestra mente que es más racional se conecta con la parte más emotiva -creo que entonces- ya estamos listos para empezar a redactar soluciones comunicacionales altamente originales y efectivas. 

Siempre habrá que someterse al molde de los formatos de guion, pero será mejor dejar ésto para un segundo momento. Inicialmente sería suficiente con ordenar las ideas a manera de escaleta; que es muy parecido a la manera en la que le contamos a cualquier conocido nuestro sobre la historia de una película, ejemplo la última hemos visto en palabras entendibles, pero sin decir el final -obviamente- desde el principio al fin y en un solo párrafo. Lo que haremos en este momento será redactar las ideas -así tal cual- éstas nos llegan a la mente, en un flujo constante, como un río lleno de agua. Y cuando por fin este flujo creativo ha terminado, nos resta evaluar qué partes de todo ésto se pueden rescatar, qué se puede mejorar, qué es valioso, qué es trascendental.

Ahora sí, vamos a desarrollar guion de la cuña, que algunos también llaman script o copy. Se prepara el encabezado con los datos que identifican el proyecto que se está realizando más o menos de la siguiente manera: 

Cliente, nombre de la empresa anunciante.
Marca, la que identifica a este producto o servicio.
Producto, categoría de producto o marca del mismo.
Campaña, el nombre de la campaña, o solo diferenciar entre Institucional o Promocional.
Medio, en este caso será radio.
Versión, tenemos el honor de ponerle nombre a esta cuña.
Medida, duración de la pieza que estamos por iniciar. (30 segundos)
Copy, quién está escribiendo esta pieza.
Fecha, ayuda a llevar un control de las correcciones que éste va sufriendo.

Para empezar escribamos las cosas como vienen; con simplicidad, sencillez, claridad y procurando ganar y no perder la atención de quien lo oirá. Ahora que la idea ya tiene una secuencia lógica, que parece una verdadera narración comencemos a revisar que el texto diga todo lo que se espera debe decir; eso incluye mencionar la marca; algo que para algunos grandes creativos publicitarios deberá aparecer al menos tres veces, y nunca olvidar que este universo mide tan solo 30 segundos, así que tendremos que reducir la cantidad de palabras que usamos al expresar la idea al mínimo; quitaremos las palabras que no suman, ni restan información o emoción. Una vez que lo hemos hecho verifiquemos la medida del tiempo; entonces léalo con calma en voz alta y pronuncie correctamente cada letra de manera que se escuche cada una, si la cuña radiofónica mide 30” procure que en conjunto todos los textos del locutor no superen los 25”, así tendrá oportunidad de enfatizar palabras clave, enfatizar la marca, marcar la pausa, mostrar la emoción, el tono o el modo exacto.
Pero se nos escapa algo; el audio no solo es locución, hay que iluminar la locución con música y levantar la escenografía con los Efectos Sonoros (SFX) para fortalecer la verosimilitud de nuestra historia. El audio está formado por cuatro elementos que vamos a mantener presentes; el silencio, la locución, la músicalización, y los efectos sonoros.

Un buen comercial de radio debe contener al menos, éstos cuatro espacios:
3 segundos para captar la atención del oyente.
10 segundos para que el auditorio tenga una idea de la marca, que la identifique.
10 segundos para que el oyente tenga conocimiento de las características del producto.
7 segundos para motivar o invitar a la acción de compra.
Nota: No deberemos tomar esta distribución como algo escrito en piedra.

Es de suma importancia el empleo de palabras cortas, sencillas y de fácil pronunciación, evitemos utilizar palabras técnicas o muy rebuscadas. Las frases descriptivas breves son las más indicadas en este medio -ya que el objetivo- de cada redactor de textos publicitarios debe ser la absoluta claridad y una rápida captación auditiva. La creación del texto constituye un constante reto de originalidad e fresca imaginación de parte del redactor. 

La redacción del guion para una cuña radial deberá mostrar:
• Sencillez: La clave es seguir una idea central. Deben usarse palabras conocidas y frases cortas. Claridad: Eliminar las palabras innecesarias que puedan existir dentro del contexto, así se evitan ambigüedades.
• Coherencia: Permite que el mensaje fluya con secuencia y continuidad desde el principio hasta el final, usando palabras y frases de transición que sean uniformes y faciliten su comprensión.
• Empatía: Se sugiere un tono amable y personal. Que el escucha se identifique con la locución.
• Amenidad: Emplear un estilo dinámico, creando un clima en donde un amigo habla con otro acerca de un producto o satisfactor.
• Credibilidad: Este elemento abarca todas las ventajas del Producto o Servicio que deben ser presentadas al consumidor desde el inicio hasta el final del comercial.
• Originalidad: El comercial debe ser distinto a todos los otros y hacer resaltar las características del producto de forma especial y distinta a la usual.
• Compulsión: Imprimir al comercial una sensación de urgencia. Los segundos iniciales son cruciales. Aquí es cuando capta o pierde la atención y el interés el radio escucha ¡hágalo ahora mismo!

Para ampliar sobre este tema puedes visitar en Internet un sitio con muchos buenos ejemplos sobre la creatividad radial, se trata del premio El Ángel de la Radio que cada año entrega en ciudad de México la Asociación de Radio del Valle de México. Hacer clic aquí para escuchar.

Puedes seguirnos en Facebok.

Que estés bien.

El autor de este post es publicitario, creativo y productor audiovisual y ha incursionado exitosamente como docente universitario para el Instituto de Mercadotecnia y Publicidad de México, así como en la UNITEC en Honduras desde hace más de veinte años. Es asesor publicitario independiente, redactor de artículos sobre publicidad, conferencista y blogger

NFL 2018, Super bowl LII...la creatividad incluida.

Una fría noche de 2018 para los Patriotas de Nueva Inglaterra.

Una nueva final de la NFL que reunió a la Conferencia Americana y a la Conferencia Nacional se celebró el pasado domingo 03 de febrero de 2018. Se trató de la final número cincuenta y dos (LII) entre las Águilas de Filadelfia(41) y los Patriotas de Nueva Inglaterra(33); los campeones defensores del torneo 2017. Sobre lo que nos dejó las acciones dentro de la cancha nos platicará nuestro invitado de hoy más adelante. El himno de los EUA lo entonó Pink; quien se quejó de una fuerte gripe durante esta última semana, mientras que el medio tiempo fue atendido -por tercera vez- por Justin Timberlake, fue su primera vez en solitario. El escenario de esta justa deportiva fue el completamente renovado -hace un par de años atrás- U.S. Bank Stadium de Minneapolis; construido a un costo aproximado de 1,061 billones de dólares, alcanzó un aforo del 93% de las 73 mil butacas habilitadas, los boletos alcanzaron una nueva marca de 4,984 dólares, se ofrecieron en un inicio en el rango de 900 a 5,000 dólares, el turismo a la ciudad anfitriona deja una derrama de 407 millones de dólares, el medio tiempo no llegó a ser lo que muchos esperaban aunque vale destacar el breve homenaje al cantante Prince.

La televisión y la final de la NFL el Super bowl. Éste masivo evento se inició a emitir a través de la televisión abierta -en el año de 1948- solo de manera regional, y ya en el año de 1955 se emitió de costa a costa, casi en cadena nacional. Para el año de 1987 se inició a transmitir a través del cable. Se trata de un evento televisivo que reúne al mayor auditorio del mundo, de allí que es muy importante como el mayor marco para presentar publicidad audiovisual -TV spots- y se ha convertido en la ventana más vista de la industria, algo que todos los publicitarios del mundo analizan y comentan.

La NFL mantiene ciertas políticas que limitan las emisiones televisivas. Si un juego no logra vender una cantidad definida entradas en el estadio para la fecha de un partido, dicho juego no se podrá emitir en la estación de televisión de esa ciudad o región. En el caso contrario, si un partido tiene estadio lleno, ninguna estación de señal abierta de dicha región puede emitir otro juego mientras éste se realiza. Las cadenas de televisión de cable no podrán emitir partidos en las ciudades de origen de los equipos que disputan el juego, la emisión de dicho juego se  debe emitir en ambas ciudades a través de una estación local de televisión abierta. Vuelve a vivir las mejores jugadas de este increíble juego (Ver aquí)

Hoy tengo el enorme honor de contar con el acompañamiento de un increíble Guest Blogger, que sé -seguramente- es también muy querido también por los todos los seguidores de los Pensamientos Maupinianos, nuestro amigo Rely Josimar Maradiaga, nos va a contar con su estilo único, con ese toque particular su storytelling de este increíble juego que lleva por título No olvidaremos:

"Hola MauPin, hola a todos sus seguidores. Les habla (y escribe) un aficionado. Contaré lo que vi. Lo que entiendo, que fue la clave del super bowl disputado el cuatro de febrero pasado. Entendiendo -claro- que no soy un experto en este deporte. Solo lo disfruto como muchos de ustedes, así que estaré agradecido que nos puedan hacer llegar sus criticas constructivas y sus aportes de lo que ustedes vieron.
Lo primero que hay que decir es que New England hizo un gran partido, entendiéndose que en cualquier deporte jugar bien no te garantiza una victoria, tan solo te acerca -bueno- los Patriotas que habían disputado ocho Super bowls antes que éste, que habían ganado cinco de ellos, jugaron un gran partido, pero la Águilas, hicieron algo superior, hicieron un partido casi perfecto.
Otra cosa que vale la pena destacar, es la cantidad de yardas que los Patriotas le hicieron a las Águilas; 613 yardas totales, ésto a la cuarta mejor defensa de la N.F.L., una defensa que como máximo había permitido 306, y eso es algo que vale la pena destacar, fue el partido con más yardas totales en toda la historia de la N.F.L. No hablo solo de los Super bowls -hablo de toda la N.F.L.- un hecho por el cual recordaremos siempre este partido disputado en Minneapolis. 
Volviendo a los Patriotas, la estrategia de Bill Belishick funcionó en ese aspecto, lograron el cometido, empujar con todo a las Águilas, punto aparte para coordinar el ofensivo de los Patriotas, Josh McDaniels, que nuevamente demostró que será uno de los mejores entrenadores en jefe de la N.F.L. -no por nada- los Colts de Indianapolis ya tocaron a su puerta, pero tranquilidad para los aficionados de los Patriotas, se mantendrá en Nueva Inglaterra. No hay que ser brujo para saber que será el heredero del puesto de Bill Belishik cuando sea el momento.
Pero, si estamos alabando a los Patriotas, porque ganaron a la Águilas, hay varias formas de verlo, pero la mayoría de expertos coinciden en una sola cosa, los Patriotas jugaron con fuego y se quemaron.

La explicación más sencilla, para novatos en este asunto, en los que dicho sea de paso me incluyo, es la siguiente...los Patriotas fueron la quinta mejor defensiva de toda la temporada, pero a la vez, fueron la cuarta peor defensa en cuanto a yardas permitidas, en español, dejaban avanzar mucho a sus rivales hasta la zona critica, pero ya en la zona, los Patriotas siempre resolvían, pero siempre salían de las cuerdas, si utilizamos un termino del boxeo. Pero, no sucedió esta vez, las Águilas quebraron ese cerrojo que los Patriotas armaban en la última zona de defensa. Y allí entra un hombre que hace tres meses nadie imaginaba y creo que pocos conocían, Nick Foles. Un sujeto que solo había jugado tres partidos en la temporada regular, pero la lesión de Carson Wentz hizo que el quaterback de 29 asumiera el puesto de mando, y vaya forma de hacerlo. No solo se convirtió en el primer quaterback en la historia que marca un touchdown, una de las jugadas clave de la noche, una jugada de engaño, los sistemas defensivos de la N.F.L. son casi perfectos, pero el ingenio humano puede contra todo,anotar un touchdown ... lo que muchos soñaron que los grandes quaterbacks de la historia hicieran,lo vino a hacer un tipo que solo cometió un error en toda la noche, una intercepción que por cierto fue fortuita,una casualidad, pero más allá de eso 67% de efectividad, 373 yardas, y 3 anotaciones te hablan de un tipo que demostró su carácter, que jugó el partido de su vida y lo ganó.

Y es aquí que quiero detenerme, las Águilas fueron como ese barco de madera que en medio del mar soporta la tormenta, que vos decís en cualquier momento se despedaza, pero no. El barco se mantuvo a flote, soportó la tempestad, porque en un momento todos dijimos los Patriotas le darán vuelta a ese asunto,pero las Águilas ganaron el Super bowl porque cuando pegaron no se volvieron locos, se aferraron a un plan y lo llevaron a cabo -repito casi a la perfección- así tenían que hacerlo para ganar un Super bowl donde no eran los favoritos, eso hace más grande su victoria. Y bueno, no podemos dejar de hablar de esa jugada, ese balón, que un enorme, sensacional quaterback no pudo tomar, la jugada que nos recordó lo humano de Tom Brady, esa leyenda americana capaz de remontarlo todo. Falló en un momento que quedará como una imagen para la historia.
Pero más allá de esa jugada, debemos simplemente decir que esta vez no pudo repetir lo hecho en Super bowl anterior(LI) donde remontó 25 puntos. Tampoco, lo que hizo en la final de conferencia contra los Jaguares de Jacksonville, simplemente no pudo. Lo intento por todas las vías, y en esos decisivos últimos dos minutos, la jugada que terminó por enterrar la esperanzas de los Patriotas, cuando solo faltaba una anotación para remontar, con tiempo de sobra para intentarlo, en su zona del campo de mayor efectividad, cuando ya alistaba su prodigioso brazo para lanzar el pase de la historia, Brandon Graham tocó su codo, perdió el balón y sabía que había perdido el trofeo Vince Lombardi.
Si quieren juzgarlo por un partido, que sea éste. Sus detractores se abrazaran a este momento para intentar minimizar su leyenda, pero lo cierto es que está dentro de los mejores de la historia. No sé que puesto le dará Usted, pero que se sienta en la mesa de los más grandes, se sienta. Eso, no lo puede cambiar nadie. Y cuidado, muchos hablan de un retiro cercano, yo creo que la historia todavía reserva una página para ser escrita.
Gracias MauPin, felicidades a los que le van a las Águilas en Honduras o cualquier parte, ha sido un honor, y por aquí nos volveremos a encontrar."Las redes sociales se volvieron a calentar con sus creativos posts. Twitter lanzó dos numerales alusivos al juego -hashtags- #SuperBowl junto a #SB52. Se generaron cerca de 27 millones de tuits previó al juego.

Para estar a la altura de un evento altamente exigente la cadena NBC movilizó 500 colaboradores, 106 cámaras de televisión y un total de 805 km. de cables. La publicidad facturada para este evento televisivo (NBC) en directo -el evento de mayor audiencia mundial- alcanzó un costo cercanos a 7.7 millones de dólares por un spot televisivo, se estimó que este súper domingo podría recaudar 418 millones de dólares por facturación de publicidad.

Los números de audiencias captadas por el medio televisivo no fueron los mejores, se estima que fueron niveles similares a los del año 2009, siendo este evento -Super Bowl LII- el décimo más visto en la historia de la televisión en EUA. Los televidentes alcanzados (adultos entre 18-49 años) en esta emisión en directo fueron 103.39 millones. La NBC alcanzó 3 GRP menos que el año anterior, este domingo se alcanzaron -solamente- 47.3 GRP de nivel de audiencias, los diez mercados que mostraron mayores audiencias dentro de los EUA fueron Buffalo con 56.4 GRPs; en Filadelfia cerca del 56.2; Boston 55.9; Minneapolis y St. Paul 54.9; Pittsburgh 54.9; Norfolk 53.9% de los televisores estaban sintonizando el juego; Nuevo Orleans 53; Providencia 52.5; Milwaukee 52.3; Seattle 52.2; Kansas City 52.2. Por el contrario éste resultó ser el Super Bowl más visto en InterNet a través de Live Streaming con 2.02 millones de personas disfrutaron de éste en el sitio de la NBC.

He seleccionado un grupo de estos spots y comparto una lista corta de la creatividad desplegada por los anunciantes a través de los spots televisivos emitidos por NBC para el mercado de los EUA durante las pausas del Super Bowl LII.

Deja saber cuál es tu spot favorito de esta lista, ¡sí ese! con el que te has identificado o aquel que te ha hecho reír, comparte tu valiosa opinión con todos los amigos de los Pensamientos Maupinianos, dinos porqué te han gustado y si quieres agregar algunos spots más nos compartes el Link. No dejes de seguirnos también en FB. (Seguir)

Que estés bien.

Mauricio Pineda

El autor de este post es publicitario, creativo y productor audiovisual y ha incursionado exitosamente como docente universitario para el Instituto de Mercadotecnia y Publicidad de México, así como en la UNITEC en Honduras desde hace más de veinte años. Es asesor publicitario independiente, redactor de artículos sobre publicidad, conferencista y blogger.