Pintar con luz: Una danza de colores y movimiento

¿Quieres darle un toque especial

e impactante a tus fotos?

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Pintar con luz. Es una técnica creativa en la fotografía de retratos que va más allá de la captura tradicional de una imagen. Es un proceso que transforma el retrato en una obra de expresión vibrante, utilizando la luz como herramienta principal. El aceite mineral sobre la piel crea un brillo sutil que refleja la luz de colores de forma atractiva, intensificando la textura, volúmenes y la profundidad de la piel. Las luces de colores, a su vez, bañan al modelo en un aura vibrante que despierta emociones y crea una atmósfera increíblemente única. La simulación del movimiento, a través de las poses o de la técnica de barrido de luces, aporta dinamismo y energía a la imagen, capturando la esencia del instante y creando una experiencia visual cautivadora. La combinación de estos elementos produce una sinergia que impacta en el observador, generando una sensación de armonía, belleza y fascinación. Es una danza entre la luz, el color y el movimiento que transforma la fotografía en una obra de arte sensorial.

La fotografía de retratos va más allá de únicamente capturar una imagen, es una danza entre la luz, el color, la sombra y la emoción. La técnica de "pintar con luz" eleva este arte a un nuevo nivel, transformando el retrato en una expresión vibrante.

El lienzo negro: Un fondo oscuro, como un telón de terciopelo, abre paso a la magia. Es la base sobre la que la luz de colores teje sus historias.

Cuando la luz atraviesa una gel de color o algún vidrio de color, ocurren fenómenos interesantes relacionados con la interacción de la luz con la materia. La luz blanca, una mezcla de haces de diferentes longitudes de onda, se descompone en sus colores componentes al atravesar un prisma de vidrio. Cada color tiene una longitud de onda diferente, lo que provoca su separación en un espectro similar al arco iris. Además, cuando la luz pasa por un vidrio de color o una gel de color estos pueden absorber ciertas longitudes de onda, lo que da como resultado la coloración observada. Así, el vidrio actúa como un filtro que modifica la luz blanca original en función de sus propiedades físicas y composición.

Durante una sesión de fotografía de retrato con luces de colores, la piel de un modelo puede reflejar los tonos de luz de colores utilizados. Por ejemplo, si se ilumina con una luz azul, la piel podría adquirir un matiz azulado. Además, al pintar con luz, se pueden crear efectos artísticos sobre la piel, como suavizar o resaltar áreas específicas que la sola luz blanca no deja observar. El fotógrafo debe ser consciente de estos efectos y ajustar la iluminación para lograr el resultado deseado en su retrato.

Pinceles luminosos. Los geles para flashes de estudio son filtros de colores que permiten controlar y modificar la luz del flash. Su importancia radica en la capacidad de corregir la temperatura de color, agregar color a la escena y crear efectos especiales. Son herramientas versátiles, económicas y que potencian la creatividad. Los geles ofrecen una amplia gama de colores y densidades, permitiendo un control preciso sobre la luz. Son compatibles con la mayoría de los flashes de estudio y pueden usarse tanto en estudio como en exteriores. Los geles para flashes de estudio, fabricados principalmente de policarbonato (resistente al calor, ligero, flexible y con buena transmisión de luz) o acetato (más económico, menos resistente al calor y flexible), son herramientas que permiten controlar y modificar la luz del flash. Sus características técnicas incluyen la densidad (que afecta la cantidad de luz transmitida), el color (disponible en una amplia gama), la transmitancia (porcentaje de luz que atraviesa el gel) y la reflectancia (porcentaje de luz reflejada). Otros materiales utilizados en la fabricación de geles son poliéster, nylon y gelatina. La elección del material dependerá de las necesidades del fotógrafo. El policarbonato es la mejor opción para la mayoría, ya que ofrece un equilibrio entre resistencia, flexibilidad, transmisión de luz y precio.

Los geles para flashes de estudio son una herramienta valiosa para mejorar la calidad de las fotos y explorar la creatividad del fotógrafo. Las geles de colores convierten a los flashes en artistas, impregnando la piel del modelo en un arcoíris de emociones. Rojo pasión, azul melancolía, naranja intenso cada tono es una pincelada de emociones. La piel ahora es un lienzo. Un toque de aceite mineral realza la textura de la piel, convirtiéndola en un espejo que refleja la luz y la amplifica. Un brillo que intensifica la expresividad del retrato. La danza del cuerpo, las poses ya no son estáticas, son un baile de movimiento y pasión. El cuerpo se convierte en una herramienta narrativa, contando historias a través de la tensión muscular, la fluidez de las líneas inclinadas, diagonales y oblicuas y la energía del gesto.

Pliegos de papel celofán

Es posible adoptar un substituto de menor costo que los geles de colores. Hablamos del papel celofán, hecho de viscosa (derivada de la celulosa), es un material transparente, flexible, permeable y biodegradable. Se fabrica disolviendo celulosa, solidificando la solución, se le da forma de masa y se vacía hasta que toma la forma de una hoja fina y -finalmente- se la deja secar. Su tolerancia al calor es baja (se ablanda a más de 60°C), por lo que no se recomienda su uso a altas temperaturas. Nota: No deberá tocar las fuentes de luz (flash o luz modeladora) de manera directa.

Pintar con luz utilizando papel celofán sobre los softbox. 
(Modelo: Ale Cornavaca)

Las luces destellantes del flash congelan el movimiento en un instante de energía electrizante, creando una estética dinámica. Los filtros de color añaden un toque de surrealismo o nostalgia a la imagen, jugando con la percepción del color. Pintando con luz, el fotógrafo se convierte en un director de orquesta, coreografiando la luz, el color y el movimiento para crear retratos que no sólo capturan la realidad, sino que la reinterpretan, la transforman en una explosión de emociones y creatividad. En este baile de luces y sombras, la imaginación es el límite. Experimenta, juega, explora. Convierte tu cámara en un pincel y pinta con luz retratos que hablen al corazón.

El círculo cromático o rueda de colores es un instrumento gráfico representado en una ruleta, en el cual se organiza y se segmenta colores en base a su tono o matiz. En resumen, si te preguntan qué es el círculo cromático puedes responder que es una herramienta que nos ayuda a visualizar las combinaciones de los colores. Para responder a la pregunta sobre cómo es que se dividen los colores del círculo cromático. Resolveremos el misterio ahora. Colores primarios: son los colores principales del círculo cromático. Cuáles son depende del tipo de círculo; sobre este punto. Colores secundarios: estos colores son producto de la mezcla de dos que son primarios. Por ejemplo: naranja. Colores terciarios: son producto de la mezcla entre un color primario y uno secundario. Así, por ejemplo, al mezclar amarillo y verde se obtiene una tonalidad de verde en particular, que es el verde amarillo. Habrá que tener en cuenta que no todos los colores son primarios o secundarios sin importar el tipo de círculo que se trate.

En cambio, existen tres círculos cromáticos a tener en cuenta (RYB, CMYK, RGB) que te contaré a continuación. Así, mientras que el rojo es un color primario en RYB, es uno secundario en el modelo sustractivo (CMYK). Un círculo cromático clásico también se lo conoce como RYB por sus siglas en inglés Red, Yellow and Blue. Porque está compuesto por los colores básico: rojo, amarillo y azul; y por los colores secundarios: naranja, verde y morado. Hay casos en que un círculo cromático de modelo tradicional puede combinar los colores básicos y secundarios de la siguiente manera; amarillo anaranjado, rojo anaranjado, rojo violeta, azul violeta, azul verdoso o amarillo verdoso, como lo vemos en el gráfico de abajo:

Círculo (rueda) cromático clásico

Cómo lograr combinaciones y mezclas de colores impactantes para "pintar con luz":

1. Creando armonías contrastantes a partir de los colores complementarios indirectos que se encuentran opuestos en el círculo cromático, creando un contraste vibrante y llamativo. Lo vemos al reunir el rojo y el verde, azul y naranja, amarillo y morado. Es una de las combinaciones de colores de círculo cromático más compleja porque se mezcla un color base con dos adyacentes de su opuesto. Por ejemplo, el color naranja, azul y verde son opuestos, pero quedan muy bien cuando llegan a juntarse. Los colores análogos se encuentran adyacentes en el círculo cromático, creando una armonía suave y elegante. Como asociar el rojo, naranja y amarillo; azul, verde y celeste. Las gráficas o imágenes con colores análogos son una salida muy fácil y rápida de emplear en caso no tengas tiempo o necesites entregar tu pendiente en el menor tiempo posible. Solo necesitas encontrar un color adecuado y combinarlas con sus variables adyacentes. Es decir, si eliges rojo, puedes usar rojo, anaranjado y naranja, o rojo violeta y violeta. También te vendrá bien reunir tríadas que combinan tres colores equidistantes en el círculo cromático, creando un equilibrio dinámico y vibrante. Por ejemplo al reunir: rojo, azul y amarillo; verde, naranja y morado. Las combinaciones en tríadas se forman trazando un triángulo imaginario dentro un círculo cromático y que apuntan a tres colores equidistantes. Por ejemplo, azul-violeta, rojo-anaranjado y amarillo verdoso. Estas combinaciones expresan una sensación de balance y también transmiten fuerza por sus contrastes.

2. Incluye efectos psicológicos a través de los colores cálidos que transmiten energía, pasión, alegría y dinamismo, para esto trabaja con rojo, naranja, amarillo. También podrás incluir los colores fríos que transmiten calma, paz, serenidad y melancolía; azul, verde, violeta. Los colores neutros como aplicar el negro, blanco y gris, estos suelen aportar equilibrio, contraste y sofisticación a la composición.

3. Consideraciones adicionalmente el tono, la intensidad del color puede afectar el impacto visual. Los tonos más claros aportan ligereza, mientras que aquellos tonos más oscuros intensifican la profundidad. La saturación determina la viveza del color. Colores más saturados son más vibrantes y llamativos, mientras que colores menos saturados son más sutiles y elegantes. La temperatura del color (cálida o fría) puede influir en la atmósfera de la imagen.

Pintar con luz (blanca) sin agregar colores.

Consideremos -también- que aunque no es inherentemente necesario utilizar dos o tres luces con colores específicos al aplicar la técnica de "pintar con luz" en retratos, este enfoque permite explorar nuevos horizontes creativos y enfatizar aspectos visuales como el movimiento. En este contexto, aquí se describirán algunas maneras de incorporar luces con colores para destacar el movimiento en tu trabajo fotográfico. Aprovecha los colores complementarios y utiliza dos luces con colores opuestos (como azul y amarillo) para crear contrastes vibrantes entre las áreas iluminadas y las sombreadas. Esto puede ayudar a dar la percepción de movimiento cuando los colores cambian dinámicamente debido a la acción del modelo.

Círculo cromático RGB

Emplea las luces aditivas de color cálido (por ejemplo, amarillo, rojo y naranja) junto con otra luz fría (azul o violeta). Al combinar estas luces, podrás generar tonalidades neutras que permiten registrar mejor el movimiento sin distraer demasiado con colores saturados. Considera incluir luz de fondo con un color que contraste con el vestuario o el entorno del modelo. Por ejemplo, si tu modelo está vistiendo ropa de color verde, podrías utilizar una luz azul para hacer que el fondo parezca más oscuro y definido, lo cual también ayuda a enfatizar el movimiento del modelo contra ese fondo. La manera más eficiente de agregar color a la luz será utilizando filtros de color (gel de color) sobre las luces existentes para modificar sus colores. Esto te permite personalizar cada fuente de luz según tus preferencias y necesidades creativas. Una vez que has elegido y configurado las luces con colores deseados, sigue estos pasos básicos para enfatizar el movimiento, coloca las luces en posiciones que permitan iluminar selectivamente diferentes partes del modelo.

Moviliza las luces de forma coordinada con el movimiento del modelo para que las áreas iluminadas coincidan con los momentos claves de la actuación. Por lo general, la fórmula mágica para una buena foto será fundamentarse en los colores de un círculo cromático es que un color sea dominante y el resto sean complementarios al color principal.

Experimenta con diferentes velocidades de obturación (si utilizas flashes clásicos  no superes 1/200) para controlar la cantidad de movimiento registrado por la cámara. Es importante recordar que aunque la técnica de "pintar con luz" puede ser empleada con colores, no es necesario que todos los elementos de la imagen estén iluminados con colores. Lo fundamental es encontrar equilibrios visuales interesantes y coherentes que transmitan la intencionalidad artística detrás de cada obra.

Te comparto contigo un par de tutoriales, espero te sean útiles: Tutorial 1, Tutorial 2.

Si tienes un fondo neutro oscuro te vendrá bien vestir colores pastel o blanco para lograr un contraste más alto. No olvides agregar aceite mineral para bebé sobre la piel visible del modelo para aumentar la reflexión de los colores y favorecer los volúmenes. Comenta y comparte con nuestra comunidad ¿Qué has descubierto hoy al finalizar esta lectura? ¿Ya tienes ganas de producir tu primer retrato pintado con luz? ¿Con qué colores deseas iniciar?

Qué estés bien,

Cómo posar cool y no morir en el intento.

¿Sientes que estás ante un buen amigo o te sientes amenazado y vulnerable frente a la cámara? Saber posar más o menos bien frente a una cámara de fotografía es importante, pues influye en el resultado de la imagen. Y finalmente, sí dominas posar y gesticular correctamente la imagen lograda hablará bien de ti. La buena noticia es que sí es posible adoptar el lenguaje corporal que te va a favorecer y así lograr que cada retrato se exprese -elocuentemente- a favor tuyo.

El lenguaje corporal en el entorno de un retrato fotográfico, se refiere a la comunicación no verbal que se transmite a través de tu postura, tus gestos y las expresiones del cuerpo. En la fotografía de retrato el lenguaje corporal es fundamental para expresar emociones, sentimientos y estados de ánimo con quienes la observen. Cada gesto, postura o expresión corporal puede transmitir sensaciones y mensajes específicos, lo que permite imprimirle la emoción precisa y el significado a la imagen fotográfica. Por ejemplo, habrá que considerar el ángulo de giro, la mirada, la posición de los hombros, los pies y las manos, entre otros, pueden influir en la interpretación de la fotografía. Conocer y utilizar el lenguaje corporal en un retrato fotográfico permite al fotógrafo y al modelo comunicar de manera efectiva la historia que desean contar a través de la imagen.

Los fotógrafos pueden aprovechar el lenguaje corporal para crear retratos que transmitan un mensaje específico. Por ejemplo, un fotógrafo que quiera crear un retrato de un ejecutivo exitoso puede elegir una pose que transmita confianza y autoridad. Un fotógrafo que quiera crear un retrato de una persona artística puede elegir una pose que transmita apertura y creatividad. Al elegir una pose para un retrato, es importante considerar el mensaje que se quiere transmitir. El fotógrafo puede trabajar con el modelo para encontrar una pose que sea cómoda y que transmita la imagen deseada. ¿Qué podemos provocar en el observador con una pose? Pues, varias cosas. Toma nota de algunas:

Confianza: Una postura erguida, con los hombros hacia atrás y la cabeza alta, transmite una imagen de confianza y seguridad. Por ejemplo, una persona que se sienta erguida en una silla o que se pare con los pies separados y los hombros hacia atrás, transmitirá una imagen de confianza y autoridad.

Timidez: Una postura encorvada, con los hombros hacia abajo y la cabeza baja, transmite una imagen de timidez o inseguridad. Por ejemplo, una persona que se siente encorvada en una silla o que se pare con los pies juntos y los hombros hacia abajo, transmitirá una imagen de timidez o inseguridad.

Apertura: Una postura abierta, con los brazos y las piernas relajados, transmite una imagen de apertura y receptividad. Por ejemplo, una persona que se sienta con los brazos apoyados en los reposabrazos o que se pare con los brazos a los lados, transmitirá una imagen de apertura y receptividad.

Cierre: Una postura cerrada, con los brazos y las piernas cruzados, transmite una imagen de cierre o distancia. Por ejemplo, una persona que se siente con los brazos cruzados o que se pare con las manos en los bolsillos, transmitirá una imagen de cierre o distancia.

Agresión: Una postura agresiva, con los brazos y las piernas extendidos, transmite una imagen de agresión o fuerza. Por ejemplo, una persona que se siente con los brazos extendidos o que se pare con los pies separados y las manos en las caderas, transmitirá una imagen de agresión o fuerza.

Al posar correctamente, se puede transmitir la emoción y el mensaje deseados, evitando posturas forzadas y antinaturales. La pose y el lenguaje corporal resultan fundamentales para expresar emociones y narrar una historia en la fotografía, especialmente en el caso de la fotografía de moda y en retratos casuales. Además, al posar con movimiento, se puede lograr una imagen más natural y menos forzada. En resumen, posar bien frente a una cámara es crucial para capturar la esencia del momento y transmitir la emoción deseada a través de la imagen.

Posar para una cámara de fotografía es la acción de adoptar una determinada postura o expresión facial ante la cámara con el objetivo de obtener una imagen estéticamente agradable. El objetivo del fotógrafo es capturar la esencia del sujeto o la escena a través de la pose.

Así que habrá que mantener en el foco de nuestra atención algunos factores claves que te van a acercar a ese retrato genial que estás buscando para tu próxima foto:

La postura: Es uno de los elementos más importantes a la hora de posar. Debe ser natural y relajada, pero también debe ser expresiva y atractiva. Se debe prestar atención a la posición de la espalda, los hombros, las caderas y las piernas.

La expresión facial: Se trata de otro elemento clave. Debe ser natural y sincera, pero también debe ser expresiva y atractiva. Se debe prestar atención a los ojos, la boca y la sonrisa. Una sonrisa sincera y natural es una de las expresiones faciales más favorecedoras en un retrato. Transmite alegría, felicidad y positividad. Prueba con una sonrisa amplia y plena, una sonrisa suave que muestre una línea de diente, una sonrisa con los labios juntos y una suave curva en la comisura de la boca, y finalmente sin sonrisa, los ojos son la ventana al alma, por lo que es importante que estén bien abiertos y bien iluminados. ¡Sonríe con tus ojos! Esto ayudará a que la mirada sea más expresiva y atractiva, una postura erguida y segura transmite confianza y seguridad en uno mismo. Un lenguaje corporal relajado y natural ayudará a que la foto sea más natural y espontánea. La mirada hacia un lado puede transmitir misterio, sensualidad o coquetería, un leve levantamiento de la ceja puede transmitir sorpresa, curiosidad o interés, un labio inferior mordido puede transmitir sensualidad o timidez, tocarse el cabello puede transmitir nerviosismo, coquetería o confianza en uno mismo. ¿Qué otras ideas te funcionan bien a ti?

La iluminación: Es un factor fundamental para obtener una buena fotografía. La luz debe ser suave y uniforme, para evitar sombras y contrastes demasiado marcados.

El ángulo de visión: También conocido como el POV o punto de vista, es el punto desde el que se toma la fotografía. Se puede elegir un ángulo alto, bajo, frontal, lateral o de espaldas. El ángulo elegido puede ayudar a resaltar o disimular ciertas características del sujeto o la escena.

Pose de brazos en jarra: Llevar las manos a las caderas y estilizar los brazos, separando un poco las piernas para resaltar la cintura y destacar la elegancia de la postura.

Pose de piernas separadas: Parar de lado y colocar una pierna frente a la otra, con la pierna de atrás relajada y el peso descansando sobre ella. Esta pose hace que las piernas y caderas luzcan más delgadas.

Pose de cruzar los tobillos: Para las fotografías de sentada, cruce los tobillos y no toda la pierna, especialmente si se usa una falda o vestido. Esta pose permite mostrar solo un poco de pierna y mantener una silueta delgada.

Pose de pie frente a la cámara: Mantener el cuerpo erguido, con las piernas separadas y los brazos en jarra, para resaltar la altura y la delgadez de la persona.

Ahora hablemos de algunos grupos de poses que nos van a facilitar nuestro proceso de seleccionar aquella pose idónea. Observemos algunas opciones:

Posar de pie: Son las más comunes. Se pueden realizar mostrándonos de frente, de espaldas, de perfil o en ángulo.

Posar sentado: Las poses sentadas son una buena opción para personas con sobrepeso o con problemas de movilidad.

Posar acostado: Las poses tumbadas son una buena opción para personas con mucho busto o con una figura curvilínea, bien sea sobre la espalda o sobre el abdomen.

Posar con objetos: Los accesorios pueden ayudar a crear mayor interés y dinamismo en la fotografía. Los accesorios vintage o retro, de otra época, tecnologías de punta de la oficina o para el hogar. Los fotógrafos de retratos casuales -también- incluyen usar objetos para crear triángulos en sus imágenes.

Se puede sostener un paraguas o una cámara, creando un triángulo. O bien, el modelo puede sentarse sobre una silla o un banco, creando un triángulo con el asiento y el respaldo.

El cuerpo y las poses que incluyen triángulos pueden producir resultados estéticamente geniales. Esto se debe a que los triángulos son una forma geométrica fuerte y atractiva que puede agregar interés y profundidad a una imagen. Además, pueden ayudar a estilizar el cuerpo, creando una apariencia más delgada y más elegante. Aquí hay algunos ejemplos de cómo se pueden usar los triángulos en las poses de retratos fotográficos: Los brazos y las piernas pueden formar triángulos. Por ejemplo, una persona puede colocar un brazo sobre la cabeza y otro en la cadera, creando un triángulo invertido. O, una persona puede cruzar las piernas, formando un triángulo rectángulo.

El cuerpo completo o las extremidades pueden sugerir poses donde observamos triángulos. Por ejemplo, una persona puede inclinarse hacia adelante, creando un triángulo recto con su cuerpo y el suelo. O, una persona puede sentarse en el suelo, con las piernas dobladas hacia atrás, creando un triángulo invertido.

Al usar los triángulos en las poses de retratos fotográficos, es importante tener en cuenta la composición de la imagen. Los triángulos deben estar colocados de manera estratégica para crear un equilibrio y un interés visual. El uso de triángulos en la composición fotográfica puede ayudar a crear estructura, equilibrio y dinamismo en las imágenes, y puede ser explorado de muchas maneras diferentes, dependiendo de la visión artística del fotógrafo.

Aquí hay algunos consejos para usar triángulos en las poses de retratos fotográficos que podremos revisar a continuación. Experimentar con diferentes posiciones y ángulos. No tenga miedo de probar diferentes opciones para así explorar y ver qué funciona nos mejor. Considere la altura del sujeto. Los triángulos pueden ayudar a estilizar el cuerpo, pero es importante que estén equilibrados. Las poses de retratos casuales utilizan triángulos se suelen utilizar para crear una sensación de equilibrio y dinamismo en la imagen.

Recordemos un poco qué son los triángulos: Un triángulo rectángulo es un triángulo que tiene un ángulo recto, es decir, un ángulo de 90 grados. Los otros dos ángulos de un triángulo rectángulo suman 90 grados. Los lados de un triángulo rectángulo se denominan hipotenusa, cateto opuesto y cateto adyacente. La hipotenusa es el lado opuesto al ángulo recto. Los catetos son los lados adyacentes al ángulo recto. Un triángulo equilátero es un triángulo que tiene tres lados iguales. Esto significa que todos los lados tienen la misma longitud. Los ángulos internos de un triángulo equilátero también son iguales. Cada ángulo tiene una medida de 60 grados.Un triángulo equilátero es un tipo de polígono regular. Esto significa que todos sus lados tienen la misma longitud y todos sus ángulos internos tienen la misma medida. Algunas de las poses de retratos más comunes que utilizan triángulos incluyen:

La pose de la "A", donde el modelo coloca los brazos en forma de A, creando un triángulo invertido. Esta pose es muy versátil y se puede utilizar para una variedad de estilos. 

La pose de la "V", donde el modelo coloca los brazos en forma de V, creando un triángulo rectángulo. Esta pose es más dramática que la pose de la "A" y se puede utilizar para crear una sensación de movimiento y energía. ¿Qué aprendiste hoy, qué has descubierto, qué fue eso no sabías hace sólo 5 minutos, qué te sorprendió más?

¿Te gustaría? Para el cierre de este post, si nos tomamos un par de minutos para observar algunos proyectos donde las poses basadas en triángulos se aplican en proyectos de alto presupuesto. Analiza, define si el triángulo aplicado es equilátero o triángulo rectángulo, define si la base es más corta o más larga, la modelo está en reposo o en movimiento, qué tipo de fondo se ha utilizado en este retrato entre otros detalles a descubrir:

Que estés bien.