Las líneas rectas y su efecto en el observador

Es casi seguro, que te hayas preguntado más de una vez: ¿Qué estructura a la imagen, qué crea ritmo visual, como se conduce la mirada hacia un punto determinado? Para todas estas dudas, la respuesta común será: las líneas.

Las reglas de composición visual son subjetivas. Pero, existen patrones y elementos comunes por los que los seres humanos percibimos imágenes. 

Alguien dijo que la línea, es un punto que salió a caminar. Las líneas, derechas o rectas según su posición; horizontal, diagonal o vertical le hablan a nuestro cerebro y éste las entiende, les asigna valor y significados. Las líneas rectas son infinitas, por lo que nunca podremos trazar una línea recta completa, solo un pequeño trocito, el resto de la línea lo tendremos que imaginar. De manera que, si aspiras a crear imágenes; ilustraciones, películas o fotografías con mensaje claro y afectar al auditorio de observadores a tu alrededor vamos a poner nuestra atención completa en los párrafos que vienen más adelante.

Línea horizontal paralela al horizonte del paisaje sobre un cuerpo de agua,
es el lugar donde encuentran el cielo y la tierra.

Vamos a poner en claro algunos conceptos muy básicos para iniciar. La línea, es una sucesión continua de puntos, muy unidos, y que se extienden de manera indefinida formando un trazado en un mismo plano. Es también, el elemento más básico de todo gráfico y uno de los más sumamente utilizados. Representa a la forma de expresión más sencilla y pura, que a la vez puede ser dinámica y variada. A continuación nos vamos a enfocar en las líneas rectas.

Los sentidos se deleitan con las cosas que tienen
las proporciones correctas.

Tommaso d'Aquino.

La palabra horizonte -en español- proviene del latín horizontem, quien a su vez, lo tomó prestado del griego ὁρίζω (horizo) y este de la expresión ὅρος κύκλος (horos kyklos = límite [horos] de la rueda [kyklos]). Surge de la idea del límite donde parecen que se unen la tierra con el cielo. Así que vamos a entender por línea horizontal es aquella que tiene la misma dirección de la línea del horizonte, es esa línea acostada que carece de inclinación. Se desplazan de derecha a izquierda y viceversa, además de ser perpendiculares (en ángulo de 90 grados) a la línea vertical. Al ser nula su inclinación, es la referencia usual para ubicar otras figuras y objetos sobre el plano y el espacio o el visor óptico o LCD de la pantalla de la cámara de fotografía, cine o televisión.

La línea horizontal aparece con mucha frecuencia en el diseño de imágenes gráficas, además de ser una referencia para la posición de los diversos elementos, constituye el eje de simetría de muchas figuras. Para motivos de la práctica fotográfica se suelen alinear la línea del horizonte del paisaje con la línea horizontal de la base del rectángulo del visor o pantalla. Son claves a razón de su peso (nos invita a considerar las líneas horizontales como el fundamento en la cual poder sostener objetos, una base estable, pesada, de calma, reposo y descanso) pues observamos el mundo que nos rodea en formato horizontal. ¿Qué significa esto? Llega una de las primeras características expresivas, se ajustan mejor a un formato de encuadre horizontal. El ojo se comporta como un perfecto lector y le resulta interesante recorrer líneas horizontales en formatos de encuadre apaisados. La línea horizontal por excelencia será el horizonte, presente en la mayor parte de paisajes, fotografías de diversas temáticas y punto de referencia primario. La línea del horizonte funciona como línea dominante. Al mantenerla recta y horizontal, suele ser una referencia visual clave para obtener una imagen estable.

Las líneas horizontales, transmiten sensaciones de estabilidad, de calma, de descanso. Podríamos entender acerca de estas que son líneas que "no pueden moverse" porque están "acostadas", apoyadas sobre alguna superficie, son inalterables. Las líneas horizontales parecen poseer una posición de reposo -estar acostadas- al parecer apoyadas sobre una superficie.

Los troncos de árbol crecen perpendicularmente al horizonte.

En posición perpendicular a la línea del horizonte del observador tenemos a la línea vertical. La palabra vertical se originó en el vocablo latino verticalis de verticis (vértice) a su vez derivado del verbo vertere = girar. Como el vértice se aplicó al polo celeste, lo vertical pasó a significar algo con sentido ascendente, dirigido hacia arriba. La línea vertical, es aquella que sigue la dirección en la que cualquier objeto cae al suelo cuando se lo suelta desde cierta altura y es perpendicular a la línea del horizonte, ya que forma con esta un ángulo de 90º. La línea vertical nos sugiere un movimiento muy común en la naturaleza: La caída libre, así como también, describe la dirección de otras fuerzas, como la gravedad, cuando ellas actúan perpendicularmente a una determinada superficie. También indican poder y elevación, sugieren el momento justo antes de iniciar, une el cielo con la tierra, representa espiritualidad o la relación del hombre y Dios. Es la línea que indica que algo sube o que baja, según. Si las horizontales expresan estabilidad como base, las verticales transmiten velocidad y una mayor sensación de movimiento, ya sea hacia arriba o hacia abajo. Siendo que ciertas formas verticales pueden actuar como obstáculos o barreras diferenciando zonas dentro del encuadre, obtienen un gran poder de división que les confiere fuerza y poder. Parece que las líneas verticales y horizontales poseen propiedades intrínsecas opuestas, por tanto, la última de las implicaciones será conjunta, la aparición de ambas orientaciones de líneas se equilibran de forma natural, una detiene a la otra. Las líneas verticales pueden transmitir fuerza, poder o crecimiento.

Paisaje urbano y líneas diagonales u oblicuas.

Las líneas diagonales u oblicuas son las que no tienen la dirección vertical ni horizontal. Ni forman ángulos rectos al cruzarse con éstas. Las líneas rectas dividen el plano en dos partes. Las diagonales atraviesan el fotograma -rectángulo del visor- conduciendo la mirada como ninguna otra línea ¿Qué relación tiene esto con la profundidad? ¿Qué ocurre cuando aparecen varias diagonales? ¿Cómo varía el concepto de perspectiva?

Líneas diagonales convergen en un punto y crean la perspectiva.
Dirigen la mirada a un punto.

El grado de inclinación en las líneas diagonales provoca tensión compositiva. Otorgando propiedades muy marcadas: Dinamismo, velocidad y dirección más allá de la expresión de una vertical, más actividad y vida en la imagen. El máximo ángulo que podremos conseguir (a camino entre una vertical y una horizontal) será de 45º, convirtiéndose en una potente herramienta para expresar el máximo de dicha actividad. La línea diagonal suele implicar, acción, movimiento, tensión, fuerza, dinamismo, inestabilidad, desequilibrio, entre otros.

En geometría podemos entender por diagonal a dos esquinas no adyacentes de un polígono conectando en línea recta oblicuamente, transversalmente. conectando dos esquinas no adyacentes de un polígono en una línea recta. Su raíz proviene del latín diagonālis y éste a su vez proviene del griego, diagonios, término compuesto por dia (“a través”) y gonia (“ángulo”). Estas líneas diagonales se pueden agrupar de dos formas: Las de dirección ascendente, que según el contexto puede dar, metafóricamente, una sensación de esfuerzo, de lentitud o de progreso. Y las de dirección descendente, como si un personaje estuviera cayendo a través de una rampa, pudiendo dar una sensación de velocidad o de hundimiento.

“Las líneas rectas van demasiado rápido para apreciar los placeres del viaje. Corren directamente hacia su objetivo y luego mueren en el mismo momento de su triunfo sin haber pensado, amado, sufrido o disfrutado”. Rene Crevel.

Hay cosas fundamentales que no podemos obviar, sin la composición visual impera el caos. ¿Cómo vas a agregar nuevos significados a tus fotos? ¿Cómo utilizarás las líneas para hablar y comunicar mensajes claros a tus observadores con cada nueva foto? ¿Sientes que posees nuevas herramientas para comunicarte a través del lenguaje gráfico?

Cuando aplicamos las líneas o rayas al vestuario deberás considerar que mientras más gruesa la línea, más volumen aporta al cuerpo. Cuanto más delgada sea la raya horizontal más delgado se observará el cuerpo. Por ejemplo si utilizas un sweater de rayas, éste te ayudará a sumar volumen en el área de tu pecho y tus caderas, favoreciendo a personas delgadas. Si el efecto que buscas es al inverso, deseas estilizar la figura te vendrá bien un estampado de rayas muy delgadas y finas.

Las líneas verticales o rayas verticales pueden utilizarse para crear un efecto alargado y estilizado, hará que los cuerpos se observen más altos. Las rayas verticales son perfectas para todas aquellas personas talla petit que buscan lograr un efecto de mayor altura. Las rayas verticales gruesas agregan más volumen al cuerpo, el efecto es que te verás más grueso. En general se percibe que su efecto aplica así los cuerpos con ropa de rayas verticales parecen más altas y delgadas, mientras que al usar rayas horizontales pueden verse más anchos y voluminosos. Un grupo de investigadores de la Universidad de York -Inglaterra- ha demostrado que la ropa estampada con rayas verticales crea la ilusión óptica de un cuerpo más voluminoso, en contra de la creencia popular de que éstas estilizan y las horizontales hacen parecer más voluminoso. Incluso un científico alemán, Hermman von Helmholtz, ya lo describió en 1860, e incluso llegó a sugerir en su libro que las mujeres vistieran con prendas de rayas horizontales en detrimento de las verticales, porque las hacía parecer más altas. Se abre el debate. ¿Tú qué crees que te funciona mejor?

No debemos perder de vista que cuando una prenda de vestuario es fotografiada y contiene muchos detalles pequeños y repetitivos, como líneas o puntos, y la resolución de la cámara no será capaz de reproducirlos con extrema definición, se produce una sensación visual extraña, como de ondas. Este efecto visual, no se percibe como algo agradable, es más bien un distractor visual llamado efecto Moirè o muaré. Este nombre nos viene del francés, por un tejido de tela cuyo efecto visual es muy parecido, ya que hace ondas según la luz que refleja. Para otros, proviene del fotógrafo suizo Ernst Moirè. Sea como sea, en francés se pronuncia muaré, de tal modo que en español escrito encontrarás las dos versiones, moirè y muaré. El consejo es que si eres talento frente a cámara será prudente no vestir telas con líneas finas y delgadas, patrones de puntos finos o cuadros o cuadriculas muy finas.

Qué estés bien,

Nacimiento de un clásico de la moda: Blue jeans.

Se estima que el mercado mundial de la ropa de jeans para el año de 2023 alcanzará la cifra de 15 mil millones dólares. América del norte es el mercado de mayor crecimiento y Asia Pacífico el mayor mercado mundial. En la localidad de Nimes, al sur de Francia. Los tejedores de esa localidad buscaban imitar o replicar un tejido medieval de (1567) mediados del siglo XVI originario de Génova (en francés: Genes) al que los franceses llamaban Jean fustian, estaba hecho con algodón y lino. Actualización: Para el año 2025 se espera que el mercado mundial de ropa de jeans se ubique entre los 111.8 mil millones y 120.8 mil millones de dólares. Lo que equivaldría a vender entre 2.06 y 2.1 mil millones de pares de jeans por año.

Nimes, sur de Francia.

Los tejedores de Nimes, por accidente, crearon la mezclilla de algodón. La palabra genoese o Gênes se usaba para describir la tela resistente de los pantalones de sarga usados por los marineros comerciantes que venían de Génova, Italia. Se trata de una sarga -tejido de algodón trenzado- utilizado para velas de barcos y cobertores de carruajes; se pasaba la trama bajo los hilos de la urdimbre. Es básicamente un tejido con ligamento cruzado de sarga de algodón, que produce líneas diagonales particulares. Obteniendo así una cara en color azul y la otra blanca. Se teñía con índigo, un antiguo tinte azul. Originalmente, los franceses le llamaron Serge de Nîmes. Sin embargo, en el siglo XVII pasó a ser adoptado en la lengua inglesa como “sarga denim”. Para nosotros que hablamos español se vino a llamar sarga de Nimes.

Mezclilla, sarga de Nimes, denim, blue jeans.

Esta mezclilla de color azul se producía con tintes que provienen de una planta leguminosa de Asia; indigofera tinctoria. El tinte natural de índigo se obtiene al procesar sus hojas. Se cubren con agua y se dejan allí hasta fermentar para convertir el glicósito indicano naturalmente presente en la hoja en los colorantes azules indigotina e indigoferina.

Estructura química del índigo

El material baja al fondo de la solución de hojas fermentadas, se mezcla con hipoclorito de sodio, para luego ser prensado, secado, y convirtiéndolo en polvo. El polvo, luego se mezcla con varias otras sustancias para dar diferentes grados de azul y de color morado. El tinte de índigo natural (más de 40 dólares por kilogramo) fue utilizado hasta el año 1900 para teñir tejidos de algodón de forma exclusiva, luego de esto apareció su versión sintetizada del índigo (5 dólares por kilogramo) que se utiliza hoy en la gran mayoría de fábricas textiles. Los pantalones blue jeans que utilizan tinte de índigo natural pueden encontrarse en el mercado como de ropa de primera calidad y por un valor cercano a los 2 mil dólares, se producen en la ciudad japonesa de Kurashiki, en el área de Kojima.
Como cualidad, esta mezclilla suele quedar más suave y algo más blanca después del lavado. Durante este proceso pierde fibras de algodón y pigmento. Con esto se logra un producto que se pone mejor mientras envejece. Así esta mezclilla pasó a conocerse en el mundo entero como blue jeans.

Jeans Leví's de cerca de 1880.

La mezclilla moderna surge en 1860, cuando el oriundo de Baviera Löb Strauß (Levi Strauss) de Levi Strauss & Co. comienza a producir pantalones de trabajo hechos con sarga de Nimes para los mineros de San Francisco. Fueron patentados el 20 de mayo de 1873 bajo el número 139.121.

El joven Levi Strauss Löb Strauß

Los remaches metálicos fueron la base del diseño patentado por Levi Strauss. Conocidos como los pantalones XX, luego se los llamó 501, casi 20 años después que la compañía empezó a usar los números de lote para diferenciar a los productos que fabricaba. En el caso de 501, el código simplemente significaba overall de cintura con remaches de cobre. Los remaches de Jacob Davis; de Reno, Nevada, se usaron originalmente para reforzar los jeans en áreas donde se podían rasgar fácilmente, pero las costuras modernas los han hecho puramente decorativos. La tela para los Levi's se produjo inicialmente en fábricas textiles como la Amoskeag Manufacturing Co. de Manchester, de New Hampshire, EUA. Ya para 1922 Levi's se había cambiado a Cone Mills Corp. como su proveedor exclusivo, con sede en Greensboro, Carolina del Norte y fundada en 1891 y quien llamaba a su tela White Oak. Su fábrica White Oak cerró en el año de 2017. A partir de 2004, Levi's produce su propia tela de jean.

Elvis Presley como Vince Everett.

En el año de 1957 un joven cantante de nombre Aaron Elvis Presley como Vince Everett participó en la película para cine Jailhouse Rock, la canción de este mismo nombre había sido lanzada recién como sencillo el 24 de septiembre de ese año. Vince Everett, vestía unos blue jeans que impresionaron a los jóvenes de su generación, junto al impacto de otras películas de Marlon Brando y James Dean.

Símbolo de la contracultura, el movimiento por los derechos civiles y la protesta. Se personalizan con parches, bordados y desgastes. Auge del bell-bottom (pantalón acampanado). Ya para los años 80 observamos el nacimiento de los "designer jeans." Marcas de alta costura adoptan el denim, elevándolo a un estatus de moda y lujo (Calvin Klein, Gloria Vanderbilt). Desde los años 90 a hoy experimentamos una diversificación extrema. Aparición de innumerables cortes (skinny, straight, bootcut, boyfriend, wide-leg), lavados (stone-washed, acid-washed, raw denim), acabados y mezclas con fibras elásticas (spandex/elastano) para mayor comodidad. Es un fenómeno global, convirtiéndose en una prenda universal. Creciente enfoque en la sostenibilidad y la producción ética.

Esta moda rápidamente se extendió por otras culturas y el denim dejó de ser solo un trozo de tela y se convirtió en una manifestación social. Iniciaron como prendas para obreros, a estar en los uniformes de la marina, luego a ser el símbolo de la rebelión y la angustia juvenil y la cultura pop.

En el primer trimestre del año 2025, China lidera la producción mundial de jeans. Otros países como Bangladesh, Vietnam, Pakistán, India, Turquía y México son también productores muy significativos y continúan ganando cuota de mercado, especialmente debido a factores como costos laborales competitivos, acuerdos comerciales y diversificación de la cadena de suministro por parte de las marcas globales. Sin embargo, la escala de la producción China sigue siendo dominante en el agregado global a razón de su:

Infraestructura: Capacidades de manufactura masiva y una cadena de suministro textil altamente desarrollada.

Escala: Economías de escala que permiten una producción eficiente en costos para el mercado masivo.

Experiencia: Larga trayectoria como centro de producción textil global.

Que estés bien,

Casting call

Ser talento (modelo o actor) y estar frente a las cámaras es algo importante para personas que aman la cámara. Así lo han demostrado actores de la talla de Marlon Brando Jr., John Joseph Nicholson, Robert Anthony De Niro, Daniel Michael Blake Day-Lewis, Philip Anthony Hopkins, Laurence Kerr Olivier, Thomas J. Hanks, Leonardo Wilhem DiCaprio, Alfredo James Pacino, James Maitland Stewart, Robin McLaurin Williams, Charles Spencer Chaplin, Dorothy Virginia Margaret Juba, Norma Jean Mortenson, Gisele Caroline Bündchen, etc. Un buen modelo para fotografía deberá poseer: Atractivo, talento, expresividad, mostrar seguridad en sí mismo (sana autoestima), interpretar poses, gestos y expresiones varias (linda, sexy, divertida, atrevida, seria, juguetona, cute, etc.), ser fotogénico (buen registro ante la cámara). Será valioso que el modelo disfrute ampliamente de las sesiones de fotografía así como el estar al frente de la cámara. Asegurate de que tu modelo sea capaz de desbordar encanto y saber mostrar cientos de poses increíbles en pocos minutos. Debe mantenerse siempre atento, saber escuchar y seguir instrucciones. Resulta que encontrar los modelos idóneos para cada proyecto (campaña de moda, desfile y eventos, catalogo, contenido editorial, en estudio, en calle, para publicidad, etc.) te va a demandar mucha habilidad, dedicación y talento. Muchas agencias de modelos contratan exploradores de modelos para encontrar personas que puedan perfeccionar y potenciar para convertirse en las próximas superestrellas.

Si producir o modelar es lo tuyo, significa que vas a pasar mucho tiempo participando en audiciones o llamados para seleccionar a los actores o modelos idóneos, pero también puede ser la señal de que vas a producir muchos contenidos audiovisuales y necesitas seleccionar al talento ideal. Es muy probable que ya tengas la versión aprobada del guion para tu proyecto audiovisual o el boceto final o referencia en foto con el visto bueno -ok- para tu próximo photoshoot. Ahora, vamos a seleccionar al talento; modelo o al actor correcto para representar a cada personaje de forma idónea. Para esto, vamos a organizar un "casting".

¿Puede ser cualquier persona la elegida? Esta parte del proyecto de retratos no suele ser comprendida por los fotógrafos durante su curva de aprendizaje en las primeras etapas. La importancia de encontrar a la persona ideal o correcta para representar un personaje o modelo para una sesión de fotografía radica en que la imagen final debe ser creíble (verosímil) y transmitir el mensaje que se desea. Cuando se trata de representar un personaje, el fotógrafo debe encontrar a alguien que tenga un parecido físico con el personaje, pero también que sea capaz de interpretarlo de manera convincente. Esto requiere que la persona sea capaz de comprender el personaje y sus motivaciones, y que sea capaz de transmitir esas cualidades a través de su expresión facial, su lenguaje corporal y su forma de actuar.

Por ejemplo, si se está fotografiando a un personaje de ficción, el fotógrafo debe encontrar a alguien que tenga el aspecto y la personalidad del personaje. Si se está fotografiando a un personaje de la vida real, el fotógrafo debe encontrar a alguien que tenga un parecido físico con el personaje y que sea capaz de interpretarlo de manera auténtica. En el caso de la fotografía de retratos de moda, el fotógrafo debe encontrar a alguien que tenga un aspecto atractivo y que sea capaz de lucir las prendas de vestir de manera favorecedora. También es importante que la persona tenga una personalidad carismática y que sea capaz de transmitir confianza y seguridad. La elección de la persona para una sesión de fotografía es una decisión importante que puede tener un impacto significativo en la calidad de las imágenes. Es por eso que es importante tomarse el tiempo necesario para encontrar a la persona ideal para el trabajo. Aquí hay algunos consejos para encontrar a la persona ideal para una sesión de fotografía: Piensa en el mensaje que quieres transmitir con las imágenes. ¿Qué quieres que el espectador haga, sienta o piense al observar y después de ver las fotos?

Crea una lista de las características físicas y de personalidad que necesitas en la persona. Haz una búsqueda en línea o consulta con una agencia de modelos. Organiza una audición o prueba de cámara para ver a los candidatos. Elige a la persona que creas que mejor representará el personaje o modelo.

Casting call es el proceso de la preproducción en el que se eligen los diferentes tipos de papeles o personajes del guion, de la escena o de la serie de TV. Si te enteras de un "open casting call" significa que se están haciendo -ahora mismo- audiciones para quien quiera ir a participar. Una convocatoria a casting, es un anuncio realizado por la casa de producción o fotógrafo que requiere de modelos o actores en sus películas. Cuando la casa de producción audiovisual realiza una llamada a casting, especificarán los requisitos en términos de edad, imparcialidad e incluso -también- incluyen la jerga del idioma. Cualquier actor que quiera participar en películas debe asistir a un casting y mostrarse en una audición para que lo seleccionen en caso de estar satisfechos. En palabras más simples, es un anuncio de trabajo con entrevistas para modelos o actores.

El director de casting, es el profesional de la pre producción responsable de seleccionar aquellos perfiles actorales o de modelos que más se ajustan a un papel dentro de un proyecto (en este caso puede ser una película, una serie, un videoclip o una campaña publicitaria o sesión de retratos). Se trata de un servicio solicitado por una productora, fotógrafo, una marca anunciante, agencia de publicidad, etc. Las agencias de casting, generalmente son propiedad de colaboradores de la industria de la producción con amplia experiencia que -finalmente- llegan a formalizarse y profesionalizarse aún más al gestionar desde una especie de despacho. De esta manera, los casting pueden hacerse en una oficina fija, bien equipada con todo lo necesario y gozan de cierto prestigio al profesional. También es posible observar procesos de selección de actores que se realizan en lugares temporales o itinerantes, improvisados o hasta en el mismo lugar de rodaje. Ocurre así con producciones que se llevan a cabo en localizaciones al aire libre o en poblaciones específicas y, especialmente, en proyectos como series de televisión. Informate correctamente de los detalles y condiciones de la audición. Evalúa si realmente es de tu interés, debes estar disponible y mostrar muchas ganas e interés. Puntualidad, siempre llega unos minutos antes. En este apartado de la puntualidad siempre ha sido importante llegar a tiempo, pero ahora que hay menos margen de maniobra con las citas concertadas. La puntualidad hoy es más valorada que nunca. Tu teléfono celular será tu herramienta principal durante un casting virtual en directo. Hay un dicho popular que dice: Si llegas temprano, llegas a tiempo. Si llegas a tiempo, llegas tarde. ¡Si llegas tarde, estás despedido! Será muy importante colocar tu teléfono en la dirección perfecta. Muestra que eres profesional. Si puedes, informate del nombre del director del proyecto. Mantente enfocado en cómo hacer un buen trabajo y pon todos los medios disponibles para que el resultado sea lo mejor posible. Prepárate para el casting según las instrucciones recibidas, lleva el vestuario adecuado, si necesitas cualquier accesorio o atrezzo, tenlo previamente preparado para hacer el mejor la mejor prueba actuada posible. Los detalles van a ayudarte a lograr una buena audiencia. El vestuario debe asociarse un poco al personaje que estás buscando. Aparece confiado, seguro y sonriente. Mira a los ojos al director. También existen algunas cosas que es mejor evitar al participar en la audición de un casting. Ser impuntual. Si te citan para estar a una hora es para que acudas a esa hora. Ser demasiado familiar. Perder tiempo antes de empezar la audición. No llevar tu material preparado. Llegar disfrazado.

Los directores y productores audiovisuales contratan a un director de casting para supervisar el proceso de casting, que incluye, en algunos casos, varias audiciones, pruebas de pantalla y devoluciones de llamada. El director de casting en algunas oportunidades contratará a un equipo para ayudar a gestionar los aspectos administrativos y organizativos de este. Si eres un aspirante a actor -o bien- a modelo, recuerda que todo el mundo tiene que empezar en alguna parte. La clave es tomar medidas para convertirse en actor, encontrar audiciones de actuación y hacer conexiones. En muchos casos los directores de casting no toman decisiones de aprobación y contratación. Los productores y el director reducen sus selecciones de la devolución de llamada y eligen una primera y una segunda opción para presentar a su cliente.

Organizar un casting call o una audición para una sesión de fotografía de retratos es un proceso relativamente sencillo, pero es importante hacerlo de manera organizada y eficiente para obtener los mejores resultados. Aquí se comparten algunos pasos a seguir: Determina el objetivo de la sesión de fotos. ¿Qué quieres lograr con las imágenes? ¿Quieres mostrar la diversidad de la universidad? ¿Quieres destacar las actividades o los logros de los estudiantes? Una vez que tengas claro el objetivo, podrás empezar a pensar en las características que deben tener los candidatos. Elabora un anuncio o publicación del casting call. El anuncio debe incluir la fecha, la hora y el lugar de la audición, así como los requisitos para los candidatos. También es importante incluir un enlace a un formulario de solicitud o una dirección de correo electrónico para que los interesados puedan enviar su información. Promociona el casting call. Asegúrate de que el anuncio sea visible para el mayor número posible de personas. Puedes publicarlo en redes sociales de la asociaciones de una universidad, en las redes sociales propias. También puedes trabajar con organizaciones estudiantiles o clubs para promocionar la audición. Recibe las solicitudes. Una vez que cierres el plazo para las solicitudes, revisa las respuestas y selecciona a los candidatos que mejor cumplan con los requisitos. Organiza la audición. Asegúrate de que el lugar de la audición esté preparado y que tengas todo el equipo necesario. También es importante tener un plan para la audición, incluyendo las preguntas que vas a hacer a los candidatos. Evalúa a los candidatos. Durante la audición, observa las características físicas y de personalidad de los candidatos. También puedes pedir a los candidatos que realicen algunas tareas, como leer un texto o posar para algunas fotografías. Selecciona a los participantes. Una vez que hayas evaluado a los candidatos, selecciona a los que mejor representen el objetivo de la sesión de fotos.

Considera algunos consejos adicionales para organizar un casting call o audición exitoso: Sé puntual. Los candidatos deben llegar a la audición a tiempo. Sé amable y profesional. Los candidatos deben sentirse cómodos y valorados. Sé específico sobre lo que buscas. Los candidatos deben saber qué características estás buscando. Sé flexible. Es posible que encuentres a alguien que no cumpla con todos los requisitos, pero que sea perfecto para el trabajo. Siguiendo estos pasos, podrás organizar un casting call o audición exitosa que te ayudará a encontrar los mejores modelos para tu sesión de fotos.

¿Qué función tiene un agente o manager? Se trata de un profesional que supervisa a diario el avance de la carrera de un actor o modelo, mientras que los agentes lo ayudan a encontrar y asegurar oportunidades, contrataciones y audiciones. En el momento que un actor ya dispone de varios proyectos para atender se hará necesario contar con un representante, en caso contrario todavía no será oportuno. Un agente se hará necesario en el momento en que el talento se haya establecido como actor en ese mercado. En algunos mercados como México, el talento suele ser parte de una asociación profesional conocida como la ANDA. La Asociación Nacional de Actores, es una agrupación de trabajadores -sindicato independiente- formada por artistas de cine, teatro, radio, televisión, doblaje, stunt, centros nocturnos y demás ramas artísticas y del entretenimiento. En lugares como Hollywood, existen sindicatos de actuación como SAG-AFTRA es un sindicato que representa a los actores de cine y televisión, cantantes, actores de doblaje, personas influyentes, modelos, periodistas, DJ y otros artistas. Significa Screen Actors Guild - Federación Estadounidense de Artistas de Radio y Televisión, ellos poseen una lista de agentes de talento autorizados, esta organización dispone de muchos recursos, como las hojas de llamado o Call Sheet, un repositorio que contiene miles de directores de casting, agentes de talento, managers, escuelas, empresas, agencias boutique y muchos más. Las agencias pueden tener perfiles muy especializados como actores y modelos para industria de la publicidad, de las películas, fotógrafos, series de TV, etc. El hecho de ser miembro del sindicato te dará prioridad o cierta ventaja en los castings. Otro ejemplo, es la Unión de trabajadores de la moda e imagen publicitaria en Argentina. Muchos de estos sindicatos independientes de actores, a su vez son miembros de la Federación Internacional de Actores.

¿De qué trata la Call Sheet? El equipo administrativo de producción audiovisual te enviará por correo electrónico una hoja de llamado que especifica a qué hora debes estar trabajando (siempre llega 15 minutos antes), en qué lugar vas a trabajar, la información de contacto del talento y el equipo, así como otra información importante que podrás necesitar para el día de la grabación.

Un callback es una herramienta frecuentemente utilizada por la agencia de casting y los directores de un proyecto fotográfico o audiovisual para definir preliminarmente a los actores que cumplirán con un papel. En primer lugar, la Call sheet es para participar en una segunda ronda de casting donde -posiblemente- se va a tomar la decisión final. Se trata de una buena noticia, que nos dice que tu perfil personal se alinea con aquello que se está buscando en algún personaje, así que en esta nueva oportunidad trata de no cambiar mucho la forma en que te presentaste en la ronda anterior; algo les gustó y quieren confirmación. Seguramente, mostrarse fresco y original te mantendrá en el centro del radar. Nota importante: Los modelos se consideran empleados bajo algunas leyes y contratistas independientes o autónomos bajo otros marcos legales.

Para definir el perfil del talento que se demande para representar a un personaje o un modelo hay algunas variables que especifican aquello que se necesita:

Nombres y apellidos: Es la información más básica que se solicita en cualquier casting.

Edad: La edad es importante para determinar si el modelo cumple con los requisitos legales de la revista.

Altura: La altura es un factor importante en la industria de la moda, ya que las modelos suelen ser altas (Pies y metros).

Peso: El peso es también un factor importante, pero es menos determinante que la altura (Kilos y libras).

Medidas corporales: Las medidas corporales son importantes para determinar si el modelo tiene el tipo de cuerpo que la revista busca (Metros y pulgadas).

Fotografías: Las fotografías son imprescindibles para que los casting directors puedan evaluar el aspecto del modelo.

Información de contacto: La información de contacto es importante para que los casting directors puedan ponerse en contacto con el modelo si es seleccionado.

Experiencia previa: La experiencia previa es un plus, pero no es imprescindible.

Formación: La formación en modelaje puede ser un valor añadido.

Habilidades especiales: Las habilidades especiales, como el baile o la acrobacia, pueden ser útiles para algunos trabajos.

Idiomas: Si un medio publica en varios idiomas, puede solicitar que los modelos hablen varios idiomas.

Para protección y seguridad de ambas partes, te comparto un modelo de Contrato de cesión de derechos de imagen. El contrato de cesión de derechos de imagen es un documento legal mediante el cual las partes involucradas fijan las condiciones para el uso de fotografías o imágenes de una persona por un tercero. Por norma general, accede a tales derechos a cambio del pago de una suma determinada de dinero, aunque también existe la cesión gratuita de derechos de imagen (que no quiere decir que no deba llevar aparejado un contrato que marque los límites de dichos derechos de uso). Esta autorización escrita para el uso de la imagen de una persona por un tercero es importante, dado que existen multitud de  canales digitales donde las imágenes de las personas pueden llegar a circular sin control.

¿Qué fue lo que más te resultó útil de esta publicación? ¿Descubriste algo nuevo?¿Crees que ahora serás más cuidadoso con tu próximo casting call?

Qué estés bien.

Importancia de los receptores táctil-C

Hoy es uno de esos días en que me saldré de la caja y experimentaré iniciar una platica un poco fuera de lo habitual en este, tu blog favorito. Espero que lo disfrutes y que valga el riego.

¿Sabías que...? La temperatura de 34 grados Celsius de la punta de tus dedos activa una red de receptores táctil-C en tu piel. La última frontera de tu cuerpo; la piel. Posee una matriz de terminales nerviosas que en solo unos milisegundos filtra cada contacto que le alcanza a tocar. A partir de la década del 2 mil descubrimos que esta increíble red de receptores del tipo táctil-C es capaz de comprender si se trata de un contacto hostil o de contacto amistoso y agradable. Los movimientos suaves, lentos producto del contacto entre personas son entendidos como caricias y a su vez activan la sensación de placer en esa parte de la piel. En la punta de nuestros dedos y a lo largo de la piel de nuestra espalda vamos a localizar a muchos de estos receptores. 

En el año de 1995, se comenzó a estudiar esta capacidad sensorial de nuestra piel. Entonces, supimos que se trataba de un nuevo sistema, antes no conocido. Los estímulos del tacto viajan por esta red alrededor de 1-2 segundos, antes de alcanzar hasta llegar a nuestro cerebro donde finalmente son filtrados. Los receptores táctil-C se encuentran en la piel con vellos y están ausentes en la palma de la mano, las mucosas y en los genitales. Su estimulación -por caricias- activa un área del cerebro que se ha relacionado en  anteriores investigaciones con el proceso de emociones positivas.

Justo después de nacer, cuando todavía no podemos ver de manera madura más allá de los 30 centímetros. La primera caricia nos ayuda a estabilizar la respiración, a regularizar la temperatura corporal y los niveles de azúcar en nuestra sangre. Es a través del contacto físico que cada bebé comprende la diferencia entre "el yo y el otro". En su piel hay millones de receptores que producen estímulos que son vitales para el desarrollo biológico y de su desarrollo mental y emocional.  

Para lograr activar este sistema sensorial de receptores táctil-C se deben combinar algunos factores comunes como; tacto con movimiento suave, lento, temperatura idónea de 34 grados Celsius, que este contacto no sea producido por la misma persona que lo recibe. Esto sucede porque el cerebro suprime este estimulo cuando el contacto lo origino yo mismo, las caricias propias no producen el mismo estimulo que en aquel caso en que provengan desde otra persona. Esto nos afecta sobre todo cuando nos sentimos enamorados.
Cuando el cerebro define qué la sensación recibida se trata de una caricia agradable, entonces el cerebro reacciona y premia este estimulo con algo de oxitocina. Cuando la persona que recibe el estimulo está ilusionada o enamorada el premio de oxitocina que se entrega se percibe mucho más intenso. Otro factor que suele afectar esta percepción, está ligada en si la persona que provoca el estimulo agradable es parte del grupo íntimo o no. Los receptores táctil-C mandan señales de placer al cerebro cuando la velocidad de la caricia oscila entre 1 y 10 centímetros por segundo. Si la velocidad es menor o mayor, no se producirá la sensación placentera. O bien, no se activan esta red de fibras sensoriales. La mayor activación del receptor, corresponde con la mayor sensación de placer, se produce a una velocidad de 1, 3 a 10 centímetros por segundo, sobre todo y en mayor manera en la zona de nuestra espalda, donde se encuentra nuestra medula espinal y el asta dorsal y desde aquí a las interneuronas, finalmente llega a áreas del cerebro encargadas del yo social y la recompensa.

El distanciamiento social y el aislamiento producen el efecto contrario. Pues experimentamos un vacío profundo de oxitocina. Ante este déficit el cerebro va a buscar cómo compensar la falta del premio y de su efecto agradable. Lo que va provocar un incremento del cortisol; también conocida como la hormona del stress. Por eso observamos que muchas personas buscan como un substituto compensatorio la ingesta de alimentos y bebidas. Sobre todo hay una preferencia a las combinaciones de harinas, grasas y azúcar. El distanciamiento social nos ha aumentado los niveles del stress.

Cuando experimentamos un accidente y recibimos golpes u otra experiencia traumática, la reacción en automatismo que genera nuestro cerebro es sobar la piel sobre la zona afectada. Aplicamos movimientos lentos y suaves lo que en algunos segundos tiende a calmar el dolor sobre la misma zona. La eficiencia de una caricia agradable sobre una zona dolorida es más ágil y rápida que la respuesta que se obtiene de escuchar palabras de alivio. Las caricias -suaves, lentas- activan esta red de receptores táctil-C y su mensaje al cerebro bloquea los otros mensajes que también viajan al cerebro de forma síncrona, al bloquear la sensación de dolor empezamos a experimentar alivio en la zona golpeada, como un efecto analgésico.

La neurobiología del dolor, se encarga de estudiar este proceso de alivio. Pero, muy poco la del placer. Por esta razón, investigadores de la compañía Unilever y de la Universidad de Carolina del Norte, se propusieron comprobar cómo se codifican las sensaciones táctiles agradables; las caricias. A partir de un estimulador táctil robótico, que desliza un pincel sobre la piel del antebrazo de una persona con una velocidad y una fuerza que puede variar, los investigadores han comprobado que son los mecanorreceptores del tipo táctil-C, entre todos los presentes en la piel, los encargados de responder a los estímulos lentos y ligeros. Se han medido directamente las veces que se disparaban estas terminaciones nerviosas libres y la intensidad de las señales mandadas al cerebro.

En las palabras de la compañía Unilever, que produce líneas completas de productos de cuidado personal y cosmética "Esta investigación indica que estamos hechos para disfrutar del acto físico de cuidarnos", indica Francis McGlone.

¿Sabías que...? Nos tocamos la piel del rostro entre 400 a 800 veces cada día. Un abrazo afectuoso -de entre 8 a 20 segundos- posee además beneficios a largo plazo.

Curiosamente, hoy acariciamos más la superficie de las pantallas táctiles del teléfono, del tablet o del laptop, que la piel de las personas en nuestro entorno inmediato. Te deseo éxitos totales y un fuerte abrazo.

Que estés bien,

La composición visual ¿Para qué me sirve?

La composición fotográfica, es el arreglo y acomodo de los elementos visibles dentro de una fotografía. La composición fotográfica, es el lenguaje con el que se comunica la fotografía. De manera que, valiéndonos de diferentes elementos compositivos, podemos crear y dar forma al mensaje que queremos transmitir desde nuestra visión detrás de la cámara. Es la forma en que organizamos los elementos en una escena para que resulten ser atractivos para el espectador y que así puedan representar el mensaje visual del fotógrafo (emisor) de una manera efectiva, armoniosa, e impactante. Vamos a destacar -además- que sin la composición impera el caos. Nuestra mente tiende a buscar el equilibrio. Un principio básico es que las líneas rectas siempre transmitirán más tranquilidad que las líneas curvas. Por eso, conocer las reglas de la composición cinematográfica nos ayudará a transmitir las emociones deseadas. Saber Observar para buscar la mejor vista de una escena y encontrar el instante contundente. Saber Crear para agrupar y ordenar todos los elementos visuales consiguiendo que la imagen tenga un mayor impacto en nuestro espectador. La composición visual determina el propósito y el significado de la creación visual. Además, guía la lectura del observador. Para esto no hay estructuras o recetas universales. Sin embargo, existen reglas compositivas que conviene saber utilizar para conseguir transmitir al espectador lo que se busca.

El mismo acto fotográfico, es un acto de selección y discriminación de tiempo y espacio. Las leyes de composición nos ayudan a jerarquizar los elementos de nuestra imagen poniéndolos en relación con otros con el fin de elaborar un discurso visual. Por tanto, fotografiar es decidir y en estas elecciones proyectamos nuestro pensamiento visual y nuestra forma de entender el mundo.

Para comunicarnos eficazmente a partir de imágenes fotográficas es esencial conocer y saber aplicar todos los conceptos básicos de la composición fotográfica, incluidos los principios y técnicas de composición, para poder comprender el lenguaje visual y usarlo favorablemente.

Aplicación de la regla de los tercios en paisaje.

La regla de los tercios o la ley de los tercios nos ayudará a mostrar armonía entre los elementos. No facilitará establecer jerarquías, definir que tiene mayor importancia, dirige el viaje de la mirada del observador. Como hemos venido platicando en otras publicaciones la regla de los tercios nos desaconseja utilizar los elementos principales en el centro para evitar que estos aparezcan como un obstáculo entre el observador y el fondo. Para algunos fotógrafos la ley de los tercios nos agrega mayor fuerza y energía, evita la imagen plana agregando profundidad a esta.

Bust shot o Medium close shot.

Existen tres grupos de valores de plano, según su tamaño. De forma general podemos hablar de planos generales (planos abiertos o descriptivos), planos medios (narrativos o intermedios) y primeros planos (planos cortos o expresivos). Dentro de cada uno de estos grupos, hay 3 tamaños diferentes, para concretar aún más la porción de figura humana que marcará sus límites.

Full shot o plano entero.

El plano entero (Full shot) es el encuadre donde los límites superiores e inferiores coinciden con la cabeza y los pies del sujeto, dejando un poco de aire por arriba y por abajo. El entorno sigue siendo importante, pero la figura humana ya es perfectamente reconocible, y vemos todo lo que hace con su cuerpo.

Western shot o plano americano

Los planos intermedios o narrativos (Medium shot, western shot, medium close shot y bust shot) muestran las actividades que desarrollan los modelos o personajes. En estos tamaños de plano intermedios ya podemos ver lo que esa persona hace con su cuerpo. La figura humana va tomando presencia, pero también podemos mostrar parte del entorno.

Primer plano o close up.

En este tipo de planos cerrados o primeros planos (close up, big close up, extreme close up) vemos la expresión de los personajes: sus emociones y sentimientos. Este tipo de plano corto recoge el rostro y los hombros. Sirve para mostrar las emociones del personaje, y ya nos olvidamos del entorno. Generalmente, se suelen realizar con teleobjetivos, o al menos con objetivos de distancia focal larga, que aíslan el rostro y desenfocan el fondo producen el efecto bokeh, reduciendo así el ancho del rostro, y se tiende a parecer más delgado.

Close up con hombro y espalda.

Cuando mezclamos la regla de los tercios con los valores de plano, como por ejemplo con un primer plano (close up) será muy valioso que hagas coincidir los ojos de la persona primera línea horizontal fortaleciendo la intensión del centro de interés; la que separa el primer tercio superior del tercio central.

Retrato con la ley de tercios aplicada.

Retrato con aplicación de la ley de la mirada se dirige fuera del cuadro.

Retrato con ley de la mirada. Contacto visual directo con la cámara.

Ley de la mirada: La modelo mira directamente al fotógrafo, en ese instante
establecen una relación que incluirá al observador.

Lo que vamos a evitar será colocar los ojos sobre la línea horizontal que pasa por el mismo centro del rectángulo de nuestra relación de aspecto. Otra consideración o alternativa, será que los ojos de la persona (centro de interés) queden dentro del tercio superior y cuida que el aire sobre su cabeza no resulte estar sobredimensionado o exagerado.

Primera opción colocar la mirada justo en la línea del primer tercio.

Segunda opción, coloca la mirada dentro del primer tercio superior.

La ley de la mirada consiste en respetar la dirección en la que un modelo, ya sea humano o animal, dirige su vista. Es decir, al momento de componer los elementos en un retrato, se recomienda dejar más espacio por delante del modelo (aire) que el aire detrás de sí. Se trata de permitir a la mirada respirar y desarrollarse. Es una de las principales reglas de composición fotográfica trata de respetar la dirección en la que el modelo de nuestro retrato mira. Es decir, que al momento que el fotógrafo encuadra un retrato, deberemos dejar más espacio por delante del sujeto que  atrás de este, independientemente de lo amplio o estrecho que sea el encuadre general o del resto de elementos que acompañen a nuestro sujeto en la imagen.

Así se logra dotar de fuerza expresiva al personaje que aparece en nuestra imagen. Respetando su mirada conseguiremos agregar mayor interés a la acción que hace el protagonista; mirar u observar. Si respetamos esta básica regla de composición, captaremos la atención de todo aquel que observe la imagen sobre qué es lo que el sujeto está mirando y, si la composición de nuestra fotografía está bien realizada, provocaremos que el auditorio de la imagen busque en ese espacio, aunque esto que busca no aparezca en la fotografía. Siempre y cuando, la mirada del modelo observe hacia afuera del rectángulo -fuera de cuadro- la posición del observador será la un observador anónimo, la alguien que espía a otros, la de alguien que observa sin ser visto. 

Al hacer lo opuesto, al dejar aire por detrás de la persona o animal que observa algo. Lograremos que se perciba que este ha rechazado algo. Si dejas más espacio por la zona trasera de tu sujeto, dará la sensación de que este está dándole la espalda a algo, de que está rechazando algo, de que se está alejando o huyendo. Si necesitas transmitir estos sentimientos en una fotografía, el hecho de romper la regla de la mirada cumplirá con este otro propósito. La ley de la mirada sí se trata de una regla prácticamente universal. Si nuestro personaje mira a la derecha debemos dejar aire a la derecha; si nuestro personaje mira a la izquierda, el aire estará en la izquierda.

Hacer contacto visual con la cámara y con el observador.

Hacer contacto visual. Cuando el modelo (centro de interés) no dirige su mirada hacia afuera del rectángulo, no está haciendo contacto visual con el fotógrafo, ni con el observador. Cuando se dirige la mirada en dirección a la cámara resulta que manifiesta conciencia acerca de la presencia y existencia del fotógrafo. Y además, de la persona que está observando la fotografía. En el primer caso, el fotógrafo y el modelo han establecido una relación directa, posiblemente de solo un instante, pero una relación a final de cuentas. Significa -también- en el segundo caso, que el modelo me está mirando a mi a través de la fotografía, así también se establece una relación en la que el observador pasa a formar parte de la historia y de la escena que nos muestra la cámara. Todos los observadores que acudan a un encuentro con esta fotografía van a experimentar una relación directa con esta foto. Yo te miro y tú me miras, y ambos lo sabemos.

¿Qué sucede cuando el modelo observa algo que también está incluido dentro del cuadro? En este caso estamos narrando una historia completa, hay un final cerrado.  Haremos una conexión entre los ojos del modelo que observa y aquello que es observado. Lo que puede jugar a nuestro favor pues conectamos estos dos centros de interés y dirigimos la ruta del observador entre dos puntos dados.

La otra posibilidad es aquella en la que la mirada del modelo no resulta claramente dirigida. Como al mostrar un animal o a una persona de espalda completa, solo sabemos que no me observa a mí, más no sabemos con certeza qué observa.

Practica, vuelve practicar, sigue practicando, y cada vez que te sea posible vuelve a practicar. Esforcémonos en  evitar que nuestros encuadres parezca bidimensional. Por el contrario procuremos transmitir profundidad y movimiento. Para lograrlo incluyamos líneas de fuga o con la colocación de objetos dentro del plano (unos delante, otros detrás) para transmitir la sensación tridimensional (alto, ancho, profundo) que buscamos.

En la medida que tus competencias compositivas maduren y vayan convirtiéndose en algo intuitivo y orgánico tu conciencia visual va a aumentar. Es decir, pronto aprenderás a identificar fácilmente aquellas situaciones en donde las diferentes reglas pueden ser aplicadas. Cuando menos lo esperes ya estarás tomando fotos con tu mente y haciendo composiciones mentales de forma ágil.

Descubre también otras publicaciones similares acerca de la composición visual y la simetría, la regla de los tercios, las líneas, la curva de la belleza, zona áurea y ritmo visual.

Que estés bien,