Richard Avedon, mayor "influencer" de la foto fashion de hoy

Richard Avedon, fotógrafo.

"Sus fotografías de moda y sus retratos habían ayudado a definir, en Estados Unidos, durante el último medio siglo, la imagen de belleza, elegancia y cultura" New York Times.

Fue el hijo único de un inmigrante ruso de nombre Jacob Israel Avedon y de su madre Anna, ambos judíos. Nació en Nueva York en 1923. Sus padres poseían una tienda de ropa y confección en la Quinta Avenida de Nueva York. Entre 1937 y 1940 colaboró en el periódico escolar -The Magpie- junto al escritor James Baldwin, se inscribió en la universidad de Columbia donde inicia como fotógrafo, pasó a colaborar con la marina mercante a partir de 1942 haciendo foto de identificación para los marinos con una cámara Rolleiflex que recibió de su padre, y permaneció 2 años en este trabajo, de aquí se fue a estudiar al Laboratorio de Diseño de la New School for Social Research de Nueva York donde recibió el acompañamiento del profesor Alexey Brodovitch -también editor para la revista Harper's Bazaar- y quien lo reclutó para trabajar en esta revista desde 1947 hasta 1984.

Dovima with elephants. Modelo: Dorothy Virginia Margaret Juba. Localización: 

Cirque d'Hiver en París, agosto de 1955. Vestuario: Yves Saint Laurent.

Las colecciones de moda de París y otros  reportajes de moda fueron su asignación, aquí llegaría a ser el Jefe de Fotografía. Pero su ojo y su cámara no sólo se entrenaron para mostrar el lujo, lo sofisticado y la fantasía de la moda, también era muy sensible a los menos favorecidos de la sociedad, aquellos que no alcanzaban a cumplir su sueño americano. 

En el año de 1958 es designado por el prestigioso magazine Popular Photography con el Premio One of the World's Ten Greatest Photographers. En 1959 la editorial Simon&Schuster publicó el libro Observations, con fotografías de Richard Avedon y textos de Truman Capote. Durante los disturbios sociales de 1963 por la igualdad de los derechos civiles documentó los hechos del sur. Documentó como foto-periodista las reacciones públicas sobre la guerra de Vietnam para el New York Times. Durante diciembre de 1989 atendió su cita en Berlín durante la caída del muro que dividía a esta ciudad.

Se dice que su método era buscar y sacar al verdadero ser interior, un retrato más psicológico. Algo sencillo pero efectivo, captar la derrota anímica del contrario fotografiado a través de largas y cansadas sesiones de hasta cuatro horas. Así desnudo, el retratado e indefenso era capaz de mostrar su personalidad más sincera.

Marilyn Monroe por Richard Avedon,
NY, 06 de mayo de 1957.

A partir del año de 1979 inició una gira por el oeste de su país; en ésta visitó 17 estados, 189 poblaciones, retrató a 752 personas, tomó 17 mil placas de gran formato, y finalmente seleccionó 123, a las que finalmente llamó In the american west 1979 – 1984.

Nastassja Kinski y la serpiente (Setiembre de1981)

Avedon, publicó varios libros de fotografía y montó también muchas exposiciones alrededor del mundo. De Avedon, se dice que era poseedor de un estilo novedoso, su narrativa era disfrutar la vida, mezclaba lo elegante con lo clásico, utilizó el movimiento y el glamour, mezcló la fotografía de calle con la moda de una manera que nadie pudo superar en su generación. Avedon decía que la fotografía de moda era como "unas vacaciones por la vida".

Disfruta de su trabajo para fashion haciendo click aquí.

Un día 25 de septiembre de 2004, mientras atendía una asignación -On democracy- para el New Yorker en San Antonio, Texas sufrió una hemorragia cerebral, su salud se complicó por ésta y murió en esa ciudad un 1 de octubre.

Qué estés bien.

El autor de este post es publicitario, creativo y productor audiovisual y ha incursionado exitosamente como docente universitario para el Instituto de Mercadotecnia y Publicidad de México, así como en la UNITEC en Honduras desde hace más de veinte años. Es asesor publicitario independiente, redactor de artículos sobre publicidad, conferencista y blogger.

Viaje académico de verano: Destino Santa Fe

La posibilidad de extender el horizonte durante el verano, de ampliar tu punto de vista, viajar y salir de la caja del cada día, romper con lo cotidiano, alimentar los hemisferios de la mente exponiéndose a algo completamente nuevo y diferente, conocer personas de otras culturas, nos alimenta el alma, nos oxigena la visión de futuro, nos ayuda a reorganizar las ideas y los sueños, en fin. Hoy voy a dejar que sea Gerardo Moya -estudiante de Lic. de Comunicación audiovisual y Publicidad- y sobre todo amigo nuestro, quien nos platique en esta oportunidad y en detalles sobre su viaje académico de verano.

"Lo común es leer mucho, dormir mucho más, escuchar música de todo tipo, soñar cosas locas, dormir un poco más, comer, para luego solo seguir durmiendo. Cualquiera diría que mis vacaciones tienden a ser un poco aburridas, monótonas, pero yo aprendí (de alguna forma que aún desconozco) a disfrutar mi tiempo de esa manera. Los que me conocen saben que yo disfruto “hacer nada” y en ocasiones han visto esa filosofía puesta en práctica. Mientras, yo me empeño en disfrutar del tiempo “libre” a mi propia manera. 

Estas vacaciones de verano (raro, siempre me parecieron invierno estas fechas; junio-julio por la temporada de lluvias en Centro América) tuve la oportunidad de viajar a Santa Fe, Nuevo México y vivir una experiencia que seguramente ni la amnesia más fuerte, ni el golpe más violento me hará olvidar. 

El Dowtown de Santa Fe

El "Artfest" es un festival de arte (sí, yo sé que no suena a eso pero realmente lo es) que la Universidad de Arte y Diseño de Santa Fe ofrece a estudiantes de universidades que pertenecen a la red de Laureate. Es un evento dedicado a la celebración del arte como una forma de vida, no como una carrera universitaria ni como una moda pasajera. El Artfest nos enseña a sus participantes como convivir y aceptar múltiples perspectivas artísticas de diferentes disciplinas. ¿Cómo? Dando cursos intensivos de tres semanas en conjunto con personas de distintas partes del mundo y con profesores con años de experiencia como profesionales en rubros específicos. 

Foro de Arte y Diseño de la Universidad de Santa Fe 

Y sí, yo tuve el privilegio de asistir a dicho evento. Aun escribiendo ésto no termino de procesar ese viaje (quizás plasmarlo en “papel” haga la diferencia). Pero lo hice y es -hasta este instante- la mejor experiencia de mi vida. Y usted que lee se preguntará, ¿de qué sirve, que una persona que suele quedarse en su casa durante las vacaciones, haga una afirmación de tal naturaleza dado que probablemente su criterio para juzgar una verdadera experiencia no esté a la altura o no tenga el nivel adecuado? Pero también puede ser que esa pregunta jamás se haya cruzado por su mente. De cualquier forma, no importa. Las preguntas quizás no figuren como pertinentes entonces, pero reiteraré con palabras distintas. Sí, definitivamente volvería a ir. Quiero regresar. 

Estando en Santa Fe, compartí con otros estudiantes brasileños, mexicanos, españoles, italianos, chilenos, ‘ticos’, hindús y por supuesto estadounidenses. El intercambio cultural es probablemente uno de los elementos del viaje que más valoro. Por supuesto que aprendí del curso que me fue impartido (había olvidado mencionarlo, llevé un curso de fotografía paisajista) pero la convivencia con todo tipo de personas fue realmente una experiencia enriquecedora. Aprender de sus culturas, las distintas “formas” de hablar el español, portugués e inglés, la influencia que cada país ejerce en la personalidad de sus habitantes, todas estas cosas fueron lecciones aparte de las diarias clases magistrales. 

Esperando el bus junto a mis compañeros mexicanos y ticos

No olvido por supuesto las clases. Gracias a ellas descubrí un amor por la fotografía que desconocía hasta ahora. Siempre me había gustado la producción audiovisual, sin saber por qué, pero como le dije a mi profesor, descubrí que lo que siempre me gustó de ella es la manipulación de cámaras, la utilización de luz como recurso laboral, la composición de imágenes, la posibilidad de capturar momentos que de otra forma hubiesen sido efímeros y percibidos solo por algunos pocos. Me gustó la fotografía. Sin duda que de todo el viaje, el descubrir ese amor por la fotografía es el aprendizaje que más valoro hasta el momento. 

Monumento nacional Tent Rocks

Nicholas Quintero bajista de la banda Scarlet Cortex
durante un concierto en el centro de la ciudad

Estando en Santa Fe y participando en el Artfest visité muchos otros lugares increíbles dentro del Estado de Nuevo México. Parques, monumentos, reservas. Nuevo México tiene esto y mucho más. 

La composición de los paisajes es muy distinta a lo que muchos solemos acostumbrar. Allá la tierra es árida pero el cielo espectacular, el calor es intenso pero la flora y fauna asombrosa, las ciudades pequeñas pero la cultura vibrante. Los contrastes son fuertes y muy marcados, pero este hecho simplemente ayuda a que la experiencia se convierta en algo aún más inolvidable y exonera cualquier fragmento de duda que tengamos de asistir a un estado que no es más que la expansión de un desierto. El patrimonio que posee es indescriptible y muy valioso. Un lugar sin igual. 

Santuario de Chimayó en Nuevo México

Alguien inesperado quiso posar para nuestra foto

Las personas, las clases, los lugares, el aprendizaje y la experiencia en general son algo que espero repetir en algún otro momento de mi vida. Ser un estudiante en el extranjero fue algo impactante en mi vida. La oportunidad que me fue conferida es algo que me gustaría que todos tuvieran. Y pensar que en ningún momento tuve esperanza de ir. Todo se dio de forma tan impredecible (aunque estuve realizando la gestión del viaje durante todo un semestre). Si usted que ha llegado hasta este punto quiere ir pero no está seguro si podrá, déjeme darle un consejo: Hágalo. Viaje, disfrute. No crea que no puede. A veces tenemos que ser persistentes con una idea, si somos pacientes eventualmente conseguiremos algo. Quizás no todo fue como lo queríamos inicialmente pero al final le aseguro que tendrá más que lo que tuvo al inicio. Con eso en mente, ya puede empezar."

Algunos de los hondureños (y amigos) que me encontré en el viaje.

Agradecemos a Gerardo haber compartido con los fieles lectores de Pensamientos Maupinianos la historia de su verano en Santa Fe, Nuevo México. En otra oportunidad también será un honor poder contar tu historia de viaje académico y como éste enriqueció tu experiencia de vida.

Qué estés bien.

Mauricio Pineda

El autor de este post es publicitario, creativo y productor audiovisual y ha incursionado exitosamente como docente universitario para el Instituto de Mercadotecnia y Publicidad de México, así como en la UNITEC en Honduras desde hace más de veinte años. Es asesor publicitario independiente, redactor de artículos sobre publicidad, conferencista y blogger.

Así nos llegó la cámara de fotografía al siglo 21

Cámara de fotografía DSLR.

La cámara es un dispositivo encargado de recoger un haz de luz proveniente de un objeto y proyectarlo sobre un sensor digital, de forma que sobre cada píxel del sensor digital incida la luz proveniente de un cono visual tan estrecho como sea posible. Es decir, la cámara debe formar una imagen real sobre todo el sensor de todos los objetos de su campo de visión. Originalmente una cámara de fotos consiste en una serie de mecanismos cuyas funciones son las de concentrar la imagen reflejada por los objetos a fotografiar y permitir que la luz, que penetra en una cámara oscura a través de un pequeño orificio, produzca sobre la pared opuesta una imagen reflejada.

Cámara estenopeica.

Aplicando este principio, es posible la construcción de una cámara fotográfica simple -cámara estenopeica- con un orificio estenopeico. La luz, al entrar por esta pequeña abertura, forma una imagen de poca nitidez sobre la pared interna opuesta a aquella en la que se encuentra el orificio. Como dato curioso les comparto que el último domingo de abril se celebra el Día Mundial de la Fotografía Estenopeica (WPPD), se trata de un evento que inició en 2001- de carácter más bien popular para seguir difundiendo esta técnica de fotografía primitiva.

Así funciona la cámara de fotografía.

Antes del siglo veinte, las cámaras de fotografía eran muy aparatosas y pesadas. Sus materiales de fabricación era bronce y caoba, tomaban las fotos en grandes placas de cristal o metal y a menudo requerían tiempos de exposición de varios minutos.

Kodak Brownie diseño por Frank Brownel.

Para fotografiar lugares lejanos, había que rentar los servicios de carga con animales. La fotografía era una actividad que requería paciencia, manejo de productos químicos tóxicos y una gran fuerza física. No era algo que se pudiera permitir la gente corriente. El inventor estadounidense George Eastman logró un gran avance en los últimos años del siglo XIX cuando inventó una película flexible de celuloide que reemplazó a las pesadas placas de vidrio. La primera cámara Kodak salió a la venta en 1888, cargada con un rollo de película suficiente para cien fotografías. Cuando fue tomada la última foto, toda la cámara tenía que ser enviada a Kodak para ser revelada. Era una caja sencilla pero su costo, veinticinco dólares, era una gran cantidad de dinero. La fotografía seguía siendo una actividad sólo al alcance de los ricos. La revolución se produjo doce años más tarde. La Kodak Brownie -diseñada por Frank Brownell- era similar a la Kodak original, pero la película podía ser retirada de la cámara una vez agotada y ser revelada en una tienda de Kodak, en farmacias o incluso en casa. Kodak vendía la cámara por un dólar. Era posible comprar la cámara, un rollo de película y un revelado por dos dólares. De pronto, la fotografía pasó a ser no solo portátil sino también accesible para muchos presupuestos limitados. La Brownie era fácil de usar, y tenía una velocidad única y aperturas de diafragma muy chicas que creaban un gran área de nitidez.

Cámara de la era soviética Cnopm (Sport) con visor de prisma.

Muchos especialistas consideran que la Cnopm -Sport- fue la primera cámara con un prisma, se trata de una "réflex con un solo objetivo" o SLR, y este invento terminaría llevándonos a la siguiente generación, a los "pentaprismas" que se encuentran en las cámaras SLR modernas, que hacen rebotar la luz a través de un visor trasero. El desarrollo de las SLR inició en Japón en 1945 con la compañía Asahi quienes en 1957 crearon la primera SLR de 35mm la Asahi Pentax, y en 1969 la primera SLR 6x7 de medio formato. La Sport comenzó a ser fabricada en San Petersburgo en el año de 1937 por la GOMZ. "En mi opinión, la Sport marcó un hito revolucionario en la industria fotográfica soviética y mundial, y sirvió de trampolín para las posteriores cámaras SLR de 35mm", dice Vladislav Kern, quien dirige una página web sobre la historia fotográfica soviética. No era facil de usar y su ángulo de previsualización era raro, se fabricaron unas 20 mil, su producción solo se detuvo cuando los soldados alemanes sitiaron Leningrado -hoy San Petersburgo- en 1941.

Cámara digital sin espejo que graba vídeo UHD 4K y fotografías.

La cámara fotográfica tal y como la conocemos en la actualidad, puede parecernos algo normal no muy impresionante, pero para  llegar a lo que tenemos hoy, se experimentó mucho y aun se continua mejorando. Si bien existen diferencias estructurales entre ellas, todas las cámaras modernas se componen de cuatro elementos básicos: el cuerpo, el obturador, el diafragma y el objetivo o lente. Dentro del cuerpo se encuentra una pequeña cavidad hermética a la luz donde se aloja la película para su exposición. También en el cuerpo, al otro lado de la película y junto al objetivo, se hallan el diafragma y el obturador. El objetivo, que se instala en la parte anterior del cuerpo, es en realidad un conjunto de lentes ópticas de cristal o de plástico acrílico también conocido por sus siglas PMMA o bien Polimetilmetacrilato.

Cámaras compactas con lentes de PMMA.

La primera cámara digital fue desarrollada por Steve J. Sasson, quien trabajaba para el Laboratorio de Investigación de Kodak en mediados de los años setenta. 
Era algo parecido a dos cajas de zapatos juntas, pesaba 8.5 libras, contenía 16 baterías AA, su sensor digital era de 100 x 100 píxeles, le tomaba 16 segundos grabar en un audio cassette una imagen en blanco y negro.
Un par de fechas importantes para tu calendario de celebraciones son el 25 de julio Día del Fotógrafo y Camarógrafo hondureño, y 19 de agosto Día Mundial del fotógrafo.

Qué estés bien,

El autor de este post es publicitario, creativo y productor audiovisual y ha incursionado exitosamente como docente universitario para el Instituto de Mercadotecnia y Publicidad de México, así como en la UNITEC en Honduras desde hace más de veinte años. Es asesor publicitario independiente, redactor de artículos sobre publicidad, conferencista y blogger.

Punto de vista y otros secretos del retrato

Punto de vista contrapicado, la cámara está

bajo la línea de la mirada de la modelo.

(2009-2017 © Copyright Mauricio Pineda.) 

Retrato, el centro de interés es la persona.
(2009-2017 © Copyright Mauricio Pineda.) 

Retrato con la cámara (POV) a la altura de los ojos. (Lic. Carmen Boquín)
(2009-2017 © Copyright Mauricio Pineda.)

Retratar personas es una de las tareas más demandadas y frecuentes para un(a) fotógrafo(a) amateur o profesional, retratamos a nuestra pareja, a nuestros hijos, a nuestra familia, a nuestros amigos, a los que no conocemos, en fin retratamos a todos y a todas, es solo cosa de tiempo y de contar con la bendita oportunidad.

Hace unos años tomábamos una Polaroid para previsualizar, aprobar y tomar la definitiva.

Así que será mejor dominar las técnicas que nos facilitarán mejorar nuestros retratos y cuanto antes lo hagamos, mucho mejor. También se refiere a si la cámara narra una secuencia desde la posición de un personaje de una historia -punto de vista subjetivo- o si lo hace desde afuera como un testigo de los hechos, con su punto de vista objetivo.

Retrato a nivel de la mirada de los ojos.
(2009-2017 © Copyright Mauricio Pineda.)

El momento y el escenario del retrato podrá crear climas emocionales, atmósferas únicas, y son cosas que de alguna manera deben registrarse durante el instante que producimos estas fotografías de personas dentro de un entorno. En otros casos buscaremos crear un entorno neutro que nos dirija expresamente a la persona, que a fin de cuentas es el sujeto de interés del retrato.

El modelo o sujeto será el centro de interés.
(2009-2017 © Copyright Mauricio Pineda.)

El punto de vista -point of view- lo vamos a definir a partir de la altura que tendrá la cámara en relación con los ojos y la mirada del modelo, la cámara se podrá alinear con la altura de los ojos del modelo y nos va a proporcionar un significado especifico y muy particular pues nos dejará sentir desde la posición de observador del retrato como estamos en el mismo nivel, nos genera una empatía como la de una platica con un viejo conocido al que vemos a los ojos.

El nivel de los ojos es clave para definir la altura de la cámara.
(2009-2017 © Copyright Mauricio Pineda.)

Nos coloca en condición de igualdad, no existen aquí relaciones de subordinación ni de autoridad gobernando o dominando la relación modelo-observador.

POV bajo; a la altura de la pierna.
(2009-2017 © Copyright Mauricio Pineda.)

Se recomienda ampliamente para fotografiar niños pequeños, significa que deberemos poner las rodillas en el piso para lograrlo.

Punto de vista alto, nuestro modelo se observa
subordinado al observador.
(2009-2017 © Copyright Mauricio Pineda.)

Por otro lado cuando el punto de vista -POV- de la cámara se coloca por sobre la altura de los ojos o la mirada de nuestro modelo se rompe la igualdad y adoptamos o establecemos una relación de dominio, en la que el fotógrafo en un primer momento y el observador de la fotografía, más adelante, son más importantes en jerarquía que la persona que se observa. Cuando se aplica a niños no siempre resulta ser una buena decisión. A este punto de vista se le llama de picado, o visión de pájaro.

POV alto o picado.
(2009-2017 © Copyright Mauricio Pineda.)

El punto de vista -POV- podrá situarse también, por debajo de la altura de la mirada y de los ojos de nuestro modelo, y produce una relación jerárquica entre modelo y observador, pues en éste el modelo se vuelve más importante que el fotógrafo y el observador de la fotografía. Establecemos que el modelo posee mayor autoridad ante quien le observa. A éste se le llama punto de vista bajo o también de contra picado o vista de hormiga.

POV bajo o contra picado.
(Modelo: Ale Rivera)
(2009-2017 © Copyright Mauricio Pineda.)

Cuando estés en la etapa de definir y crear los layouts de tu próximo retrato considera también los POV, pre visualiza, e imagina el efecto que daremos al modelo cuando sea observado. Puedes aprender un poco más sobre maquillaje nude para modelos a través de un increíble tutorial, para ver hacer clic aquí.

Punto de vista bajo; a la altura del abdomen.
(Licda. Ana Ochoa)(2009-2017 © Copyright Mauricio Pineda.)

Punto de vista bajo; a la altura de la pierna.
(Modelo: Andrea Paola Macías)
(2009-2017 © Copyright Mauricio Pineda.)

Seguramente visualizaremos el tipo de iluminación, valores de plano y encuadres a utilizar, vestuario y calzado, maquillaje, y demás detalles que nos permitirán lograr el mejor resultado. Te invito a consultar otras entregas dentro de Pensamientos Maupinianos que también te resultaran muy útiles para mejorar tus retratos.

Qué estés bien.

Mauricio Pineda

El autor de este post es publicitario, creativo y productor audiovisual y ha incursionado exitosamente como docente universitario para el Instituto de Mercadotecnia y Publicidad de México, así como en la UNITEC en Honduras desde hace más de veinte años. Es asesor publicitario independiente, redactor de artículos sobre publicidad, conferencista y blogger.

Altamente contagiosa, la docencia.

Por algún tiempo pensé que ésto de "dar clases" y de acompañar, compartir pensamientos e ideas con personas jóvenes con deseos de superación, que también involucra levantarse más temprano para investigar y leer, acostarse más tarde para encontrar algo nuevo que compartir, correr a toda velocidad para cruzar la ciudad y llegar a tiempo, acompañarlas fuera de casa durante mis fines de semana, semanas y meses de vacaciones al otro lado del mundo y dejar a mi familia atrás, de escribir folletos, libros de texto, grabar podcasts, tomar cientos de fotografías, revisar miles de proyectos, pruebas escritas, evaluar todo... era cosa de locos y que yo me había vuelto uno más de esos que creen que la educación cambia la vida de las personas que van a transformar al mundo en el futuro inmediato, que la educación es la mejor herramienta para hackear el sistema, para distribuir con equidad la justicia.

Sinceramente no sé si ésto de "dar clases" se trata de un gen que se hereda, o bien de un virus altamente contagioso que se te mete en huesos y carne, difícilmente vas a encontrar una droga más adictiva que haga que tu voluntad se doblegue por encontrar satisfacción en ver crecer a otros. Algunos al mirar atrás -23 años- dicen: -Éramos todos muy jóvenes entonces.

En esta oportunidad deseo compartir con ustedes un testimonio, esta vez no será el mío. Se trata de una de mis amigas y compañeras del programa de Lic. en Publicidad en el IMP, ésto pasó en México, Ana Laura con quien tuve el enorme gusto de cursar casi toda la carrera juntos, hacer vídeos, exponer en equipo, desarrollar campañas publicitarias, irnos de foto tour, revelar fotos en laboratorio, montar exposiciones, visitar museos, en fin y quién también un día fue afectada por este mismo bicho. Será ella misma la que lo explique mejor y con sus propias palabras cómo fue seducida por la docencia.

Ana Laura Barro, hoy docente después de 23 años.

"Fue una casualidad, cursaba el octavo semestre de la carrera -licenciatura en publicidad- y me invitaron a impartir una materia para una de las carreras técnicas, la clase era Teoría de la comunicación 1, una de mis materias favoritas por cierto. Siempre me dije que nunca sería maestra porque como alumna resulté ser algo irreverente, y admiré siempre la paciencia de mis profesores ante el grupo. Sin embargo la petición venía de uno de mis profesores más queridos y no me pude negar, y de pronto me vi preparando el material para la el curso y estructurando la primera clase, tenía apenas veintitrés años, apenas les llevaba escasos cinco años a la mayoría de los alumnos, y a algunos menos que eso.

Ana Laura recibe un reconocimiento a su labor de manos del Rector.

No negaré el nervio que se siente al entrar al salón y luego esas miradas juiciosas de aquellos alumnos, sin embargo, a medida que avanzaban los minutos, y replicaba el contenido preparado, fluía en mi una energía especial que provenía ciertamente de aquellos compañeros de aula que recibían información preparada especialmente para ellos, llegaron los ejercicios, las preguntas y con ellos las respuestas, y fue ahí, cuando descubrí mi gusto por la docencia, las respuestas de aquel grupo demostraban, que había logrado captar su atención, despertar su interés y por supuesto que se cuestionaran también los temas expuestos, era como haber empezado a sembrar y ver a lo largo del curso como se iban cosechando los esfuerzos. Sin embargo lo más gratificante de esta experiencia fue descubrir lo mucho que también estaba yo aprendiendo de mi junto con ellos.

Esta aventura inició en el año de 1992, y ha continuado hasta hoy, diferentes aulas, diferentes universidades pero la misma esencia, la misma pasión por entregar y regresar a la academia lo mucho que me entregó. Mi mayor satisfacción está en colocar un granito de arena en estas nuevas generaciones que en pocos años tendrán la responsabilidad de sacar adelante sus países."

Lic. Ana Laura Barro Guevara

Es mi deseo que a través de estas letras alguien más se haya inspirado agradezco tu valioso tiempo y también el de Ana Laura que gracias a las herramientas de la internet nos ha permitido este encuentro virtual y compartir en estas breves líneas.

Qué estés bien.

El autor de este post es publicitario, creativo y productor audiovisual y ha incursionado exitosamente como docente universitario para el Instituto de Mercadotecnia y Publicidad de México, así como en la UNITEC en Honduras desde hace más de veinte años. Es asesor publicitario independiente, redactor de artículos sobre publicidad, conferencista y blogger.

Lester Mendoza, las calles son mi lienzo.

Lester Mendoza, artista plástico hondureño radicado en West Palm Beach, Florida.

La vida nos permite conocer a personas que son ejemplo de amor al trabajo y tenacidad, hoy dedico este post a presentar a uno de esos talentos nacidos en Honduras que ha encontrado nuevos lienzos para así pintarse sólo, en esta oportunidad mejor dejo a Lester que sea él mismo quien se presente y platique sobre su experiencia.
"La vida me ha enseñado que las oportunidades se presentan constantemente, pero está en mí tomarlas y sacar lo mejor de ellas. Considerando que como profesionales debemos estar abiertos al cambio. Pensar positivo afecta positivamente mi vida y trato de inculcrarlo en mi familia y transmitirlo a las personas con las que me relaciono, y a todos aquellos que están en contacto con mi trabajo."

Lester junto a uno de sus proyectos en 2008.

¿Quién es Lester Mendoza? Soy un artista hondureño egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes con el título de docente en Artes Plásticas. Siendo un hombre casado y padre de dos hijas, tengo la convicción de que en el ámbito artístico la familia es un punto de estabilidad y soporte para mantener el éxito profesional. Mis roles en el área personal y laboral me impulsan a ser un ejemplo tanto para mis hijas como para aquellos que están en contacto con mi trabajo artístico. Actualmente me desempeño como contratista de pintura (muralista y pintura decorativa).

Su trabajo lo comparte con su esposa e hijas.

¿Cómo te iniciaste en la pintura y el dibujo? De niño me llamaba la atención el dibujo, especialmente los personajes de comics; Aunque realmente no era muy bueno dibujando, traía ese espíritu creativo y luchador. Fue a finales de mi educación primaria donde se despertó mi deseo de ser un artista. curiosamente dos compañeros en sexto grado dibujaban muy bien y siempre ganaban los concursos de dibujo, esto plasmó en mi mente el deseo de recibir clases de dibujo y me impulsó a tomar acción. Mi mamá me llevó a la Escuela Nacional de Bellas Artes y me matriculó en cursos sabatinos; mientras asistía a éstos me di cuenta de que era lo quería hacer en mi vida. Para el tiempo que salí de lo que antes llamamos Ciclo Común de Cultura General (7mo, 8vo, y 9no grado), yo ya tenía mi cupo en la Escuela Nacional de Bellas Artes a donde ingresé con determinación de aprender a dibujar y pintar académicamente.

Fui apoyado desde el inicio en mi hogar, específicamente por parte de mi madre. A pesar de que me se decía que del arte no se vivía en Honduras, mi mamá siempre me apoyó y motivó, lo que considero fue fundamental para que nunca quitara la mirada de lo que un día me propuse como meta. El apoyo de cada uno de los docentes de la ENBA (Escuela Nacional de Bellas Artes) también fue parte de la base. Recuerdo maestros como Ernesto Argueta, quien impartía clases de Historia del Arte, como un hombre muy exigente, que a la vez motivaba a dar lo mejor y esforzarse al máximo. Juan Domingo Torres, quien motivaba la lectura; podría mencionarlos a todos pero diré que cada maestro fue pieza clave en mi formación.

Uno más de sus proyectos dela año 2009.

¿ Qué fue lo primero que deseaste dibujar en tus primeros años, y porqué te cautivó?

Los primeros dibujos fueron personajes fantásticos, super héroes que en ese tiempo de mi  adolescencia estaban de moda en televisión y en revistas de comics. El porqué me cautivó creo que se remonta en el hecho que todos somos marcados en nuestra vida, comúnmente en la etapa de la adolescencia, y mi adolescencia estuvo llena de esos personajes ficticios. Esa fue la etapa en que comencé a soñar en grande y creer que un día sería “dueño del mundo”.

¿Cuáles son las técnicas que aplicas en la actualidad? Actualmente aplico diversas técnicas. Utilizo el acrílico para murales y cuadros en lona. Para retratos utilizo óleos, pasteles, y carboncillo. Cuando asisto a street painting festivals o chalk festivals utilizo la tiza -yeso, gis- de colores, éstos hacen referencia a un festival de arte donde se utilizan las calles como base y la tiza como mediador para la expresión del artista. También hago esculturas en foam, conocido como polietileno o espuma dura, cubiertas con fibra de vidrio y pintadas con diferentes materiales según el acabado que necesita la escultura.

Retrato en la calle, 2015.

¿Qué significa para Lester usar las calles y áreas de peatones como lienzo de su imagen? Es interesante cuando llamas las calles “un lienzo”, voy a exponerte mis pensamientos ante esta idea. Las calles son el espacio al que cualquier ciudadano del mundo tiene acceso, pero también pueden ser percibidas como un medio donde el artista puede dejar volar su imaginación. Se puede plasmar desde lo más insignificante hasta lo más grandioso, según el punto de vista del artista o del espectador, y exhibirlo para todo aquel que le guste apreciar el arte o el que simplemente presencia el evento es simplemente sensacional. Es precisamente esa relación del público con el artista la que le da vida a ese lienzo.

¿Como reacciona tu público al ser sorprendido por tus imágenes en plena vía pública? Hay una reacción en común entre los espectadores: “Wow!”, lo que hace la diferencia es la manera en que lo expresa cada individuo. Se puede sentir la sorpresa en ellos porque después de la expresión vienen sus comentarios. El público agradece el hecho de que como artistas dedicamos nuestro tiempo para hacer de esos festivales un evento inolvidable para sus ciudades. La variedad en los estilos artísticos hace agradable esos eventos. Como hispano y como hondureño me siento orgulloso de representar a nuestra gente, y al público hispano le encanta saber que la participación nuestra es cada vez más constante.

¿Dónde iniciaste tu preparación académica en pintura? Mi Preparación comienza en la Escuela Nacional de Bellas Artes en Honduras. Posteriormente en Florida Painters Apprenticeship Program, un programa de preparación de pintores y decoradores. También toma su lugar Art Instruction School, una institución localizada en la ciudad de Minneapolis, Minnesota, donde recibí clases de arte. Algo que quisiera enfatizar es que en el arte, más que los conceptos aprendidos en las aulas de clase, es la práctica constante y la pasión lo que hace a un buen artista.

¿Dónde estás hoy y a qué te dedicas? Actualmente resido en la ciudad de West Palm Beach, en el estado de Florida, EEUU. En cuanto a mi posición como artista no puedo definir un nivel ya que cada día, cada proyecto, cada obra te presenta nuevos retos, nuevas satisfacciones. Sí puedo decir que agradezco a Dios por el talento que me dio, pues mi trabajo me ha puesto en una posición satisfactoria ante mis clientes y mi público. Me dedico a la pintura decorativa, definiendo ésta como una mezcla de pintura regular (lo que comúnmente llamamos pintura de brocha gorda) con pintura artística. También realizo murales y acabados especiales en paredes u otras superficies, ya sea en residencias o en locales comerciales.

Durante un proyecto en Chalk Walk, Tampa, Florida en 2009.

¿El arte pictórico, permite al artista sobrevivir? Es una respuesta con ambigüedad. Cabe considerar que sí, se puede sobrevivir dedicándose a pintar y comercializar dichas obras, pero también se puede hacer un buen vivir si se utiliza la habilidad artística para hacer de una actividad ordinaria algo extraordinario. Mi carrera como pintor sirve de ejemplo, porque siendo la pintura una actividad ordinaria, vista a través de mis ojos de artista se convierte en extraordinarias decoraciones muy bien pagadas. Dando una respuesta concreta diría que sí, el arte pictórico permite al artista sobrevivir, y dependerá de su creatividad y esfuerzo si desea sólo sobrevivir o vivir bien. El consejo que yo daría es soñar en grande y creer en ti. No debemos ser negativos, ni pensar que ciertas cosas son imposibles por que todo se puede lograr con tiempo y determinación, eso nos mantendrá vivos y con ganas de luchar. En mi caso particularmente no siento que ya alcancé mi sueño, pero en el camino he adquirido diversos conocimientos y destrezas que me han hecho crecer como persona y como artista. Este es un proceso largo y lleno de obstáculos, pero también de logros y recompensas. El tiempo que demore alcanzar una meta dependerá del camino que se escoja para llegar a ella y de como se utilicen los recursos con los que se dispone. Para triunfar yo considero indispensables algunos aspectos como paciencia, disciplina, perseverancia, y nunca darse por vencido; si un proyecto no sale bien, intentar con otro.  Algo que recomiendo es que no importa lo que escojamos ser en la vida, debemos hacerlo con pasión. Quiero agradecer a Mauricio Pineda, autor y creador de Pensamientos Maupinianos, y a todos sus seguidores en todo el mundo por permitirme ser parte de este blog. Al mismo tiempo quiero motivarlos a compartir este sitio lleno de información interesante y actual. Recuerden que la lectura pone en acción la mente y mejora la inteligencia, enriquece nuestra cultura y nos mantiene activos.

A Lester, y todos nuestros amigos de Pensamientos Maupianos agradecemos por su valioso tiempo y esperamos conocer más de los proyectos y éxitos de este artista catracho en breve. Te invito a disfrutar de un vídeo que describe parte su actividad en la actualidad, hacer click aquí.

Qué estés bien.

Mauricio Pineda

El autor de este post es publicitario, creativo y productor audiovisual y ha incursionado exitosamente como docente universitario para el Instituto de Mercadotecnia y Publicidad de México, así como en la UNITEC en Honduras desde hace más de veinte años. Es asesor publicitario independiente, redactor de artículos sobre publicidad, conferencista y blogger.