14 diciembre 2012

Zona de protección del logotipo.

La comunicación efectiva de la marca inicia con el naming (denominación o nombramiento) que es básicamente la selección del nombre audible que identificará a la marca,  en esta etapa del branding nos debemos asegurar que ese nombre que identificará audiblemente al producto, servicio o ente (institución u organización) sea atractivo y que provea de valor o significado a quien lo escuche, esto es, que suene bien y cause una primera buena impresión. Adicionalmente, su fonación o pronunciación debe ser fluida, no debe escucharse de una forma confusa; deberá sonar de una única manera, así el consumidor se sentirá satisfecho de poder mencionarla repetidamente y sin problemas.
El origen del área de protección o espacio circundante mínimo de un logotipo no se le atribuye a un único inventor, sino que su génesis se encuentra en los paradigmas del modernismo europeo, particularmente en los preceptos de la escuela Bauhaus. Durante las décadas de 1920 y 1930, el diseño funcionalista resemantizó el espacio negativo, pasando de ser un mero vacío a un componente activo y estructural dentro de la composición. La adopción de sistemas de retícula (grid systems) por diseñadores como Herbert Bayer sentó las bases metodológicas para tratar el espacio como un elemento medible y deliberado, estableciendo así el fundamento intelectual para que, más adelante, la separación espacial de un logotipo se considerara una necesidad funcional y no una simple preferencia estética. La codificación de este principio en una norma técnica y mensurable se materializó durante la expansión corporativa de la posguerra, entre las décadas de 1950 y 1960, un periodo que demandaba la creación de sistemas de identidad visual consistentes y escalables. En este contexto, la figura de Paul Rand emerge como un pionero fundamental. A través de sus influyentes trabajos para corporaciones como IBM (1956) y Westinghouse, Rand no solo diseñó logotipos, sino que instrumentalizó su aplicación mediante los primeros manuales de identidad rigurosos. Fue él quien, de manera más notable, formalizó la práctica de definir el área de respeto basándose en una unidad modular extraída del propio logotipo, transformando una intuición compositiva en una directriz prescriptiva y replicable. Contemporáneos como Chermayeff & Geismar (Chase Bank, 1960) y Massimo Vignelli consolidaron esta praxis, convirtiendo el manual de marca en el vehículo canónico para la gestión de la integridad visual.
Para la década de 1970, la práctica ya se había institucionalizado como un estándar ineludible en el diseño de identidad corporativa profesional. El emblemático Manual de Estándares Gráficos de la NASA de 1975, diseñado por Danne & Blackburn, representa la culminación de esta evolución, exhibiendo un nivel de detalle normativo que solidificó el área de protección como un componente no negociable del sistema. De este modo, lo que comenzó como un principio de orden visual modernista, transitó a través de la praxis de diseñadores visionarios para finalmente establecerse como un axioma técnico en la disciplina del branding, garantizando la legibilidad, la autonomía y la consistencia del signo marcario en cualquier contexto de aplicación.

Para una marca como Braun, cuyo ADN está definido por el funcionalismo, el orden y el minimalismo bajo la legendaria dirección de diseño de Dieter Rams y sus predecesores de la Escuela de Ulm (Hochschule für Gestaltung Ulm), el espacio negativo no es un vacío, sino un componente activo y esencial del diseño. La implementación de un área de respeto para su logotipo no fue una simple adhesión a una tendencia de branding, sino la aplicación de sus propios principios de diseño de producto a su identidad visual. El famoso lema de Rams, "Weniger, aber besser" (Menos, pero con mejor ejecución), se refleja perfectamente en la necesidad de que el logotipo respire, libre de interferencias visuales que comprometan su claridad y función. El sistema de identidad de Braun, desarrollado por diseñadores como Otl Aicher y Wolfgang Schmittel, fue pionero en la codificación sistemática de la marca. En sus manuales de identidad, el logotipo de Braun, con su tipografía simple y su icónica "A" más grande, se presentaba con reglas de uso extremadamente precisas. El área de protección se calculaba, como es la norma profesional, a partir de una medida interna del propio logotipo, muy probablemente utilizando la altura de una de las letras estándar (como la 'N') como unidad de medida (X). De este modo, se garantizaba que, sin importar el tamaño o la aplicación, el logotipo mantuviera siempre su integridad, orden y legibilidad, proyectando la misma racionalidad y calidad que sus productos. El caso de Braun es un ejemplo magistral de coherencia de marca. La adopción del área de protección no fue una decisión de marketing aislada, sino una manifestación intrínseca de su cultura de diseño.
Representa la praxis de la escuela de diseño alemana, donde la claridad, la estructura y la función son principios no negociables que se aplican con el mismo rigor tanto al diseño de un producto tangible como al de un activo intangible como el logotipo.

Logotipos invadiendo la zona de protección
Verifiquemos que en su forma escrita la palabra -marca- tenga balance simétrico y equilibrio, que no exista confusión sobre su escritura o ambigüedad; que no posea una inusual estructura, el nombre nos hace recordar un saber común, posee una cualidad única, posee un trasfondo, significado o correlación directa o indirecta, está fundamentado en un valor, es este fácilmente memorable, que evoca este nombre; sentimiento, juguetón sofisticado, etc. Actualmente, el registro de marca audible ya está disponible en algunos países a través de los Institutos de la Propiedad y oficinas de Registro de marcas.

Paso seguido convertiremos esa marca audible a un elemento gráfico. Ahora pasará al mundo de las imágenes gráficas y deberá de ser útil para aplicarse a técnicas varias de impresión tradicional, off-set y digital. En este paso avanzamos en seleccionar una/varias fuentes tipográficas -negras de preferencia para dar inicio a este proceso- y se escribe ese nombre/marca hasta definir cuál será la mejor opción creativa y funcional de escribir y leer la marca. Ahora pasamos a seleccionar el color que le viene mejor a la marca escrita, en algunos casos también corresponde definir color de fondo y color del texto, y hasta la textura, pero dejaría mejor dejar la aplicación de las texturas para más adelante.
Al contar con la tipografía correcta, el color y el nombre hemos completado el Logotipo y nos queda un importante ingrediente que agregar, área o zona de protección, área de respeto o también llamada espacio circundante mínimo.

Esta es otra versión humorística de la anatomía de la tipografía.
Se trata de una zona o área visual neutral libre que rodea a las "letras del texto" del logotipo y que protege a este de ser contaminado visualmente o ser invadido por algún otro elemento gráfico que perturbe o irrespete su integridad, esta zona preserva y mantiene la integridad visual del logotipo determinando la distancia mínima entre el logotipo y cualquier otro elemento gráfico próximo asegurando así la claridad de la identidad gráfica. Es algo parecido a lo que los sociólogos suelen llamar el espacio vital o íntimo; aquel en no dejamos entrar a nadie sin autorización o consentimiento, en este caso no se permite penetrar esta área a ningún elemento que puede ser una distracción y que afecte o compita en atención con la marca. En inglés también es llamada safe area, clear spacearea of isolation o también comfort zone. Sus funciones técnicas más destacadas son:
Garantizar la legibilidad e identificación: Al aislar el logotipo de otros elementos visuales, se asegura que sea claramente visible y reconocible al instante, sin "ruido" que compita por la atención del espectador.
Preservar la integridad visual: Evita que el logotipo sea modificado, recortado, solapado o visualmente "aplastado" por otros componentes del diseño. Esto mantiene su forma y proporción tal como fue diseñado.
Asegurar la consistencia de marca: Establece una regla fija y no negociable que se aplica en todos los soportes y contextos (web, impresión, merchandising, etc.). Esta consistencia fortalece la identidad de la marca y proyecta profesionalismo.
Altura X (x-height)
Para calcular de la manera correcta este espacio vamos a regresar atrás a la anatomía de la tipografía y pondremos especial atención en la medida conocida como la altura X, se trata de la altura de la letra "o" minúscula que aplicamos al logotipo -sea que este lleve o no lleve una letra "o" en el nombre- y construiremos un margen o línea guía que rodee o circunde a nuestro logotipo con esta medida (la altura X), ahora bien la imagen gráfica no solo la hace el logotipo.
Este va acompañado de una pieza gráfica a modo de emblema que suele inspirarse en elementos de la naturaleza -creación- o bien en una composición estéticamente armónica con base en elementos alfanuméricos o elemento representativo de una región o localización. Al integrar a esta figura (imagotipo, isotipo o emblema) al logotipo y mejor si se incluye el slogan tendremos un logopack le protegeremos con un área circundante de protección que le rodee con la medida de la altura X. Avancemos en el siguiente orden:
Identificar el elemento de medida: Se elige un elemento distintivo y fácilmente medible del logotipo. Las opciones más comunes son:
La altura X de una letra mayúscula (ej. la 'N' de "NIKE").
La altura X (la altura de una letra minúscula sin ascendentes ni descendentes, como la letra O).
El ancho o alto de un símbolo o isotipo (ej. el ancho de uno de los círculos de Audi o la altura de la manzana de Apple).
El grosor de un trazo principal.
Definir la unidad de medida (X): A esa medida seleccionada se le asigna el valor "X". Esta "X" se convierte en la unidad modular para construir el área de protección.
Aplicar la Regla: Se establece una regla que define el área de protección en múltiplos o fracciones de "X". La regla más común es que el área de protección sea de 1X en todos los lados (arriba, abajo, izquierda y derecha).
Logotipo invertido dentro de una caja o placa azul con su zona de protección.

Aunque las proporciones de algunos logotipos y emblemas suele ser muy contrastada y obligan a romper esta guía para lograr integrarlas,  procuremos guardar este orden en la medida de lo posible para obtener una imagen gráfica armónica y ordenada.

Toda esta información técnica no se deja a la memoria o a la interpretación. Se documenta formalmente en el Manual de Identidad Visual Corporativa (Brand Guidelines / Style Guide). En este documento, se deberá de incluir un diagrama claro.
El logotipo.
El elemento elegido como unidad de medida (X).
La representación gráfica del área de protección, a menudo con líneas punteadas y la etiqueta "X" o "3X" como utiliza Volvo para indicar la dimensión.

Disfruta también, visitando Logotipo, 10 tips que ayudan y Fuentes tipográficas digitalesEspero te resulte útil, que estés bien. Antes de finalizar te invito nuevamente a compartir con tus amigos de las redes sociales este artículo, y dejarnos una calificación para saber tu nivel de satisfacción, o mejor regala un ME GUSTA. Éxitos totales.







El autor de este post es publicitario, creativo y productor audiovisual y ha incursionado exitosamente como docente universitario para el Instituto de Mercadotecnia y Publicidad de México, así como en la UNITEC en Honduras desde hace más de veinte años. Es asesor publicitario independiente, redactor de artículos sobre publicidad, conferencista y blogger.

05 diciembre 2012

Marcas globales más admiradas en 2012



La imagen de marca y el valor de ésta se construye y se desarrolla.

Un gran año para muchas marcas, el año 2012 de la era cristiana dejó tras de sí una estela de marcas que supieron potenciar su arquitectura y crecer en medio de un demandante mercado global lleno de crisis, de economías estancadas, desempleo y de oportunidades para quienes saben aprovechar y se preparan para alcanzarlo.


Interbrand ha mostrado ya sus mejores 100 marcas globales del año, y la lista de la primeras 10 marcas globales queda de la siguiente manera:
  1. Coca-Cola.
  2. Apple.
  3. IBM
  4. Google.
  5. Microsoft.
  6. GE
  7. McDonald's.
  8. Intel.
  9. Samsung.
  10. Toyota.


Para BandZ su lista de las marcas más valiosas ha quedado integrada de la siguiente forma:
  1. Apple.
  2. IBM
  3. Google.
  4. McDonald's.
  5. Microsoft.
  6. Coca-Cola 
  7. Marlboro.
  8. AT&T
  9. Verizon.
  10. China Mobile.
La lista de Brand Finance incluye a algunos viejos conocidos que mantienen posiciones parecidas al año anterior:
  1. Apple.
  2. Google.
  3. Microsoft.
  4. IBM 
  5. Walmart.
  6. Samsung.
  7. GE
  8. Coca-Cola.
  9. Vodafone.
  10. Amazon
La lista de Fortune CNNMoney y su Top Ten ha quedado en 2012 de esta forma:
  1. Apple.
  2. Google.
  3. Amazon.
  4. Coca-Cola.
  5. IBM
  6. FedEx.
  7. Berkshire Hathaway.
  8. Starbucks
  9. P&G
  10. Southwest Airlines.
El reto es construir marcas fuertes.

Esperamos que 2013 traiga mucha prosperidad para todos y que las marcas de nuestra región alcancen a ingresar entre las listas de los primeros diez lugares de las mejores marcas globales.

Que estés bien.

Mauricio Pineda


El autor de este post es publicitario, creativo y productor audiovisual y ha incursionado exitosamente como docente universitario para el Instituto de Mercadotecnia y Publicidad de México, así como en la UNITEC en Honduras desde hace más de veinte años. Es asesor publicitario independiente, redactor de artículos sobre publicidad, conferencista y blogger.


29 noviembre 2012

El hombre se alimenta de pan y sueños: Star strategy

Star strategy. Se trata de una estrategia publicitaria para aplicar en campañas de publicidad, que consiste en presentar una estrella -celebrity- en situación de uso o recomendación del producto. Uno de los peligros de la "estrategia de la estrella" está en que el personaje famoso suele eclipsar el producto, en cuyo caso la audiencia recuerda haber visto a la celebridad, pero no pueden recordar claramente la marca ni el producto. Como una alternativa de las soluciones creativas de la comunicación se propone que para crear el contenido del mensaje debe basarse en "la personalidad de la marca", y que ésta está definida por:
Un físico: Propiedades materiales o funciones que determinan lo que el producto hace. Un carácter: Valores y asociaciones que transmiten la naturaleza profunda de la marca. Es duradero y debe estar presente en todas las campañas. Un estilo. Que se traduce en un lenguaje específico utilizado en todos sus mensajes al puro estilo del star-system de la industria del cine de Hollywood.
Jacques Séguèla de Euro RSCG creador de la Star Strategy.

La propuesta procede de la agencia fundada en Francia bajo el nombre EuroRSCG en el año de 1968. A diferencia de las estrategias USP, esta no nos aconseja basarnos en un único aspecto físico o característica tangible del producto. Más bien, responde a la idea de que las personas eligen los productos o cualquier cosa en base a su personalidad, y no por una característica física. Se refiere a un modelo publicitario mediante el cual se le da una dimensión afectiva al producto, más allá de sus características funcionales puras. Se trata entonces de otorgarle personalidad a la marca.
Las actrices o productoras de cine aportan su glamour a la marca.

Este modelo de estrategia creativa de EuroRSCG -Star Strategy- surge allá en los años los sesenta y ochentas, lo implanta Jacques Séguèla, quien además agregó que “El hombre se alimenta de pan y de sueños.” Y hasta ahora esos sueños se los suministra fundamentalmente la industria del cine. Séguèla, propone que esos anhelos se los suministre la publicidad, en lugar de actores y actrices (celebridades del cine o cultura), ahora tendremos marcas convertidas en celebrities.
Este método de estrategia de comunicación para el branding apunta a aumentar el valor intrínseco de los productos y no solo a promocionar su compra.
Según su autor, en esta época, la publicidad que sí funciona no se centra en una característica tangible y en repetir la marca con alta frecuencia. Los tiempos han cambiado. Atrás quedaron los días en que se trataba de invitar a los hogares a equiparse. El desafío ahora es alentarlos a repetir el acto de compra. Para lograr este resultado, la publicidad ya no puede contentarse con prometer (la satisfacción de un deseo) y martillar (el nombre de la marca).
Debe ir del valor de uso al valor de la imagen. Sin duda, debe mejorar el "físico", es decir, el rendimiento del producto. Pero también debe sublimar su "estilo" al repensar, si es necesario, su diseño e inculcarle un "carácter", es decir, valores en los que el comprador quiera reconocerse a sí mismo.
En otras palabras, el método Séguèla funciona en dos etapas: Primero, convierte al producto en una persona y segundo; pasa a ser una súper estrella. En ciertos casos, incluso si eso significa poner a una celebridad al servicio del producto. En cuanto a Woolite "recomendado" por Romy Schneider, Catherine Deneuve, Sylvie Vartan, etc.
Objetivo: Permitir al consumidor expresar y mostrar, su personalidad a través de su estilo de consumo. La ambición de la "star strategy" suena obvia. Está en línea con el espíritu de los años ochentas marcado por la rehabilitación de la empresa, la promoción del éxito y la "cultura joven" de Jack Lang. La star strategy es método sin riesgo comercial excesivo. Y con menos limitaciones para las personas creativas. No se trata de desvanecerse detrás del producto. La publicidad es el resultado de una coproducción: La de la marca (que recordamos es una persona) y la del anunciante (que es una marca, o al menos parte de la marca de su agencia).

Charlize Theron, actriz cuya imagen promociona varias marcas .
OMO lava más blanco” esta comparación con la ideal resultó ser un gran slogan. ¿A quién pudiera interesarle un detergente que sólo lava y punto? Hay que prometer algo más y ese algo se encuentra en los sueños de los consumidores, una aspiración común. Vamos a sacar partido de la larga y exitosa experiencia de la industria del cine de Hollywood (Star-System), tomar una marca con personalidad y convertirla en una súper estrella de cine o celebrity.
Las marcas de lujo asocian el glamour de estrella de cine a sus artículos de lujo.

Las nuevas estrellas ahora son las marcas. Será como darle al producto el tratamiento que daríamos a una estrella de Broadway o de Hollywood al entrar al escenario espectacularmente en un musical, o como cuando en la historia de La Guerra de la Galaxias celebramos a los héroes de la historia con música de orquesta, fanfarrias con un desfile, fiesta, etcétera.
Para algunos sectores este spot resultó no ser muy grato, pero es un buen ejemplo.

Es una historia simpática de  un reencuentro.


Si en lugar de contar con una sóla estrella reúnes a dos, será excelente.
La star strategy también se aplica al asociar la marca con un personaje muy famoso -celebrity- pudiendo ser en este un héroe deportivo como Pelé, Maradona, Messi, CR7, o un actor muy famoso, un personaje de la cultura con gran prestigio en el mercado que se busca captar, hoy día la presencia de algunas Top Models producen este efecto potenciador de ventas y posicionamiento en mercados emergentes, destaca como una campeona en este terreno la imagen de Gissele Bündchen de Brasil. La imagen de un celebrity asociada a un producto tiene de hecho un aura que tranquiliza y convence. Agrega una dimensión emocional a las características funcionales del producto. Al atribuirle por asociación un aura de celebridad el producto ahora es una persona con influencia, dándole carisma, carácter, estilo y un fuerte atractivo humano para corresponder a los valores por los cuales el comprador desea reconocerse a sí mismo.

Qué estés bien.









El autor de este post es publicitario, creativo y productor audiovisual y ha incursionado exitosamente como docente universitario para el Instituto de Mercadotecnia y Publicidad de México, así como en la UNITEC en Honduras desde hace más de veinte años. Es asesor publicitario independiente, redactor de artículos sobre publicidad, conferencista y blogger.



27 noviembre 2012

Fotógrafos de fashion.

La fotografía de moda es un género en sí mismo, es parte de la fotografía comercial publicitaria. La mejor forma para conocer a los fotógrafos de moda o fashion y la manera en que estos abordan cada retrato o proyecto será observando y analizando sus logros, los actuales y sus archivos históricos para formarnos un horizonte mucho más amplio, descubrir que existen puntos de vista distintos de tratar el producto de un diseñador(a) de ropa, el entorno, a la y el modelo, la iluminación, el maquillaje, los colores, la forma, los ejes de composición, la silueta, las texturas, lo estilístico, la elegancia,  la libertad, lo vulgar, lo futurista, lo clásico, la época, la geografía, la cultura, la sorpresa, el impacto visual, la controversia, los valores, los antivalores, la propuesta creativa, el mensaje, el contenido, el marco, el soporte, en fin hay que tomar en cuenta varios criterios antes de definir que hacer, diseñar y visualizar la nueva propuesta para el proyecto que sigue. [Recomiendo abrir los enlaces provistos aquí para obtener el máximo aprovechamiento de los recursos multimediales e integrar la idea global].
Primera modelo de modas Virginia Oldoini.
Origen. Se considera que el primer fotógrafo de modas fue Pierre-Louis Pierson, y la primera "modelo" de fashion fue la Condesa Castiglione; Virginia Oldoini de quien éste último produjo 288 retratos fotográficos posando con sus vestidos de la corte, y de esta colección de fotografías se publicó un libro en el año 1856. 
Virginia Oldoini, fue una mujer muy célebre en su época por ser considerada por muchos nobles y reyes  europeos como la mujer más bella del mundo. Su biografía ha inspirado al menos 4 películas; una italiana en 1942, otra franco-italiana en 1954, una más de la RAI en 2006 en dos partes (Ver parte I) (Ver parte II), y también hay un corto británico de 13 minutos llamado "La comtesse de Castiglione" del año 2000.
Fotógrafo: Adolph de Meyer. Modelo: Jeanne Eagles.
Para muchos el fotógrafo francés Adolph de Meyer -1868 a 1949- es el padre de la fotografía de moda moderna en Estados Unidos, se le conoció como el Barón de Meyer y también "el Debussy de la fotografía". Lleva el estilo Pictorialista a la fotografía de moda. Quien evitaba los contornos marcados por contraste y envolvía las figuras con telas suaves y transparencias. Solía trabajar con un objetivo Pikerton-Smith que desenfocaba los bordes y mantenía el foco en el centro. Adicionalmente colocaba un filtro de gasa de seda que suavizaba los bordes duros. Emil Otto Hoppé, fue otro fotógrafo contemporáneo de Adolph de Meyer que agregó sencillez, pulcritud y elegancia a sus proyectos. 

Sesión de fotografía editorial VS Canadá.
Se trata de un género fotográfico dedicado a ilustrar vestuario, ropa, y otros artículos o accesorios relacionados con la industria de la moda. Inicialmente la ilustración se hacía de la mano de ilustradores o artistas de modas. La fotografía de modas se desarrolló paralelamente con el siglo XX, se originó en París, al igual que la alta costura. En el inicio, las modelos eran las esposas de los propios diseñadores o mujeres distinguidas que deseaban lucir sus vestidos.
El París de 1880 es una década vibrante en cambios sociales y estilos de vida. Los deportes femeninos empiezan a promover vestuarios más cómodos. Algunas sastrerías se valen de las "retrato tarjeta de visita" de André Adolphe Eugène Disdéri para su promoción; como el caso del estudio de fotografía Reutlinguer, en el Boulevard Montmatre. En 1892, el periódico La mode practique publicó su primera imagen de moda a partir de una fotografía.
Portada de La Mode Practique dibujada a mano.
El retoque a mano con pinturas fue la tendencia de (1891) La Mode Pratique, periódico donde aparecen publicadas las primeras fotografías de moda. Puedes disfrutar de un interesante vídeo sobre la historia de la fotografía de modas, hacer click aquí.

Edward Jean Steichen (1879-1973), tendía a alejarse del Pictorialismo y a aproximarse al Modernismo. Adoptó el uso de la iluminación artificial en sus proyectos. Entre sus modelos se incluyen a Marion Morehouse y Martha Graham. Otro fotógrafo de la época, George Hoyninguen-Huené mezclaba eficazmente elementos del modernismo y del neoclasicismo. Destacaba la figura humana clásica y hasta dejó de lado el rostro de la modelo como en retratos para la modelo Toto Koopman. Alekséi Brodóvich, quien nació en Rusia en 1898, desarrolló el actual diseño editorial y maquetación de las revistas de moda que se utiliza hasta nuestros días con fotos que rebasan toda la página. Martin Munkácsi, nacido en Hungría en 1896, destacó las líneas deportivas del "listo para usarse" en contraposición a la alta costura. Adoptó conceptos del Realismo, sus modelos corrían por la playa, patinaban, practicaban deportes, eran saludables, reflejaban actitudes informales. El Surrealismo, llegó de la mano de varios fotógrafos; como Man Ray, Erwin Blumenfeld y Ceil Beaton. Realismo, el realismo fue un movimiento que se centraba en liberar la imaginación y obtener fotos que reflejasen la creatividad y la libertad. Década de 1940, este periodo fue un paréntesis para la fotografía de moda debido a la Segunda Guerra Mundial. Década de 1950, a partir de principios de los años cincuenta, se vuelve al movimiento de liberación y optimismo en la fotografía de moda. Durante este periodo se experimentó un aumento en la publicidad de productos que favoreció a la fotografía. Década de 1960, es cuando se considera que el arte y la fotografía deben ir unidos de la mano y se comienzan a analizar de manera conjunta. Durante este periodo se desarrolla el pop art y el realismo mágico, creados años antes. Década de 1970, en esta época, los fotógrafos de moda buscan la participación del espectador y mejorar la narrativa detrás de las imágenes. Década de 1980 hasta la actualidad, a partir de los años ochenta, la invasión de la publicidad ha influenciado la sociedad y la foto de moda. Ahora las fotografías de moda se centran en la creatividad y la narración de historias detrás de una marca o producto.

La fotografía de moda es una especialidad dentro de los retratos, se trata en sí misma de un producto comunicacional cuyo objetivo es exponer, a través de imágenes bidimensionales, una variedad de estilos de ropa, zapatos, joyas, accesorios, peinados y cosméticos para la comercialización. Generalmente, podemos observarla como contenido de las revistas de moda y belleza o en avisos publicitarios. La idea de esta técnica de fotografía es exponerlas y visibilizarlas al público, ya que su objetivo principal es despertar el deseo en el consumidor para así vender los productos que aparecen en dichas imágenes. La fotografía de moda consiste en reflejar la ropa, los accesorios y la cosmética en un estilo particular y original. Es proyecto multidisciplinar, es decir, que debes tener un amplio conocimiento de fotografía publicitaria y de retrato, a la vez que de otros factores como la iluminación. La fotografía de moda demanda saber trabajar en equipo, ya que no solamente estará presente el modelo, sino seguramente también, otros colaboradores del crew como un estilista o maquillador.

Estas fotografías son publicadas, a menudo, en piezas publicitarias gráficas y aparecen como publicidad o contenidos en revistas especializadas para damas o de la industria de la moda, como Vogue, Bazaar o Elle, es aquí donde la fotografía de moda tomar mayor fuerza en los años veintes. Puedes también disfrutar de un vídeo sobre la historia de la moda, hacer click aquí.

La fotografía de moda es un espejo de una sociedad idealizada según los valores adoptados en cada época, y transmite la noción del lujo y el bienestar. Los modelos posan ante la cámara en un escenario cuidadosamente planeado mientras el fotógrafo se convierte en verdadero artista que transmite emociones a través de telas, cortes y colores. La fotografía de moda tiene la intención de, por un lado, persuadir la atención visual del público. Y por otro, incentivar el deseo de compra, así como otros tipos de fotografía. En la mayoría de los casos, este tipo de fotografía acude a fotografiar modelos para mostrar el accesorio, la prenda o la tendencia de ropa que desea exhibirse.
Las musas inspiran a los fotógrafos.
En esta oportunidad en los Pensamientos Maupinianos sólo voy a compartir un breve listado de fotógrafas y fotógrafos que seguramente te podrán ayudar a descubrir nuevas formas de observar la moda y el trabajo de los fotógrafos. El orden dispuesto en la lista no tiene ninguna relación de jerarquía; éste es más bien aleatorio, para organizar de manera cronológica la historia de la fotografía de moda puedes ver una línea de tiempo que te facilitará, también recuerda hacer click sobre cada nombre y abrir los enlaces de la siguiente lista:
Avedon rompió el molde de la fotografía de moda y le imprimió una visión diferente.
  1. Jules Séeberger.
  2. Adolph de Meyer.
  3. Martin Munkacsi.
  4. Horst Paul.
  5. Man Ray.
  6. Irvin Penn.
  7. Ellen Von Unwerth.
  8. Steve Hiett.
  9. Richard Avedon.
  10. Guy Buordin.
  11. David Lachapalle.
  12. Helmut Newton.
  13. Albert Watson.
  14. Bill Silano.
  15. Ara Gallant.
  16. Herb Ritts.
  17. Matthew Rolston.
  18. Ruven Afanador.
  19. Mario Sorrenti.
  20. Patrick Demarchelier.
  21. Russell James.
  22. Steve Meisel.
  23. Nick Knight.
  24. Paolo Roversi.
  25. Deborah Turbeville.
  26. Bruce Weber.
  27. Andrea Giacobbe.
  28. Bill King.
  29. Sarah Moon.
  30. Peter Lindbergh.
  31. Jean-Baptiste Mondino.
  32. Tyen.
  33. Karl Lagerfeld.
  34. Annie Leibovitz.
  35. Mario Testino.
  36. Markus Klinko.
  37. Antoine Verglas.
  38. Claus Wickrath.
  39. Steve Landis.
  40. Peter Gowland.
  41. Patric Shaw.
  42. Serge Barbeau.
  43. Béla Adler y Salvador Fresneda.
  44. Alfonso Ohnur.
  45. Sergi Pons.
  46. Outumuro.
  47. Antoni Bernad.
  48. Miguel Reveriego.
  49. Eugenio Recuenco.
  50. José Manuel Ferrater.
  51. Txema Yeste.
  52. Javier Vallhonrat.
Diagrama de iluminación en estudio


Ahora que hemos logrado observar desde varios ángulos la evolución que ha sufrido en los últimos 100 años la realización de retratos fotográficos para modas podemos notar y conocer desde diferentes y variados puntos de vista profesionales y estéticos los vestuarios y accesorios que se colocan sobre los modelos que sirven su talento frente a los objetivos de nuestras cámaras.
Catálogo de ropa, la ropa destaca sobre la creatividad.
Dentro de las fotografías que se demandan de retratos de modas podemos destacar la portada para una revista de moda, la portada de un reportaje de moda, los interiores para el reportaje de moda. En todos estos, se va a buscar la máxima propuesta creativa, una labor de fotografía activa muy intensa, poses dinámicas, situaciones que propongan movimiento o alguna acción, gestos y emociones bien proyectadas para captar un buen registro, una interesante narrativa o storytelling, alto impacto y atractivo visual.

Narrativas que provoquen controversia
y múltiples replicas en informativos.
Por otro lado, la narrativa en la fotografía de modas se ha valido de la controversia muchas veces. Hay marcas de ropa que la tienen como su leitmotiv y se esfuerzan para que cada publicación desate una tormenta mediática de reclamos en los informativos. Desde sus narrativas que apuestan por contenidos con fuerte carga sexual y medio desnudos, violencia y reclamos sociales; como la migración y las epidemias. En la fotografía editorial de moda, es fundamental estar bien actualizado en las últimas tendencias. Ya que ese será siempre el punto de partida para realizar cualquier sesión fotográfica de este estilo. Así, una vez que se ha decidido el tema sobre el cual desarrollar el proyecto, se continúa con los demás aspectos; la modelo, el vestuario, iluminación, etc.
Contenido más creativo, poses más elaboradas
para reportajes o portadas.
Pero, también hay proyectos con un nivel más ligero. Son aquellos proyectos para un catálogo de ropa para tienda, almacén, una amplia colección de ropa y accesorios. Donde hasta se permite el repetir poses, mantener una iluminación uniforme, un mismo fondo, la ropa en sí destaca sobre el modelo y la narrativa. La ropa es el centro de interés por sobre todo el resto de factores, se trata de un ejercicio más documental que de narrativa. Para ampliar sobre este tema revisa un interesante documento de Nacho Suárez.

La fotografía de desfiles, tiene el objetivo de mostrar y resaltar las colecciones de diseñadores y sus marcas a través de sus prendas y modelos. Adicionalmente, también pretende influir a través de la moda la personalidad y estilo de los que asisten al desfile. El fotógrafo de moda detrás del escenario estará siempre muy atento a lo que ocurre atrás de los desfiles o eventos de moda y contará los conceptos de una manera clara y creativa. Las fotografías de backstage son útiles para las casas de moda, si el fotógrafo logra captar cada momento y no sacar nada a la luz antes de la hora precisa, será valorado un buen fotógrafo de moda. La fotografía fashion publicitaria, es aquella que suele aparecer en revistas generalistas y especializadas, o tiendas online y se concentra en promover un producto; ropa y sus accesorios. A pesar de que el producto es el centro de atención, este tipo de fotografía incluye un componente social y humano. La fotografía de street style es aquella fotografía que se basa en capturar la moda de la calle. Este tipo es diferente a los retratos de los desfiles, consiste en sacar fotos en escenarios públicos (mercados, plazas, parques, u otros) y representar la ropa en uso diario. Este tipo de retratos de moda se han vuelto muy populares recientemente y las marcas de ropa lo valoran altamente ya que muchas personas se identifican este tipo de moda mucho más cercana al consumidor. El street style es el tipo de fotografía que ves en redes sociales y blogs, donde otros blogueros muestran sus mejores prendas y estilo. Este tipo de fotografía beauty es el que resalta el estilo de maquillaje o peinado de las modelos. Habrá que editar estas fotografías RAW para conseguir pieles más brillantes o colores más atractivos. La fotografía de moda editorial suele publicarse en revistas especializadas de moda o estilo de vida. A pesar de lo que pueda parecer, en este el vestuario no es lo más importante. Estas fotografías se pueden desarrollar tanto en localizaciones exteriores, así como en platós y su estilo huye de lo tradicional, siendo bastante artísticas o comerciales. Los retratos editoriales de moda intentan narrar una historia, mostrando todo tipo de emociones y sensaciones, para ello se selecciona a una o un grupo modelos que desarrollen todo el concepto creativo. 

Para este tipo de retratos de fotografía, será muy importante encontrar fondos blancos y con iluminación uniforme o algún color que aparezca en todas las fotos. En este estilo es esencial que se refleje la personalidad de la marca.
Puedes también leer un curso completo de Fotografía Digital, hacer click aquí. Te invito a descubrir cómo la moda ha cambiado en los últimos 100 años, hacer click aquí.
Es muy posible que desees conocer un poquito acerca de como mostrar tu talento una vez que estés ante la óptica del fotógrafo para un proyecto de retratos de moda, te comparto un tutorial.

Éxitos. Que estés bien.











El autor de este post es publicitario, creativo y productor audiovisual y ha incursionado exitosamente como docente universitario para el Instituto de Mercadotecnia y Publicidad de México, así como en la UNITEC en Honduras desde hace más de veinte años. Es asesor publicitario independiente, redactor de artículos sobre publicidad, conferencista y blogger.

15 noviembre 2012

Nunca se sabe...


José de la Paz Herrera Uclés, nacido el 21 de noviembre de 1940, es mejor conocido por su sobrenombre "Chelato Uclés" mismo que fue producto de la creatividad de su amigo Danieri Flores, "Chelato" es originario de Soledad, en el Departamento de El Paraíso, luego se trasladó para estudiar en Tegucigalpa en el instituto Central Vicente Cáceres y la Academia Militar de la capital del país, y más adelante estudió para entrenador de fútbol (Foot Ball) en Argentina, y el documento que lo acredita es de la misma AFA. Entonces, él fue el más joven Director Técnico certificado por AFA en esos años, 1969.
Chelato Uclés en España, 1982.
A Chelato Uclés se le encomendó dirigir a la selección mayor de fútbol masculina de su país, y logró -para dicha de toda Honduras- clasificar al Mundial (FIFA World Cup) de España en 1982, jugando en el Estadio Nacional todos sus partidos y clasificando el viernes 16 de noviembre de 1981, destacando que fue la primera vez en la historia que se lograba tal honor, el de participar en la fiesta grande de FIFA, sus dirigidos lograron anotar varios goles y hasta pusieron en peligro la continuidad del seleccionado organizador (España).
Selección nacional de fútbol mayor masculino de Honduras, 1982.
Para todas y todos los hondureños de esta y siguientes generaciones ha sido motivo de enorme orgullo asistir a un mundial por primera vez, y además lograr una participación muy honorable con goles y mucha disciplina.  De hecho, en esos años se consideró a Chelato Uclés el mayor exponente del fútbol nacional y se le valoró así por casi una década. (Actualización: Las 3 veces que Honduras participó en FIFA world cup ha sido por clasificación directa).
Después de haber intentado instalar a través del PANI la modalidad de lotería instantánea o "raspa, raspa" misma que no resultó exitosa en esa oportunidad en Honduras, se autorizó -años después (1993)- a una empresa privada su nueva instalación y su primer producto fue la lotería inspirada en el tema del fútbol se le llamó "LottoGol". Se buscó entre una lista amplia de grandes figuras nacionales del balonpie ¿quién sería el mejor representante del fútbol para ser el rostro, la voz y el símbolo de esta lotería temática en su primera emisión y lanzamiento? Y todos en la empresa estaban de acuerdo que Chelato Uclés debía ser el rostro del nuevo producto LottoGol.
La agencia publicitaria Modernoble Ogilvy (San Pedro Sula), gerenciada por la Sra. Cecilia Barth, originaria de Costa Rica dirigió esa campaña de lanzamiento, los spots de TV los realizó un equipo internacional; productor argentino, camarógrafos hondureños y estadounidenses, talento hondureño, en esa oportunidad se usó por primera vez una cámara Sony BetaCamSP en Honduras, y algunos prometodores talentos de la liga nacional de fútbol actuaron también en esta campaña. Las cuñas radiales se grabaron entonces en Audio Vídeo S.A. -Radio América- y el productor radiofónico entonces fue el célebre Mauro Alcides Rodríguez, desde aquella época, lo mejor.
El slogan "Hey, you never know" se usaba ya tiempo atrás en la Loto de N.Y. en Estados Unidos de forma exitosa, y fue adoptada y traducida como "Nunca se sabe", la propuso y la adoptó el productor audiovisual argentino Gabriel García, además éste dirigió también escénicamente a Chelato en las locaciones y en la cabina de grabaciones, por eso salió un simpático acento argentino de boca Chelato en esa oportunidad.
José de la Paz Herrera y su videoteca de cassettes VHS.
La frase se ha vuelto hoy un dicho muy popular en Honduras -varias décadas después del lanzamiento de LottoGol- todas y todos hemos repetido una y otra vez "Cómo dice Chelato: Nunca se sabe". Pero a esta frase lastimosamente, no le corresponde la autoría a Don José de la Paz Herrera, pero sí el hecho de haberla convertido en parte de la cultura popular y del imaginario colectivo de las y los hondureños.
Locación, vestidores del Estadio Nacional de Tegucigalpa,
cámara Bob, Dir. de fotografía Gabriel,
asistencia de producción Claudia y yo  (claketa en mano).
A Don José de la Paz (Chelato) lo acompañé -en esos días- a las locaciones para grabar los spots de TV en el Estadio Nacional y las cuñas radiofónicas a Radio América, caminamos varias veces desde su casa -entonces en el centro de Tegucigalpa en un callejón cercano a la antigua Casa Presidencial- allí guardaba en columnas miles de revistas especializadas en fútbol, cassettes de vídeo en formato de VHS desde piso al techo, y lo más increíble de todo sólo unos pocos reconocimientos y recuerdos oficiales de esa hazaña del fútbol hondureño por España 82.
Una vez más su imagen y voz vuelven a aparecer en pantalla de la TV para un nuevo proyecto de Loto en noviembre de 2013, "Ganagol" y en 2014 con "Claro". Desde aquí un saludo a Don José de la Paz Herrera, por darme una valiosa lección de humildad.

Qué estés bien.