14 marzo 2017

Ricardo Morales, un gran señor de la publicidad en televisión

La ciudad de Tegucigalpa vio nacer a Ricardo Morales en el año de 1946, más adelante asistió a la escuela primaria en el Barrio Guanacaste, la José Trinidad Cabañas. Sus estudios continuaron y lo llevaron hasta la facultad de ingeniería de la UNAH.
Ricardo Morales en sala de edición, 2017.
De forma muy personal debo comentarles que me encanta disfrutar de las platicas, y de las experiencias que "Don Ricardo" comparte cada vez que nos encontramos. Él siempre habla con un tono calmado y con deseo de enseñar, y si has aprendido a escuchar, seguro que aprenderás mucho.
Con solo 14 años de edad comenzó a colaborar en un proyecto audiovisual llamado Canal 5. Él mismo, y en sus palabras nos explica que "...fue la necesidad por sobrevivir y de salir adelante. Aprovechando las oportunidades que se me presentaron, poniendo empeño y dedicación al realizar el trabajo que me fue encomendado, obtuve logros que nunca imaginé..." 
Los inicios, como suele suceder, no son fáciles en el caso de Ricardo Morales tampoco lo fue. "Hacía de todo un poco, y le ayudaba a Don Ramón Moncada L., un caricaturista e ilustrador de ese entonces, en la preparación del material para las presentaciones de los programas y de anuncios publicitarios; éstos se hacían artesanalmente con dibujos, fotografías, recortes de revistas y textos hechos con marcador o pintados con pintura témpera, para ser tomados en su momento en los estudios en vivo. Después de unos meses Don Ramón dejo de colaborar en Canal 5 y como yo conocía el trabajo, me quede a cargo del Departamento. Un tiempo después todo el material se transfirió a transparencias-slides- y comencé a hacer los primeros comerciales en este formato, con tomas de los productos, con modelos y en localizaciones, aprendí a usar la cámara fotográfica e incluso a revelar la película."
El joven Ricardo se mantuvo por algún tiempo en su puesto. Al completar sus estudios de la escuela secundaria surgieron nuevas necesidades. "Cuando estaba en canal 5 cursaba mis estudios de secundaria, al terminar, renuncie al trabajo para poder asistir a la universidad. Aproximadamente un año y medio después inicio el Canal 11 de Tegucigalpa y me ofrecieron un trabajo en el departamento de producción, volví al redil en una nueva etapa, aquí preparaba todo lo que se necesitaba para producir la publicidad, desde los textos y todo el material necesario para hacer los anuncios comerciales. En este caso -los comerciales- se hacían con transparencias. En el inicio de la televisión en Honduras algunas marcas internacionales tenían anuncios realizados en película de cine de 16 milímetros, éstos anuncios fueron producidos en el extranjero, y otros eran realizados localmente -en Honduras- por Sami Kafati, Oscar Asfura y Rodolfo Zúniga Vásquez. Cuando ya tenía como dos años de estar en Canal 11 y junto a mi compañero de trabajo, Delio Rodríguez Quintanilla que estaba en el área de ventas, invertimos en una cámara de cine de 16 milímetros. Él vendía la publicidad y yo realizaba comerciales, en esa época hicimos muchos comerciales que se emitieron desde en los canales de la televisión local.
Parecía que todo marchaba viento en popa, era el año de 1969. "Cuando trabajaba en Canal 11, vivimos el inicio de la era del video-tape en Honduras, el Canal 11 adquirió una de las primeras máquinas de video que hubo en el país, éstas usaban cinta de vídeo de 2 pulgadas, no se podía editar en ellas, sólo se podía grabar y reproducir programas completos. En Canal 11 hicimos algunos comerciales para presentarlos dentro de su programación, producíamos los comerciales con ese mismo equipo, y como no se podía editar preparábamos todo el material y se grababa de una sola vez -en un plano secuencia- utilizando grabaciones de audio en directo, tomas de producto, presentador, modelos y todo lo que fuera necesario, se repetía muchas veces hasta que quedaba bien hecho y a completa satisfacción. Realmente creo que éstos fueron los primeros comerciales en video-tape que se realizaron en Honduras."
El gobierno del vecino El Salvador tenía una presión social muy fuerte de parte de sus campesinos que exigían tierras para trabajar, durante un partido de fútbol entre la selección de Honduras y El Salvador surgió la violencia entre los dos vecinos. El ejercito y fuerza aérea de El Salvador invadieron el territorio de Honduras para cederlo a sus incómodos e insatisfechos campesinos "...pero hubo problemas cuando se presentó la dizque (supuesta) guerra entre Honduras y El Salvador, hubo una gran baja en las ventas y un tiempo después fue cerrado el canal 11 por su propietario".
video
Demo Reel.
"Cuando cerraron el Canal 11, pasé a trabajar en una empresa de ingeniería, y en mi tiempo libre realizaba trabajos de arte publicitario y anuncios para televisión producidos con fotografías en transparencia. por esos días uno de mis clientes fue Infarma. Con la llegada del primer equipo el video-tape portátil, me solicitaron realizar un vídeo utilizando el equipo de producción que utilizaba un programa de televisión -cámara y grabadora de reel de ¾ de pulgada- en ese tiempo el Gerente de Infarma era el señor Felipe Acosta. Juntos vimos la posibilidad de iniciar una productora con los equipos que habían y que trabajaban con video cassettes de ¾ de pulgada -U Matic SP-, la idea se concretó y así nació PAV, Producciones Audio Video." 
No está de más decir que durante todos los años que Don Ricardo colaboró produciendo comerciales en vídeo desde PAV se formaron muchos profesionales de la producción audiovisual, miles de spots televisivos, reportajes, identificaciones de canal, en fin.
Sala de controles de Producciones Audio Vídeo.
"Colaboré en PAV durante 20 años, empezamos con los equipos muy modestos, sencillos y económicos, no eran para nada sofisticados como los que existen ahora, pero para la televisión de entonces tal vez sí lo eran. 

La experiencia y conocimientos adquiridos a lo largo de todos esos años fueron innumerables, en cada una de las grabaciones que hacíamos vivíamos momentos increíbles, tuvimos muchas experiencias casting de modelos, scoutting de localizaciones, preparación de los diferentes materiales para utilizar en los comerciales, las grabaciones, lo más interesante es que no habían equipos para hacer efectos especiales de posproceso como los que existen hoy y teníamos que ingeniarnos para realizar manualmente a puro golpe de creatividad, no había como decía el celebre amigo Carlos Calderón pirotecnia que ponerle a los comerciales. 

Creo que lo más interesante fue vivir el nacimiento de toda la nueva tecnología que es utilizada en los diferentes medios de comunicación, el Video Tape, el Fax, los CD, los DVD, la Computadora, el Internet, el Celular, las cámaras Digitales y hoy en día son inimaginables las producciones que se pueden realizar con todos estos avances de estos últimos años.

Después de PAV tuve la oportunidad de iniciar mi propia empresa de producción: RM VIDEO Y AUDIO PRODUCCIONES, desde su inicio, mi hijo Ricardo Morales Navas, se incorporó a trabajar en el área de Edición, Animación en 3 y 2D, que posteriormente después de viajar a los Estados Unidos a prepararse profesionalmente en Animación en 3D y diferentes técnicas audio visuales, inicio su propia empresa: LEVEL 7 ESTUDIOS, aún continuamos trabajando, este año cumplimos ya 20 años de haber iniciado RM VIDEO Y AUDIO PRODUCCIONES."

Este espacio se presta oportuno para compartir un comentario, saludo, anécdota, experiencia, vivencia laboral o personal, y permitir así que otros lectores de los Pensamientos Maupinianos puedan descubrir a fondo todo el trabajo y ética demostrada en su labor audiovisual y televisiva a favor de la industria publicitaria en Honduras, y que hoy no sería la misma sin cada uno de sus aportes.

También puedes disfrutar de la entrevista a Roberto Redondo Licona, para leer dar click aquí.

Qué estés bien.




El autor de este post es publicitario, creativo y productor audiovisual y ha incursionado exitosamente como docente universitario para el Instituto de Mercadotecnia y Publicidad de México, así como en la UNITEC en Honduras desde hace más de veinte años. Es asesor publicitario independiente, redactor de artículos sobre publicidad, conferencista y blogger.

15 febrero 2017

Creativity, introducción a la creatividad.

¿Soy creativo? Sí. ¿Mi creatividad se puede potenciar y desarrollar? Nuevamente, sí. ¿La creatividad es una cualidad exclusiva de los genios? No, para nada. Por creatividad generalmente se entiende la capacidad del ser humano de expresar lo que tiene dentro de sí mismo en forma original. Pero en esta oportunidad vamos a enfrentarnos a un poco de historia, una muy sana, y que a todos nos viene bien conocer.
Joy Paul Guilford (1897-1987)
Creativity, así se llamó la conferencia dictada por el psicólogo norteamericano Joy Paul Guilford en el año de 1950, allí fue donde se utilizó este término por primera vez. Se llama Creatividad a la creación de ideas; adaptación, imaginación, construcción, originalidad, evolución, libertad interior, fuerza poética y, en términos más amplios, un cierto distanciamiento de la base del problema.
Guilford, nació en una granja cerca de Marquette, Nebraska, el 7 de marzo de 1897. Compartió clases en las universidades de Kansas (1927–28), Nebraska (1928–40) y en Southern California (1940–67), falleció en Los Ángeles, un 26 de noviembre de 1987 a la edad de 90 años. Conocido también por su conferencia con el nombre de Creativity frente a la Asociación Americana de Psicología en ésta aclaró ciertos puntos de lo que es la creatividad despertando la curiosidad en otros psicólogos que a su vez empezaron a hacer más estudios sobre la creatividad.
Para algunos otros autores la creatividad es el proceso de generar ideas novedosas y manifestarlas, haciendo que suceda algo como resultado. Todos los individuos poseen y guardan un potencial creador en algún aspecto de su persona. Para otros autores, la creatividad depende de la inteligencia, porque ser inteligente es ser capaz de interligare, lo que en latín significa la capacidad de relacionar o asociar conceptos, proporciones y/o cosas, es decir, de hacer vinculaciones. El consenso que existe sobre el concepto de creatividad, en todo caso, es que es una capacidad propia del ser humano y que consiste en relacionar elementos diferentes entre sí para generar algo nuevo o novedoso. Lograr una analogía es obtener una comparación metafórica. La analogía más remota es la más creativa. La creatividad tiene su origen en la analogía, ya que cuanto más distante sea la asociación de ideas que se haga, más novedoso será el resultado.

Para Sigmund Freud. (Freiberg, 1856 - Londres, 1939) neurólogo austriaco, la creatividad es la cumbre del deseo del artista, se trata de una abertura hacia los deseos y fantasías reprimidas. En cambio, el psicoanalista Ernst Kris asoció la creatividad con la habilidad de encontrar nuevas conexiones entre ideas. Una receta compuesta en conjunto con el pensamiento consciente e inconsciente. Para Olivereira, se trata de la relación entre seis elementos: aptitudes intelectuales, conocimientos, estilos de pensamiento, personalidad, motivación y contexto. Así, varios autores señalan la contribución al pensamiento creativo de los rasgos personales del sujeto “incluyéndose aquí dimensiones de naturaleza cognitiva (fluidez o flexibilidad de pensamiento) y factores no cognitivos (personales y sociales, como tolerancia a la ambigüedad, propensión a asumir riesgos, motivación intrínseca, autoeficacia o los estilos creativos”.

La creatividad y la motivación son muy importantes porque la mayoría de las personas creativas extraen de esta fuente sus productos. Poseer o tener motivación significa disponibilidad para dedicar hasta cinco horas por semana a la búsqueda de una nueva manera de hacer, mientras que para la mayoría de las otras personas dedicar a esa misma tarea menos de diez minutos a la semana será suficiente. Tener motivación significa -también- seguir buscando nuevas alternativas cuando todos los demás se conforman con las ya viejas conocidas. hay que ser suficientemente curioso para buscar nuevas explicaciones. Tener motivación significa probar y estudiar, siempre en busca de nuevas ideas. Edward de Bono, reconoce tres tipos de obstáculos del pensamiento creativo; la falta de información, el bloqueo mental y el peso de lo obvio. Cuando lo obvio del problema impide advertir una mejor opción, puede ser superado a través del pensamiento divergente.
Un aspecto muy importante de la motivación es la disposición a detenerse para observar lo que nadie se ha ocupado por observar. El simple proceso de prestar atención a hechos que normalmente son considerados como cosas ya dadas u obvias es una poderosa fuente de creatividad, aunque no se aplique específicamente solo a la creatividad. Tener motivación -entonces- supone una inversión de tiempo, esfuerzo y un intento de ser creativo. Con el tiempo, esta inversión ofrece sus frutos en forma de ideas -soluciones- nuevas y creativas. 
Gran parte de lo que parece talento creativo no es más que pura motivación creativa, y nada de malo hay en ésto. Y si a la motivación existe, y pudiéramos agregarle ciertas técnicas creativas, la combinación podría ser una herramienta sumamente poderosa. La inspiración decía Pablo Picasso siempre llega, pero ha de encontrarnos trabajando para que la podamos aprovechar.
Según las reglas de la etimología podremos rastrear el origen de Creatividad hasta hoy de la siguiente manera en lengua castellana o español; KRE: Creare: Hacer crecer, originar o llevar hacia delante. En francés “creatividad” viene del latín: ”creo, creas, creaui, creatum, Creare”. En alemán, tenemos”schöpferkraft” que se parece a “schôpfen” (sacar agua de un pozo o aire para respirar, inspirar). En griego antiguo: hacer, causar, crear, producir, componer (una narración poética). En árabe, la raíz ”BaDaEa” permite expresar todo lo que ponemos junto en el campo de la creatividad, de la originalidad y del invento. La raíz hebraica idéntica tiene también connotaciones positivas inventar, imaginar y también negativas como mentir.

Qué estés bien.

Mauricio Pineda



El autor de este post es publicitario, creativo y productor audiovisual y ha incursionado exitosamente como docente universitario para el Instituto de Mercadotecnia y Publicidad de México, así como en la UNITEC en Honduras desde hace más de veinte años. Es asesor publicitario independiente, redactor de artículos sobre publicidad, conferencista y blogger.

02 febrero 2017

Daniel Vega...un toque de magia.

Pongamos a volar la imaginación y disfrutemos de un mágico tiempo.
Daniel Vega apareció un 14 de julio de 1997 en Tegucigalpa, no fue un truco de magia, se trató sólo de un nacimiento normal. Cuando nos habla de su familia nos explica que se trata de una familia común y corriente, a sus dos años su padre había quedado sin empleo en la banca donde colaborado aproximadamente por 20 años (tomando en cuenta que él estudió algo completamente fuera del área) entonces pasaron a sostenerse con un emprendimiento familiar; una tienda de abarrotes.
Daniel recuerda que cuando estaba pequeño le encantaba cantar (y es algo que todavía practica regularmente…es como su forma de relajarse) y participó en el coro de su escuela durante los primeros años de ésta, también tuvo la oportunidad de representar a su escuela en concursos intercolegiales de canto. Daniel, nos platicó sobre un importante comentario que surgió de un hermano de su abuela. "En ningún punto pensé que la magia iba tomar este rumbo en mi vida, cuando empecé hace 6 años lo hacía únicamente por diversión. Un día mi tío Victor, me vio y dijo “¡Hey! Eso está bueno para una fiesta de cumpleaños!”. Eso creó una gran emoción en mi, y surgieron las las ganas por desarrollar un show formal y hacerlo de manera profesional."
El mago Daniel Vega.
También nos compartió que hacer magia no era lo principal a su corta edad, amaba jugar en su computadora y asumir retos de agilidad mental, chatear en MSN, y disfrutar de la magia de la televisión. "Mi primer encuentro con la magia fue a los 7 años de edad con un equipo de magia para niños que vendían en un almacén de Tegucigalpa, fue un regalo de mi mamá. Lo disfruté por dos años. Estoy casi seguro que era el truco de unas ligas de hule mágicas que traspasaban los dedos; todavía recuerdo donde lo aprendí. Cabe mencionar que recuerdo haber estado muy emocionado ya que ese día nos había visitado un mago en mi escuela y él fue quien me inspiró -nuevamente- al mundo de la magia."

"El día que uno de mis trucos causó una impresión muy fuerte fue cuando presenté mi primer show en mi escuela. Había ensayado por varios meses y estaba muy emocionado, también nervioso, todos los chicos tenían mucha expectativa ya que era algo nunca antes visto. La recepción fue muy buena."
Daniel nos explica como se prepara para desarrollar un evento de magia. Un show de magia se monta en modo de rutina. Es decir, si yo hago aparecer un pañuelo tiene que haber un motivo relevante por el cual lo aparezco, mas allá de simplemente aparecerlo. La música va emocionalmente ligada y sincronizada de acorde a lo que se está presentando y con la personalidad del mago; en mi caso utilizo música dinámica ya que soy muy activo en el escenario y en algunos casos me acompaña una guapa asistente para algunas rutinas que me son imposibles de realizar sin apoyo. Trato de proyectar elegancia, frescura, ser jovial, tener gracia,simpatía  y agilidad. Sin embargo hay magos que les gusta la magia lenta y con “clase”, es algo un poco más serio.
Las rutinas de magia son todas diferentes y en cada una se busca un impacto o experiencia diferente de parte del público que honra con su compañía cada show. "Hay rutinas que son de impacto, otras rutinas o trucos son más situaciones de comedia, y también las hay muy emotivas y sentimentales. Busco que el show lleve cierto ritmo; me encanta iniciar con una rutina de alto impacto, luego una serie de rutinas más simpáticas y hasta cómicas, después un efecto sentimental y finalmente cerrar el show con una de impacto nuevamente."
Los sueños, y las ilusiones de un mago están en constante crecimiento, Daniel nos cuenta sobre sus aspiraciones. -Siempre he querido montar algo llamado “Grandes Ilusiones”, son efectos con aparatos muy grandes (Ejemplos de ellos son la mujer partida por la mitad, la aparición del tigre, etc.). Es algo que requiere mucha práctica y  no podría presentar una de estas ilusiones en una fiesta de cumpleaños, mas si en un teatro o escenario. Por primera vez voy a presentar algo así muy pronto durante la TELETON 2016, junto a mi asistente haremos algo que espero le guste al público. 
La práctica hace al mago, hay que tener sensibilidad para saber cuando algo ya está listo para presentarlo en público. -Yo creo que hay tener la gracia para hacerlo. Es importante la práctica constante y ser honesto con uno mismo. Si algo no se ve bien en la sesión de práctica, será mejor todavía no presentarlo ante un público...a mi me encanta unir la magia con el humor. Son una mezcla peligrosa si es un humor incorrecto; se mata el efecto sorpresa de la magia por muy bueno que sea.

Hoy por hoy, que otras actividades realiza Daniel aparte de práctica la magia.
-Estudio en el programa de licenciatura en Comunicación Audiovisual y Publicitaria, a la vez estoy estudiando y ampliando mis conocimientos musicales para poder alcanzar mi nuevo sueño en la vida: Servirle a Dios como Director de Alabanza. Cuando estoy fuera del mundo de la magia, me encanta escuchar música, ver series de televisión en mi laptop como Chespirito, Eugenio Derbez o alguna película en Netflix. Más que la publicidad en sí, lo que me encanta es desarrollar contenidos para medios audiovisuales en Podcast. Siempre en el colegio era yo quien editaba proyectos de vídeos, grababa -era autodidacta, ya que no recibí ninguna clase de edición-. Al igual me gustaba mucho el mundo de la realización de audio; la escuela donde estudié me facilitaba un equipo de audio y yo lo manejaba.

¿Qué es la magia? -La magia es algo hermoso, más allá que algo para impresionar chicas o hacer un par de efectos en una fiesta. Cuiden este arte y sepan valorarlo.

¿Un sueño del Mago Daniel Vega? -Me encantaría poder presentarme en el Magic Castle de Las Vegas o en Le Plus Gran Cabaret de Francia.
A manera de broma le pregunté a Daniel ¿Si pudieras desaparecer a alguien a quien elegirías? -A toda persona que quiere hacer un mal en este mundo.
Ha sido un placer, me la pasé bien a lo largo de nuestra platica de hoy y espero la hayan disfrutado tanto como yo.
Pueden seguirme en mis redes sociales:
Facebook: Daniel Vega - Mago/Ilusionista
Instagram: @DanielVegaHN


Qué estés bien.

Mauricio Pineda

El autor de este post es publicitario, creativo y productor audiovisual y ha incursionado exitosamente como docente universitario para el Instituto de Mercadotecnia y Publicidad de México, así como en la UNITEC en Honduras desde hace más de veinte años. Es asesor publicitario independiente, redactor de artículos sobre publicidad, conferencista y blogger.

09 enero 2017

Weeepa, sopa de caracol.

Juan Pompilio Tejeda Duarte, Pilo Tejeda, co-fundador de Banda Blanca
En el año de 1969 se organizó en El Progreso, Yoro la agrupación musical Los Incas, y que luego pasaría a San Pedro Sula como la Banda H (1972), dirigida por Pilo Tejeda, y ésta se convertiría después en Banda Blanca, la embajadora de la cultura caribeña de Honduras por el mundo entero. Pilo Tejeda, (Juan Pompilio Tejeda Duarte) nacido el 01 de diciembre del año 1953, en el Bo. El Centro, de El Progreso, es maestro de educación primaria. Inicia -entre los años de 1969 a 1971- a tocar ritmos Rock & Roll y baladas, con su primera agrupación un día agregaron una pieza con beat de merengue "Aurora"; que funcionó muy bien y en  el año de 1973 decidieron cambiar a un estilo musical con ritmos más caribeños y así nació Banda Blanca junto a sus trece integrantes y ésta que casi se llegó a llamar Las Garzas Blancas por el nombre de un escenario donde se presentaban por aquellos días.
Grupo musical de la comunidad garínagu (garífuna), Honduras.
En su búsqueda de ritmos caribeños dentro de las comunidades de Honduras se encontraron con un ritmo folclórico de la etnia garínagu (hablan lengua garífuna) ésta incluye a 47 comunidades a lo largo de Honduras, y suman casi 300 mil miembros, y que en uno de sus bailes cuentan con un ritual para la fertilidad -del año 1756- que las mujeres garífunas lo bailan girando rápidamente sobre la "punta de sus pies", a este baile tradicional y a su ritmo a base de percusiones se le conoce como "punta" o banguity (nueva vida) en garífuna. Posee un ritmo complejo un tambor toca un redoble de 2/4 o 4/4. El segundo tambor toca 6/8. Este es el redoble al que se mueven los pies. Las mujeres cantan en tiempo de 4/4. El segundo tambor es constante, pero la concha, maracas, y primer tambor improvisan solos, parecido al jazz.
Bandera Nacional de Honduras.
La sopa de caracol. En casi toda Honduras es muy popular una comida que se considera un exquisito manjar sobre todo en la costa norte -caribe hondureño- hablamos de una sopa cremosa con vegetales y carne de caracol de mar.
Mar Caribe, hogar del lobatus gigas.
Dicho caracol es un molusco de gran tamaño comestible autóctono y que crece en el mar Caribe de América en praderas de fanerógamas marinas de sustratos arenosos, se alimenta de plantas marinas y se le conoce por varios nombres, caracol rosado y lobatus gigas, entre muchos otros. Su consumo se extiende por las islas caribeñas, las Bermudas (Queen conch), Golfo de México, la costa caribeña de Centro América, también en la costa de Venezuela, donde se conoce como Botuto y donde está en veda total y se encuentra presente hasta Brasil. El valor de mercado de sus consumidores caribeños es cercano a los USA $ 40 millones.
Sugerencia para servir una sopa de caracol.
La receta de esta sopa con caldo cremoso de verduras y carne de caracol puede ser de la siguiente manera, veamos sus ingredientes:
1. 1.5 Kg. de carne de molusco caracol rosado sin piel.
2. 2 latas de leche de coco espesa.
3. 1 Kg. de yuca blanca.
4. 3 plátanos -banano- verdes.
5. 3 zanahorias.
6. La carne fresca de dos cocos molidos (Ralladura de coco).
7. Cebolla, pimiento verde (chile dulce), cilantro (culantro de hoja ancha), dos dientes de ajo, pimienta negra molida, cominos, achiote en polvo, y apio.
8. 1/2 barra de margarina.
9. 1 taza de leche.
A la leche de coco espesa se le agregan 3 vasos de agua, luego la ponemos a hervir en una hoya sopera, se le agrega la yuca y zanahoria cortada en trozos pequeños mientras ésta mezcla todavía hierve, recuerde que se deberá mover constantemente. Por aparte se sofríe en una cacerola la cebolla un sofrito; con los dos dientes ajo picados, chile dulce -pimentón- cilantro -culantro de pata- apio, una pizca de pimienta y cominos, y un cuarto de cucharadita de achiote para añadir un poco de color. Cuando el caldo de la leche de coco y la yuca empiecen ya a hervir, se le agrega el sofrito. En el punto en que la yuca ya se siente blanda es entre los 15-20 minutos, se le agregará el plátano verde partido en trozos pequeños de unos 2 cm. Para mejorar la sazón puede agregar algunos mariscos (trozos de camarón, pescado) al gusto y cuando este todo cocinado se le agrega la carne del caracol en cuadros y se apaga la llama y lo dejas cocinar. Para disfrutarlo en la mesa se puede agregar -al plato sopero- el jugo de medio limón (zumo) y unas gotas -al gusto- de salsa picante, y arroz blanco. También puedes experimentar con la receta Nestlé de la sopa de caracol.
Pilo Tejeda en plena gira junto a Don Francisco, en Sábado Gigante.
Sobre su origen, algunos consideran que se ha tomando inspiración del proyecto del escritor y compositor beliceño Hernán (Chico) Ramos quien compuso en lengua garífuna un tema de la deliciosa sopa.  Otros creen que el texto de la letra viene del idioma inglés (What a very good soup) y no del garífuna. Según el propio Pilo Tejeda: -Todo surgió después de una noche de baile en la ciudad puerto de Tela, Atlántida. En  1989 la sopa de caracol era un plato que se tomaba después de una noche de fiesta. Así nació la lírica de la canción "wata negui consup" quiero tomar sopa, "luli ruami wanaga" quiero seguirla disfrutando. Pilo, agrega que: Todas mis canciones siempre han sido de alegría y positivismo, a mí la tragedia y la muerte no me inspira, me inspiro en la vida y el amor a mi país. En el año de 1991 los organizadores del Carnaval de la calle 8 de Miami, Florida adoptaron a Sopa de Caracol como el tema oficial de su evento y fue allí que todo despegó, sólo un año antes se habían sumado al grupo Fátima, Verónica y Susana las primeras bailarinas. Pilo, dejó por completo su actividad docente de medio tiempo, misma que fue ejercida a lo largo de 14 años para entonces atender los nuevos compromisos internacionales de Banda Blanca a tiempo completo.
Pilo Tejeda junto a algunos de sus premios por su carrera musical.
Hemos tenido la maravillosa y enorme fortuna de platicar con la productora de la versión original de Sopa de caracol -Gabriela I. Gálvez Montes- les comparto parte de su testimonio recordando aquellos años en su estudio G.M. producciones.
"- Banda Blanca, tenía la disciplina de grabar dos álbumes cada año. El primero para lanzarlo antes de la celebración de la Semana Santa, y el segundo para lanzarse previo a las fiestas año nuevo. Banda Blanca tenía -entonces- por costumbre producir sus álbumes fuera de Honduras. Aproximadamente en el año de 1987 fue que ellos me dieron la oportunidad de grabar juntos, y desde ese momento ellos siguieron grabando conmigo. Sopa de Caracol, de Banda Blanca se grabó dos años antes de que se convirtiera en un gran éxito mundial. Las voces de Banda Blanca estaban en el estudio a lo largo de una semana, de días largos. Me impresionó que eran un grupo unido y muy ameno. Sopa de caracol, era uno de los temas del álbum (LP) llamado “Sigan Bailando". En la época en que grabamos Sopa de caracol, G.M. Producciones contaba con tecnología análoga. En realidad todavía no había surgido la tecnología digital disponible hoy para grabación de música. Mi grabadora de audio más grande disponía de hasta 8 canales, con soporte de cinta de carrete abierto de media pulgada, y masterizaba en grabadoras de 2 canales. Con el proyecto Sopa de caracol se grabaron los instrumentos en 7 canales. Luego hice una pre mezcla de todos los instrumentos, y lo transferí a un sólo "track" con una grabadora de cuatro canales. En los tres canales adicionales grabé la voz de Pilo Tejeda y en los dos adicionales a los coros. Al completar las voces, sincronicé manualmente la grabación de las voces para incorporarlas en un track de los 8 canales finalmente". No fue hasta el año de 1989 ó 1990 que un promotor musical hondureño (de quien lamentablemente no recuerdo hoy su nombre) radicado en Estados Unidos, que éste escogió el tema “Sopa de caracol” por su potencial para colocarlo al mercado internacional mucho más amplio, y fue entonces cuando que se transformó en un éxito internacional. 
Gabriela también nos platicó sobre otras versiones del tema que Banda Blanca produjo para lograr entrar en algunos mercados. " -Oscar Galindo, el bajista y manager del grupo, me comentó alguna vez que Sopa de caracol la volvieron a grabar en Chile o en España, o no sé bien si fue en ambos lugares. Algunos mercados para proteger su industria fonográfica requerían que las grabaciones fueran hechas en ese mismo país o se pagaba el precio de una grabación para que le abrieran espacio en la radio local. Al final, nunca se utilizaron las otras grabaciones. Siempre usaron la que se grabó en Honduras, en mi estudio – Producciones G.M., y con su servidora como la ingeniero de sonido. Siempre fue muy placentero grabar con ellos".
Banda Blanca cantó Sopa de caracol combinando a través de un sincretismo cultural hondureño letras en la lengua garífuna y castellana. A finales de los años 80 en el interior de los estudios de G.M. Producciones en la ciudad de Tegucigalpa, la ingeniero de sonido Gabriela Gálvez produjo "Sopa de caracol" para Banda Blanca, en este proyecto utilizó una consola de mezclas YAMAHA 1604. Nadie sabía en esos días lo que pasaría después con Banda Blanca y esta canción. Pilo Tejeda comentó que llegaron a ganar USA $ 30 mil en una sola presentación, además sopa de caracol logró conquistar discos de oro, postulación en el premio Lo Nuestro, obtuvo discos de plata, nominaciones al premio Grammy, alcanzó un primer lugar en la tabla de Billboard en categoría Top Latin Song el 16 de marzo de 1991, Gaviota de Plata (Viña del Mar) el 12 febrero de 1992, en 1991 también se coló como canción del verano en España. Muchos son los que hoy siguen grabado covers de este tema en una amplia variedad de ritmos. Uno de los covers mejor logrados es del dúo entre Polache y el mismo Pilo Tejeda de 2011. Pilo Tejeda vendió la patente del grupo y actualmente se dedica al servicio público, y fue elegido vice alcalde de su ciudad natal El Progreso, actualmente aún es el dueño de los derechos de la propiedad intelectual. Te comparto el video-clip de este proyecto.

Que estés bien.

Mauricio Pineda


El autor de este post es publicitario, creativo y productor audiovisual y ha incursionado exitosamente como docente universitario para el Instituto de Mercadotecnia y Publicidad de México, así como en la UNITEC en Honduras desde hace más de veinte años. Es asesor publicitario independiente, redactor de artículos sobre publicidad, conferencista y blogger.

13 diciembre 2016

Platicando sobre afiches y posters.

Te invito a platicar durante unos minutos y a viajar por el tiempo para volver a encontrarnos con un soporte de papel o cartulina que gracias a una creativa y armónica mezcla de texto e imágenes nos invita a descubrir nuevos productos o nuevos servicios, o bien para recordar algunos ya viejos conocidos. Ese rectángulo bidimensional adherido a alguna pared o una caja de luz conocido como cartel, afiche o poster.
Aloys Senefelder
La historia del afiche parece iniciar con el desarrrollo de una técnica de grabado (graphe) que incluía piedras de caliza (lito) y tintas. Aunque la litografía fue desarrollada en el año de 1796 por el alemán Aloys Senefelder, esta técnica resultaba ser al principio demasiado lenta y costosa para la producción de carteles. La mayoría de los afiches eran producidos en bloques de madera -xilografía- o grabados del metal con poco color o diseño.
Jules Chéret
El desarrollo del proceso litográfico o planográfico de tres tintas de Jules Chéret abrió el camino que permitió que los artistas gráficos alcanzaran policromas con tan sólo tres piedras calizas -generalmente- usando tintas rojas, amarillas y azules.
El Dorado de Jules Chéret

Aunque el proceso de grabar la piedra caliza era un trabajo arduo, el resultado era una intensidad notable del color y la textura, con sublimación de las transparencias y los matices imposibles en otros medios de la actualidad. Esta capacidad de combinar la palabra e imagen en un formato tan atractivo y económico, finalmente hizo al cartel litográfico, una innovación de gran alcance. Comenzando en 1870 en París, se convirtió en el soporte dominante de la comunicación de masa en las ciudades de Europa y América. Las calles de París, de Milán y de Berlín fueron transformadas rápidamente en galerías de arte de calle, e introduciendo la edad moderna de la publicidad.
Poster para Moulin Rouge de Toulouse Lautrec.

Durante el año de 1890, en plena belle Époque en Francia, la afición por el cartel estaba en plena floración. En 1891, el primer cartel de Toulouse-Lautrec para Moulin Rouge, elevó el estado del cartel a una nueva categoría de arte. Las exposiciones, los expositores y los distribuidores del cartel proliferaron, satisfaciendo la demanda del público por el cartel.
Poster de Alfons Maria Mucha.

Al comienzo de esa década, el distribuidor parisino pionero Sagot numeró 2200 carteles en su catálogo de las ventas. En 1894, Alphons Maria Mucha (1860-1939), un funcionario checo residente en París, creó la primera obra maestra del cartel de Art Nouveau.
Sarah Bernharrdt por Alfons Maria Mucha.

El salto a la fama de Alphons Maria Mucha se logró con su primer cartel litográfico para la actriz Sarah Bernhardt y su Théâtre de la Renaissance, el cartel anunciaba la obra Gismonda de Victorien Sardou, apareció en los primeros días de enero de 1895 en los muros de París, y causó una auténtica sensación. Sarah Bernhardt ofreció inmediatamente a Mucha un contrato de exclusividad por seis años. Los carteles realizados para ella contribuyeron a difundir la fama de la actriz más allá de las fronteras de Francia. Hasta 1901, Mucha no solo fue responsable de los carteles publicitarios, sino también de las escenografías y los vestuarios del Théâtre de la Renaissance. Fue esta obra, con su estilo exuberante y estilizado, lo que le dio tanto fama como numerosas comisiones. Llevando influencias de los Pre-Rafaelistas, y del arte bizantino, este estilo dominó la escena parisina en los próximos diez años y se convertiría en el movimiento decorativo internacional principal del arte hasta Primera Guerra Mundial.


La belle Époque fuera de París. El cartel tomó lentamente el asimiento en otros países en el 1880, pero aceleró durante el belle Époque. En cada país, el cartel vino a la delantera celebrar a las instituciones culturales únicas de la sociedad. En Francia, el culto del café era omnipresente; en Italia la ópera y la manera; en España las corridas de toros y los festivales; en la literatura y los productos de Holanda para el hogar; en las ferias comerciales y los compartimientos de Alemania, en los diarios literarios de Gran Bretaña y de América y el circo. Las primeras demostraciones del cartel fueron llevadas a cabo en Gran Bretaña e Italia en 1894, Alemania en 1896, y Rusia en 1897. La demostración más importante del cartel siempre, a muchos observadores, fue llevada a cabo en Reims, Francia en 1896 y ofreció los 1690 carteles increíbles dispuestos por el país.
Leonetto Cappiello para Ajenjo de Maurin Quina en 1906.

A pesar de estos encuentros y mezclas, los estilos nacionales distintivos llegaron a ser más evidentes mientras que progresó el belle Époque. Los carteles holandeses fueron marcados por el alojamiento y el orderliness; los carteles italianos por su drama y escala magnífica; los carteles alemanes para su franqueza y medievalismo. La influencia de Francia había encontrado un contrapeso. El Art Nouveau continuó después de acabado el siglo, aunque perdió mucho de su dinamismo con la imitación y la repetición. La muerte de Toulouse-Lautrec en 1901 y del abandono del arte del cartel por Mucha y Cheret -ambos regresaron a la pintura al oleo- dejó un vacío en Francia en el inicio del pasado siglo. Este vacío fue llenado en parte por un joven caricaturista italiano llamado Leonetto Cappiello, quién llegó a París en el año 1898. Influenciado fuertemente por Cheret y Toulouse-Lautrec, Cappiello rechazó el detalle quisquilloso del Art Nouveau.
Leonetto Cappiello trabajando en su estudio.
En lugar de ésto se centró en crear una imagen simple, a menudo chistosa o extraña, que capturaría inmediatamente la atención y la imaginación del espectador muy ocupado que camina distraído por algún boulevard. Sobre su trabajo así se expresaban sus contemporáneos:
"Cerca de los Grassets heraldicos, de los Cherets colorados, las estampas de Cappiello, iguales a unos fieles espejos que dibujarían otra vez de volada los miles y unos reflejos de la multitud divertida y multicolor, logra expresar, con una sola figura, su sonrisa, su actitud, su gracia un poco mono, la virtud de un producto. La mujer bonita al torso envuelto en un corsé, esta otra, con los labios púrpuras y su cabello soleado, la falda ligera, que toma una limonada, esta tercera escotada, sonriente, quien tiende su vaso al mesero todo vestido de negro quien le echa Medoc, y por fin, la mujer al “cachou”, son carteles a donde esta perfecto. Sus otros carteles publicitarios teatrales que compuso sobre Réjane, Balthy u Odette Dulac, tienen el encanto singular de algunos dibujos burlones, que un caricaturista, amante del estilo japonés y del humor le hubiera gustado trazar de nuestras reinas del teatro. Aun Aquí, es el procedimiento usado por Cappiello en sus croquis: el rayo unificado, ampliado poco a poco, sinuoso, serpentino o burlón, algo parecido al esguince expresiva de una figura divertida, el relieve ingenioso de una parodia chisposa."


Su diseño de 1906 para el cartel del ajenjo de Maurin Quina, el diablo verde en un fondo negro con el deletreado simple del bloque, marcó la maduración de un estilo que dominaría el arte parisiense del cartel hasta el primer cartel de Art Deco de Cassandre en 1923. Esta capacidad de crear una identidad de la marca de fábrica estableció Cappiello como el padre de la publicidad moderna. Es autor entre otros famosos carteles, de los afiches de Cinzano.

Autor: Lucian Bernhard.

Mientras tanto, los artistas que trabajaban en la escuela de Glasgow de Escocia y Deutscher Werkbund de Alemania también transformaban el espíritu modernista temprano del Art Nouveau. Estas escuelas rechazaron la ornamentación curvilínea en favor de una estructura rectilínea y geométrica basada en el funcionalismo. Una consecuencia dominante de estos esfuerzos modernistas era el -estilo del cartel-  Plakatstil alemán (1906–1918), o el Poster Style, que fue comenzado en 1905 por Lucian Bernhard -Emil Kahn- en Berlín. Para una competición del cartel patrocinada por los fósforos Preister, Lucian Bernhard (15 de marzo,1883 – 29 de mayo,1972) dibujó dos fósforos grandes y escribió la marca sobre ellos con letras en negrilla. La simplicidad de su diseño le permitió ganar la competición. Bernhard, minimizó el naturalismo y enfatizó los colores y las formas planas, y con su trabajo dio el paso siguiente hacia un moderno lenguaje visual.


Primera Guerra Mundial y la revolución bolchevique contra los zares rusos propició un nuevo papel para el cartel: La propaganda. De hecho, surge la campaña de guerra más grande desarrollada hasta la fecha, se desarrollan las necesidades de comunicación del tiempo de guerra de cada ejercito - desde recaudar bonos de guerra, a reclutar soldados  y voluntarios, a estimular la producción y a provocar el odio por las atrocidades enemigas. En los Estados Unidos de América se produjeron cerca de 2,500 diseños y aproximadamente 20 millones de carteles -casi un cartel por cada 4 ciudadanos- en un poco más de 2 años. Las increíbles lecciones de la publicidad norteamericana de la primera guerra mundial y los carteles bolcheviques le dieron una vuelta al arte del cartel y facilitaron el triunfo de la guerra civil rusa. Lenin y sus seguidores demostraron ser los amos pioneros de la propaganda de guerra moderna, y el cartel se convirtió en un arma que se seguiría utilizado a través del siglo 20 en guerras calientes y frías en todas partes. En el periodo entre guerras mundiales del Modernismo al Art-Déco. Después de la Primera Guerra Mundial, inspiración orgánica del Art Nouveau parecía inaplicable en una sociedad cada vez más industrial. Las nuevas realidades fueron expresadas mejor en los movimientos como el Modernismo, el Cubismo, de Futurismo, de Dada y del Expresionismo, que tendrían una influencia profunda sobre el diseño gráfico.
La arquitectura moderna, así como el diseño industrial y gráfico nacieron en Weimar, Alemania, en el seno de la Casa de la Construcción Estatal (Staatliches Bauhaus) conocida habitualmente como la Bauhaus. Esa portentosa cantera de creativos fue fundada en 1919 por Walter Gropius y clausurada en el año 1933. A pesar de la guerra y de los millones de muertos después su llama se reavivó en Ulm, ciudad del sur de Alemania entre Stuttgart y Munich. Uno de los fundadores de la nueva escuela fue el argentino, Tomás Maldonado, pensador, diseñador y pintor nacido en Buenos Aires en 1922. Bajo su dirección, compartida con el alemán Gui Bonsiepe, la Hoschschule für Gestaltung Ulm -Escuela Superior de Diseño- sentó el fundamento para el diseño actual, entre los años 1953 y 1968.
En la URSS -hoy Rusia- el movimiento Constructivists tomó el liderazgo en el siglo 20 con el objetivo de crear a una nueva sociedad tecnológica. El edificio en el movimiento de Suprematist de Kasimir Malevich (la respuesta rusa del Cubo- Futurism), el Constructivists desarrolló un estilo agitado de la composición, marcado por las lineas diagonales, el foto montaje y colores sólidos intensos. Conducido por El Lissitsky, Alexander Rodchenko, Gustav Klutsis, y Stenberg, el trabajo del Constructivists tendría un gran impacto en el diseño occidental; sobre todo en el Bauhaus y el movimiento de Stijl. Este lenguaje científico del diseño fue popularizado en un nuevo movimiento decorativo internacional llamado Art-Déco. El estilo de la era de la máquina, la energía y la velocidad se convirtieron en sus temas primarios. Las formas fueron simplificadas y aerodinamizadas. El Art-Déco demostró una variedad amplia de influencias gráficas, de los movimientos modernos del arte del cubismo, de Futurismo y de Dada; a los avances del diseño del Pabellón de exposiciones de la Secesión vienesa, de Plakatstil, y del Constructivismo ruso; al arte exótico Persa, de Egipto, y de África.
Poster para Dubonnet de A.M. Cassandre estilo Art-Déco.
El Art-Déco se deriva del término de la exposición de las artes decorativas de 1925 realizada en París, que demostró ser el escaparate idóneo para este estilo. En París, el estilo de caricatura de Cappiello llevó a las imágenes geométricas de A.M. Cassandre que popularizaron la técnica del pincel de aire en sus imágenes. Sus carteles del transporte marítimo de la Normandie, de Statendam y de Atlantique se convirtieron en iconos de la era industrial. El Art-Déco, como el Art Nouveau antes de éste, se extendió rápidamente a través toda de Europa. Los artistas Federico Seneca y Giuseppe Riccobaldi en Italia, Ludwig Hohlwein en Alemania, Pieter Hofman en Holanda, Otto Morach y Herbert Matter en Suiza, E. McKnight Kauffer en Inglaterra, y Francisco Gali en España.

Segunda Guerra Mundial y el final de la litografía. El cartel jugó otra vez un gran papel en la comunicación durante la Segunda Guerra Mundial, pero esta vez compartió pantalla junto a otros medios, principalmente la radio y la impresión. Por este tiempo, la mayoría de los carteles fueron impresos usando la técnica de offset, que dio lugar a la trama de puntos utilizada en los periódicos. El uso de la fotografía en carteles, comenzó en Rusia -antes URSS- en los años 20 del pasado siglo, hoy las fotografías han llegado a ser tan comunes como la lo fue la ilustración. Después de la guerra el papel del cartel empezó a declinar ante la televisión.

El último brillo de la edad clásica del cartel litográfico ocurrió en Suiza, en donde desde el gobierno se promovió ampliamente a la industria de la impresión y al cartel. Se estableció un tamaño estándar del cartel y de un sistema nacional del quioscos -1914- como un soporte adicional. En continuidad con el sentido suizo de la precisión, su estilo lo aprovechó y así fue que se desarrolló durante la segunda guerra mundial y los primeros años de la década del 50 el Sachplakat de Basilea o el Object Poster Style. Convirtiendo la fabricación de objetos diarios en iconos gigantes, sus raíces van de nuevo al Plakatstil de Lucian Bernhard y el movimiento surrealista. La elegancia visual del estilo suizo fue emparejada a menudo por el uso de un humor apacible. Con el final de la impresión litográfica en los años 50, Leupin, Brun y los otros artistas de Sachplakat dieron vuelta a un estilo chistoso menos cargado sobre el color y las texturas ricos de la impresión litográfica.
La dominación de Suiza en el campo del cartel continuó creciendo a finales de los años 50 con el desarrollo de un nuevo estilo gráfico que tenía raíces en la Bauhaus. Debido a su fuerte uso de elementos tipográficos en negro y blanco, este nuevo estilo vino a ser conocido como -International Typographic Style- el estilo tipográfico internacional. Su estilo sería perfeccionado después en las escuelas del diseño tanto de Zurich como de Basilea, este estilo utilizó una cuadricula o reticula matemática junto a fotografías monocromáticas para proporcionar una estructura clara y lógica. Éste se vino a convertir en el estilo gráfico predominante del diseño en todo el mundo durante la década del setenta, y continúa ejerciendo una gran influencia en los inicios del siglo 21. El nuevo estilo fue satisfecho perfectamente al mercado de la posguerra cada vez más global. El problema del idioma suizo -tres idiomas en un pequeño país- se convirtió en un problema mundial, y allí surge la fuerte necesidad de la claridad en el uso de la palabra y de los símbolos. Las corporaciones vieron su necesidad de poseer una identificación internacional, y los eventos globales tales como las Juegos Olímpicos buscaron soluciones universales que el estilo tipográfico internacional sí podría darles. A la vez que un acercamiento relajado y más intuitivo fue asimilado por varios países, los Estados Unidos y Polonia. Philip Meggs utiliza la imagen conceptual del término del paraguas para describir un nuevo estilo de la ilustración, uno que pidió prestado libremente del surrealismo, del Pop Art y del expresionismo.
Un claro ejemplar de este estilo lo vemos aplicado en el álbum -LP- del año 1967 de Bob Dylan por Milton Glaser. Glaser materializó el mensaje contra cultural del músico retratando su pelo largo como un arco iris. (este cartel de Glaser anticiparía una breve manía psicodélica muy espectacular del cartel norteamericano, que hace recordar los excesos florales del Art Nouveau, las imágenes diferidas que pulsaban del Op-Art, y las yuxtaposiciones extrañas de surrealismo. 
Glaser Push Pin Studio fue alcanzado en creatividad por una escuela dinámica del arte del cartel de Polonia del 50 a través de los 80. Otros amos de la imagen conceptual incluyen a Armando Testa en Italia, Gunter Rambow de Alemania, y Nicolas Troxler de Suiza.
Post-Modernismo y la era de la computadora. El estilo tipográfico internacional comenzó a perder su empuje y fuerza en los años 70 e inicios de los 80. Se le criticó mucho por ser un diseño frío, formal y dogmático.
Wolfgang Weingart
Un profesor joven de Basilea, Wolfgang Weingart condujo la rebelión que nos condujo al estilo gráfico predominante hoy conocido libremente como diseño PostModerno. Weingart, experimentó con la impresión off-set para producir los carteles que aparecían complejos y caóticos, juguetones y espontáneos - todos en un contraste rígido a las enseñanzas de la generación anterior. La liberación de Weingart de la tipografía era una fundación importante para varios nuevos estilos -Memphis y Retro- a los avances ahora surgían desde los gráficos de computadora. 
El diseño de un cartel publicitario o un poster es uno de los retos más atractivos que un diseñador puede encontrar en su trabajo, ya que existe una diferencia fundamental con otros medios de comunicación gráfica: un cartel o un poster está hecho para llamar la atención a las personas "mientras están en movimiento". Gráficamente un cartel debe presentar un correcto balance de todos los elementos que contiene. Los gráficos, fotos y textos deben representar una línea de comunicación que permita al ojo humano (y al cerebro) ir de un punto de información a otro. Y ésto origina movimiento y dinamismo. Los puntos de información no son colocados accidentalmente sino que son creados por el diseñador para influir en el lector. Cuanto menor sea el contenido, mejor, y si tiene que aparecer mucha información, intente que los datos sean gráficos. Antes de comenzar, hay que plantearse un boceto escrito -rough- y gráfico que responda a estas preguntas: ¿A quién va dirigido? ¿Qué idea básica y fundamental presento en el cartel? ¿Cuándo lo presento: fecha de inicio, promoción...? ¿Cómo lo presento? Y de manera primaria responder estas preguntas, una: ¿Qué le interesa leer al Público meta? Este debe obtener un beneficio -tangible o intangible- al ver el cartel.

El papel y el aspecto del cartel ha cambiado continuamente el excedente el último siglo para resolver las necesidades que cambiaban de la sociedad. Aunque su papel es menos central que era hace 100 años, el cartel se desarrollará más lejos como la computadora y la InterNet revolucionan la manera que nos comunicamos en el siglo 21. Falta observar si las pantallas planas sacan al afiche de las paredes y muros de las ciudades.

Que estés bien.

Mauricio Pineda

El autor de este post es publicitario, creativo y productor audiovisual y ha incursionado exitosamente como docente universitario para el Instituto de Mercadotecnia y Publicidad de México, así como en la UNITEC en Honduras desde hace más de veinte años. Es asesor publicitario independiente, redactor de artículos sobre publicidad, conferencista y blogger.