21 agosto 2013

Yo tengo un sueño. I have a dream.


"Estoy feliz de unirme a ustedes hoy en lo que quedará en la historia como la mayor demostración por la libertad en la historia de nuestra nación.
Hace años, un gran americano, bajo cuya sombra simbólica nos paramos, firmó la Proclama de Emancipación. Este importante decreto se convirtió en un gran faro de esperanza para millones de esclavos negros que fueron cocinados en las llamas de la injusticia. Llegó como un amanecer de alegría para terminar la larga noche del cautiverio.
Pero cien años después, debemos enfrentar el hecho trágico de que el negro todavía no es libre. Cien años después, la vida del negro es todavía minada por los grilletes de la discriminación. Cien años después, el negro vive en una solitaria isla de pobreza en medio de un vasto océano de prosperidad material. Cien años después el negro todavía languidece en los rincones de la sociedad estadounidense y se encuentra a sí mismo exiliado en su propia tierra.
Y así hemos venido aquí hoy para dramatizar una condición extrema. En un sentido llegamos a la capital de nuestra nación para cobrar un cheque. Cuando los arquitectos de nuestra república escribieron las magníficas palabras de la Constitución y la Declaratoria de la Independencia, firmaban una promisoria nota de la que todo estadounidense sería el heredero. Esta nota era una promesa de que todos los hombres tendrían garantizados los derechos inalienables de "Vida, Libertad y la búsqueda de la Felicidad".
Es obvio hoy que Estados Unidos ha fallado en su promesa en lo que respecta a sus ciudadanos de color. En vez de honrar su obligación sagrada, Estados Unidos dio al negro un cheque sin valor que fue devuelto y marcado con "fondos insuficientes". Pero nos rehusamos a creer que el banco de la justicia está quebrado. Nos rehusamos a creer que no hay fondos en los grandes depósitos de oportunidad en esta nación. Entonces hemos venido a cobrar este cheque, un cheque que nos dará las riquezas de la libertad y la seguridad de la justicia."

Sofocante verano del descontento
"También vinimos a este punto para recordarle de Estados Unidos de la feroz urgencia del ahora. Este no es tiempo para entrar en el lujo del enfriamiento o para tomar la droga tranquilizadora del gradualismo. Ahora es el tiempo de elevarnos del oscuro y desolado valle de la segregación hacia el iluminado camino de la justicia racial. Ahora es el tiempo de elevar nuestra nación de las arenas movedizas de la injusticia racial hacia la sólida roca de la hermandad. Ahora es el tiempo de hacer de la justicia una realidad para todos los hijos de Dios.
Sería fatal para la nación el no percatar la urgencia del momento. Este sofocante verano del legítimo descontento del negro no terminará hasta que venga un otoño revitalizador de libertad e igualdad. 1963 no es un fin, sino un principio. Aquellos que piensan que el negro sólo necesita evacuar frustración y que ahora permanecerá contento, tendrán un rudo despertar si la nación regresa a su rutina habitual.
No habrá ni descanso ni tranquilidad en Estados Unidos hasta que el negro tenga garantizados sus derechos de ciudadano. Los remolinos de la revuelta continuarán sacudiendo los cimientos de nuestra nación hasta que emerja el esplendoroso día de la justicia.
Pero hay algo que debo decir a mi gente, que aguarda en el cálido umbral que lleva al palacio de la justicia: en el proceso de ganar nuestro justo lugar no deberemos ser culpables de hechos erróneos. No saciemos nuestra sed de libertad tomando de la copa de la amargura y el odio. Siempre debemos conducir nuestra lucha en el elevado plano de la dignidad y la disciplina. No debemos permitir que nuestra protesta creativa degenere en la violencia física. Una y otra vez debemos elevarnos a las majestuosas alturas de la resistencia a la fuerza física con la fuerza del alma.
Esta nueva militancia maravillosa que ha abrazado a la comunidad negra no debe conducir a la desconfianza de los blancos, ya que muchos de nuestros hermanos blancos, como lo demuestra su presencia aquí hoy, se han dado cuenta de que su destino está atado a nuestro destino. Se han dado cuenta de que su libertad está ligada inextricablemente a nuestra libertad. No podemos caminar sólos. Y a medida que caminemos, debemos hacernos la promesa de que marcharemos hacia el frente. No podemos volver atrás."

Pruebas y tribulaciones.
"Existen aquellos que preguntan a quienes apoyan la lucha por derechos civiles: "¿Cuándo quedarán satisfechos?" Nunca estaremos satisfechos en tanto el negro sea víctima de los inimaginables horrores de la brutalidad policial. Nunca estaremos satisfechos en tanto nuestros cuerpos, pesados con la fatiga del viaje, no puedan acceder a alojamiento en los moteles de las carreteras y los hoteles de las ciudades. No estaremos satisfechos en tanto la movilidad básica del negro sea de un gueto pequeño a uno más grande. Nunca estaremos satisfechos en tanto a nuestros hijos les sea arrancado su ser y robada su dignidad por carteles que rezan: "Solamente para blancos". No podemos estar satisfechos y no estaremos satisfechos en tanto un negro de Mississippi no pueda votar y un negro en Nueva York crea que no tiene nada por qué votar. No, no estamos satisfechos, y no estaremos satisfechos hasta que la justicia nos caiga como una catarata y el bien como un torrente.
No olvido que muchos de ustedes están aquí tras pasar por grandes pruebas y tribulaciones. Algunos de ustedes apenas salieron de celdas angostas. Algunos de ustedes llegaron desde zonas donde su búsqueda de libertad los ha dejado golpeados por las tormentas de la persecución y sacudidos por los vientos de la brutalidad policial. Ustedes son los veteranos del sufrimiento creativo. Continúen su trabajo con la fe de que el sufrimiento sin recompensa asegura la redención.
Vuelvan a Mississippi, vuelvan a Alabama, regresen a Georgia, a Louisiana, a las zonas pobres y guetos de las ciudades norteñas, con la sabiduría de que de alguna forma esta situación puede ser y será cambiada.
No nos deleitemos en el valle de la desesperación. Les digo a ustedes hoy, mis amigos, que pese a todas las dificultades y frustraciones del momento, yo todavía tengo un sueño. Es un sueño arraigado profundamente en el sueño americano."

El sueño
"Yo tengo un sueño que un día esta nación se elevará y vivirá el verdadero significado de su credo, creemos que estas verdades son evidentes: que todos los hombres son creados iguales.
Yo tengo un sueño que un día en las coloradas colinas de Georgia los hijos de los ex esclavos y los hijos de los ex propietarios de esclavos serán capaces de sentarse juntos en la mesa de la hermandad.
Yo tengo un sueño que un día incluso el estado de Mississippi, un estado desierto, sofocado por el calor de la injusticia y la opresión, será transformado en un oasis de libertad y justicia.
Yo tengo un sueño que mis cuatro hijos pequeños vivirán un día en una nación donde no serán juzgados por el color de su piel sino por el contenido de su carácter.

¡Yo tengo un sueño hoy!

Yo tengo un sueño que un día, allá en Alabama, con sus racistas despiadados, con un gobernador cuyos labios gotean con las palabras de la interposición y la anulación; un día allí mismo en Alabama pequeños niños negros y pequeñas niñas negras serán capaces de unir sus manos con pequeños niños blancos y niñas blancas como hermanos y hermanas.

¡Yo tengo un sueño hoy!

Yo tengo un sueño que un día cada valle será exaltado, cada colina y montaña será bajada, los sitios escarpados serán aplanados y los sitios sinuosos serán enderezados, y que la gloria del Señor será revelada, y toda la carne la verá al unísono.
Esta es nuestra esperanza. Esta es la fe con la que regresaré al sur. Con esta fe seremos capaces de esculpir de la montaña de la desesperación una piedra de esperanza.
Con esta fe seremos capaces de transformar las discordancias de nuestra nación en una hermosa sinfonía de hermandad. Con esta fe seremos capaces de trabajar juntos, de rezar juntos, de luchar juntos, de ir a prisión juntos, de luchar por nuestra libertad juntos, con la certeza de que un día seremos libres.
Éste será el día, éste será el día en que todos los hijos de Dios serán capaces de cantar con un nuevo significado: "Mi país, dulce tierra de libertad, sobre ti canto. Tierra donde mis padres murieron, tierra del orgullo del peregrino, desde cada ladera, dejen resonar la libertad". Y si Estados Unidos va a convertirse en una gran nación, esto debe convertirse en realidad.
Entonces dejen resonar la libertad desde las prodigiosas cumbres de Nueva Hampshire. Dejen resonar la libertad desde las grandes montañas de Nueva York. Dejen resonar la libertad desde los Alleghenies de Pennsylvania! Dejen resonar la libertad desde los picos nevados de Colorado. Dejen resonar la libertad desde los curvados picos de California. Dejen resonar la libertad desde las montañas de piedra de Georgia. Dejen resonar la libertad de la montaña Lookout de Tennessee. Dejen resonar la libertad desde cada colina y cada topera de Mississippi, desde cada ladera, dejen resonar la libertad!
Y cuando ésto ocurra, cuando dejemos resonar la libertad, cuando la dejemos resonar desde cada pueblo y cada caserío, desde cada estado y cada ciudad, seremos capaces de apresurar la llegada de ese día cuando todos los hijos de Dios, hombres negros y hombres blancos, judíos y gentiles, protestantes y católicos, serán capaces de unir sus manos y cantar las palabras de un viejo espiritual negro: "¡Por fin somos libres! ¡Por fin somos libres! Gracias a Dios todopoderoso, ¡por fin somos libres!"


Washington, D.C. 28 de agosto de 1963, por Martin Luther King Jr. (Vídeo subtitulado)
I have a dream speech.


11 julio 2013

Walter y su romance con la cámara.


Mientras uno se forma en la universidad de la vida, ésto es un poco después de haber cursado la primera universidad, viajé un poco por esta región del mundo haciendo spots de TV y cine como director creativo, y fui afortunado al conocer a un joven y talentoso productor que prácticamente había nacido dentro de una lata de película de cine en medio de cassettes de vídeo, pues en su familia la producción audiovisual era la cosa más normal entre comidas. Gracias a la magia de las redes sociales volvimos a platicar un poco sobre su romance con la pantalla y las cámaras, y hoy me siento complacido de poder compartir con cada uno de ustedes a Walter Fernández Jr. De seguro les espera una buena lectura...¡acción!
Walter Fernández Villalobos en un rodaje, junto a un talento.
¿Cómo fue cautivado Walter por la TV en sus primeros años?
 Nací entre luces y cámaras de cine, crecí viendo a mi padre trabajar en una industria que tenia sus primeros pasos en la región, eso me cautivo a tomar la decisión de trabajar en la producción de comerciales de TV. Fui cautivado por la magia que este negocio tiene, esa adrenalina  que los set de filmación te dan, esa intensidad con la que se trabaja por lograr un único objetivo en común (Contar una Historia)…
¿Recuerdas alguna anécdota junto a tu papá y tu tío?
 Anécdotas de mis primeros pasos en la producción tengo varias, pero de las que hoy calan más en mí es la puntualidad, una vez llegue tarde a un rodaje y mi padre me hizo que me regresara a la casa… nunca más en mi vida he llegado tarde... y de mi tío tengo miles de historias, es un hombre que admiro por su capacidad de convencimiento sobre las personas…
¿Dónde logró su primera oportunidad de dirigir, cómo pasó?
Por muchos años hice casi todos los puestos de esta industria, cámara, producción, casting y asistencia de dirección, en ese momento un colega de otra productora me invite a ser director de su compañía y por 2 años trabajé con ellos como director asociado; en ese momento entendí que ésto era una pasión y una forma de ganarme la vida y una forma de divertirme.
¿Cuándo inicia Walter a ser director de spots en Costa Rica y Honduras?
Gracias a la oportunidad de este amigo empecé a trabajar para su productora donde nosotros hacíamos los comerciales que por bajo presupuesto no se lograban realizar, eso me enseño a maximizar todos los recursos de producción (Cámara, luces, casting y Arte). Hoy veo atrás esos proyectos y me siento muy feliz porque todos ellos reflejan un gran grupo de seres humanos que solo queríamos trabajar bien…Honduras casi llegó a ser mi segundo hogar, gracias a mi padre logre trabajar para Corporación Dinant por varios meses como director asociado, una gran experiencia en mi desarrollo personal y profesional,  hice grandes amigos que aun hoy conservo su amistad y trabajamos juntos.
Spot promocional para Yummies, dirigido por Walter allá por 1997.

¿Cuántos spots estimas haber hecho hasta el día de hoy?
Ha ha... que bella pregunta, no tengo idea, la verdad creo que pueden ser más de 100 comerciales desde mis inicios…. Y unos 30 documentales. Tengo mis preferidos …
¿A qué personaje de los medios admira Walter? ¿Por qué?
No sé si la pregunta es la correcta pero admiro a varios directores, Allan Myerson, Pedro Almodobar, por su trabajo, su pasión y su forma de ser, personalmente conocí a Allan hace un par de meses y me encanta su forma de trabajar pero sobre todo su manejo en el Set y su pasión por el oficio.
¿Qué demanda un buen creativo y productor de spots de TV?
Un buen creativo y productor es aquella persona que haga su tarea, una ocurrencia creativa es solo eso una ocurrencia, pero un proyecto bien fundamentado es una arma estratégica de comunicación. Demanda mucho respeto por el trabajo de todos y cada una de las personas involucradas en el tarea. Tengo una frase  que dice así: “Producir es un trabajo en equipo, creé en tu creativo, creé en tu crew, creé en tu casting, pero sobre todo en ti mismo."
¿Qué retos enfrentan hoy las televisoras y productoras en sus contenidos?
La verdad no me gusta hablar de temas que no manejo muy bien, yo no hago largometrajes, programas de TV, o cortos hago Comerciales de TV, pero hoy enfrentamos mucha falta respeto por nuestras producciones, creemos más en las cosas de afuera que en nuestro trabajo, pero eso es creo por que muchas de las personas que trabajan en televisión no tiene pasión por su arte, sólo por su cheque… no puedo generalizar pero eso es lo que creo. Cada proyecto es como un hijo… pero existen padres de padres….
¿Qué hace a un buen Director de spots de TV?
La cultura, las ganas de hacer mejor las cosas, el que siempre te quede una espina del último proyecto que digas ( … debí hacerlo de esta otra forma…), hoy la cantidad de información que podemos accesar nos permite tener miles de referencias de algún proyecto en especifico, pero también las referencias se vuelven techos… no podés pedirle a un actor que trabaje como fulano en esta película… porque ofendemos su trabajo, pero si podemos decirle trata de buscar una actuación como de tal época o con tales características… eso es un reto para él como actor y para vos como su director. Cuando hablo de cultura es darse tiempo para pasar en un museo horas, es ir al teatro, es entender de arte y cultura, eso hace que tengamos una gama de herramientas que nos permitan trabajar. Como vas a discutir de luz con tu director de fotografía si no has visto obras de Van Gogh, Monet, etc. Como le pedís a un actor que piense en libertad si no has corrido por el mundo. Nuestro trabajo es muy vivencial por eso es que tenemos que ser participes de muchas cosas del mundo y no verlas por referencias. 
La inspiración, de dónde nace... Hoy me inspira mi hija a hacer mejor las cosas que ayer, me apasiona que el proyecto venda que cumpla su objetivo y que el cliente quede satisfecho. Pero sobre todo me inspira que nuestro trabajo genera trabajo a otros compañeros de la industria, que No Soy un Todologo (PERSONA QUE HACE TODO) soy un fiel creyente que este trabajo es un trabajo en equipo y eso me inspira…
¿Qué retos enfrentará la publicidad en TV para ser altamente competitiva?

La comunicación ha cambiado mucho, hoy en día un niño de 5 años postea vídeos en Internet, eso quiere decir que la comunicación es ahora en dos direcciones, la TV necesita dar nuevos aires, espacios y estar abierta a los cambios… y nosotros los realizadores somos parte de ese cambio.
¿Qué cambios urge la industria de la producción de nuestra región hoy?
Mayor capacitación es lo que más nos urge, talento existe mucho pero la capacidad de en formarse, de capacitarse es lo más importante, personalmente siempre estoy buscando información talleres y cursos, vengo llegando de unos talleres de dirección y aprendí de hindúes, mexicanos, brasileños todos teníamos un mismo común, ganas de hacer mejor nuestro trabajo.
Un par de pensamientos: Trabajen con pasión todo lo que hagan…Cuando piensen que perdieron el Norte o las ganas de trabajar, apaguen el motor y es momento de sacar vacaciones para volver a iniciar de nuevo. No teman decir no sé, teman decir lo sé todo
Hacer de nuestros set de filmación lugares llenos de respeto, amor pero sobre todo profesionalismo…Always have fun in your set…
Walter en cámara, en plena producción.
Agradezco a Walter Jr. por darnos un poco de él a través de este espacio.  Aquí entre nos, lograr esta entrevista tomó un par de meses, y finalmente valió la pena la espera.

Que estés bien,

Mauricio Pineda
El autor de este post es publicitario, creativo y productor audiovisual y ha incursionado exitosamente como docente universitario para el Instituto de Mercadotecnia y Publicidad de México, así como en la UNITEC en Honduras desde hace más de veinte años. Es asesor publicitario independiente, redactor de artículos sobre publicidad, conferencista y blogger.


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24 junio 2013

Asociaciones de la marca, significados conducidos.



Los lenguajes o idiomas son un conjunto dinámico –casi algo con vida propia- que colecciona aquellas palabras que poseen un significado común tanto para quien habla o emite, y así mismo para quien las escucha, que será llamado el receptor. Cada palabra al ser enunciada en forma de sonido se transporta por el aire y luego de ser escuchada es interpretada; se le asocia con un significado (recuerdo) que estaba previamente alojado en la memoria del receptor, y entonces aquí sucede que toma sentido en la mente de la persona que escucha. Podemos ahora decir que asociar, es reunir o juntar varias cosas o partes para un fin común. Si este significado no está previamente en la mente del receptor la palabra recién escuchada carece de todo sentido, valor o importancia y no logramos establecer la comunicación deseada. Para Keller, son el conjunto de pensamientos e ideas que tienen los individuos en su memoria en relación a una marca.
Como sabemos las “marcas” se usaban desde hace más de 21 siglos en la alfarería y el comercio internacional para diferenciar e identificar productos que poseían un valor especial para los compradores, de forma que los compradores al ver una marca especifica del productor verificaban su calidad u origen, esas marcas tenían un significado para quien las reconocía y rescataba su significado. Para el especialista en Branding -Marcal Moliné- las asociaciones de la marca son lo que hace que ésta se sitúe en el posicionamiento mental que queremos para ella. ¿Qué es ese algo que se despliega en la mente de cada persona al exponerse a una determinada marca? Otros especialistas también opinan que estas asociaciones son el conjunto de evocaciones que la presencia de marca –como sea que ésta sea presentada- es capaz de generar en la mente del consumidor -como individuo- y como un -colectivo- mercado.
El termino de asociaciones de la marca también reconocido por los profesionales de la publicidad y del marketing como Brand Associations, y son percibidas como el conjunto de asociaciones que los consumidores hacen con una marca, o bien la suma completa que crea el valor de la marca. Podrían bien, según sea el caso, incluir a una celebridad o persona muy reconocida, a un símbolo, los atributos de producto, ligas como atributos de personalidad, entre otros y así crear valor entre ambos extremos del proceso de la comunicación; el emisor y el receptor.

Le invito a que hagamos juntos un sencillo ejercicio. Si le pido recordar o traer desde los archivos de su memoria al centro de su conciencia la más reciente campaña de publicidad de cierta bebida carbonatada con sabor a caramelo que se identifica gráficamente con una caligrafía en color blanco y un fondo rojo. ¿Recuerda usted los significados asociados a momentos felices con su pareja, con su familia, a las fiestas o a los valores básicos de nuestro imaginario colectivo? Ahora, pasemos a lo siguiente, cada vez que Ud. O yo, o cualquiera que haya sido expuesto a algunos de los mensajes publicitarios, al ver su botella y su identificativo de marca gráfica los asocia en su mente con momentos felices y más recientemente con valores. De forma que al reconocer esta etiqueta y su imagen gráfica o audible en nuestra mente se proyectan significados y valores asociados a la marca en su forma gráfica o audible.

Si a usted le parece bien concluiremos en que estas asociaciones de marca podrían ser reunidas en tres grupos como lo considera otro investigador del tema –Saavedra- por su intensidad, disposición favorable y unicidad de la asociación.
El nivel de intensidad dependerá de la información o conocimientos que se tenga sobre la marca. Esta información en una primera instancia es procesada y posteriormente es archivada en la mente de los consumidores. En este sentido, las asociaciones se pueden clasificar en: Asociaciones Especificas (Bajo Nivel de Asociación): se refiere a las dimensiones que ayudan a conformar el patrimonio de marca. Éstas son dimensiones serán la Fuerza, Preferencia y Singularidad, que se deben indagar y analizar las percepciones que tienen los consumidores frente a una marca determinada, a través de encuestas y preguntas abiertas a diferentes tipos de consumidores. Asociaciones Generales (Alto Nivel de Asociación): se refiere a la personalidad de marca, las intenciones de compra y los hábitos de compra.
La unicidad, quiere decir que una marca particular es la única marca que un consumidor asocia con un atributo específico, es lo que la hace “única”, a diferencia de las asociaciones compartidas, donde varias marcas se asocian con un mismo atributo. Asociaciones de marca únicas son más útiles que las asociaciones comunes, porque hacen que el proceso de decisión de compra sea más fácil para el consumidor.
Keller definió a esta disposición favorable, como parte de las actitudes, y éstas a su vez son predisposiciones aprendidas como una respuesta favorable (positivas) o desfavorable (negativas) y nunca neutrales hacia la marca. También nos dice que las asociaciones de marca se pueden clasificar en tres categorías: atributos, beneficios y actitudes. Los atributos, son características naturales o de origen de las marcas, productos o servicios asociados y se clasifican en: relacionados al producto, que son atributos físicos del consumo del producto que determinan la naturaleza del rendimiento del producto. Algunos de estos atributos pudieran ser calidad, durabilidad, confiabilidad, entre otros más; y no relacionados al producto -que son aquellos atributos que afectan el proceso de compra o consumo y no afectan directamente el rendimiento de éste- dentro de este tipo de atributos se encuentran el precio, las imágenes de uso y de usuario.
Los especialistas de la arquitectura de las marcas -Branding- han desarrollado protocolos sofisticados para la medición de las asociaciones de la marca en varios mercados bien organizados a través de escalas o niveles certificados. En esta oportunidad me gustaría cerrar nuestra lectura de hoy con la idea más básica, las asociaciones de la marca son aquellas que conducen de forma organizada la decisión sobre aquello que -la pequeña empresa o institución- quiere que su marca genere en la mente del cliente. Mi deseo es que Ud. esté bien.
Publicado también en Comercio Global, edición 20, página 34.







El autor de este post es publicitario, creativo y productor audiovisual y ha incursionado exitosamente como docente universitario para el Instituto de Mercadotecnia y Publicidad de México, así como en la UNITEC en Honduras desde hace más de veinte años. Es asesor publicitario independiente, redactor de artículos sobre publicidad, conferencista y blogger.


29 mayo 2013

Estilismo, diseño, composición...Food styling


El estilismo gastronómico es el resultado final de la relación entre el arte, la elegancia y la alimentación reunidos sobre un plano virtual de dos dimensiones, el producto es la imagen que ha de seducir, y estimular; a pesar de ser ésta mediatizada ingresará a la mente por una única vía, el sentido de la vista.


Hay en uso muchos términos asociados que en general se refieren prácticamente a lo mismo como el estilismo gastronómico, la composición culinaria, el diseño gastronómico,  el estilismo de alimentos, en fin y otros que surgen frecuentemente por todas partes. Para hacerlo fácil, me quedo con food styling, y desde ya le pido las disculpas del caso a Miguel de Cervantes.
Bodegón.
El food styling es el heredero del bodegón pictórico de frutas de la temporada, con verduras, bebidas de la región, botellas, lácteos, etcétera. Para muchos se trata de un arte, el conocimiento sobre cómo preparar, diseñar, y disponer alimentos para la cámara, mostrándolos visualmente apetitosos. Involucra el dominio de técnicas especiales para destacar las propiedades de los alimentos y presentarlos completamente irresistibles -en su pleno y total esplendor- a través del sentido de la vista. Los alimentos y bebidas deben lucir siempre perfectos, higiénicos  deseables para comunicar un objetivo comercial o no, es un producto comunicacional en sí.
¡Mmm, yo quiero!
En primer lugar tengamos en mente que la imagen de comida trasciende la simple documentación; es una invitación sensorial. El color es lo primero que atrapa la vista: tonos vibrantes sugieren frescura y sabor intenso (el rojo de una fresa, el verde de una hierba), mientras que dorados y marrones evocan calidez y cocción perfecta. La textura, revelada por una iluminación cuidadosa (especialmente lateral o contraluz), es crucial; nos permite casi sentir lo crujiente de una fritura, la cremosidad de una salsa o la esponjosidad de un pan. El brillo estratégico –una gota de aceite, el glaseado de un postre, la condensación en un vaso– comunica jugosidad, frescura y riqueza, haciendo que la comida luzca suculenta y apetecible. Finalmente, el contexto, a través de props y el entorno, añade narrativa y deseo, situando el plato en una experiencia atractiva, ya sea un desayuno rústico o una cena elegante. La magia reside en la armonía de estos elementos.

El food styling busca que los alimentos y la vajilla sean el material perfecto para poner a volar la imaginación, el deseo y el apetito del observador. Cada plato deberá mostrar congruencia, contrastes o armonía de color, texturas interesantes que despierten el antojo de los espectadores y sobre todo que resalten las propiedades del platillo. Una de las cosas más importantes en el food styling es ser siempre fieles a la receta original pero utilizando ingredientes únicos y técnicas que logren una imagen perfecta.
Estilista de alimentos en plena tarea.
Al profesional que se especializa en esta labor se le conoce comúnmente como estilista de alimentos, food stylist, home economist, ecónomo, diseñador gastronómico, y en fin con muchos otros más. Su objetivo es lograr comidas y bebidas atractivas a la vista. Es un creativo apasionado por la cocina, con habilidades y conocimientos de la técnicas, del comportamiento, reacciones de la química de los ingredientes. Éste debe dominar distintas metodologías para atraer y captar la atención del consumidor a pesar de la mediatización visual limitada a las dos dimensiones de un plano. Se carece de los estímulos que presencialmente se captan mediante los sentidos del olfato y del gusto, los protagonistas de nuestra sensación de placer durante la alimentación.
Previo y durante se realiza la producción de food styling, deberás prestar atención a la ambientación. Es el entorno que rodea a la comida. La ambientación puede ayudar a crear una atmósfera y un estado de ánimo para la imagen. La ambientación puede incluir elementos como un plato, una mesa, un mantel o un fondo. La puesta en escena es el proceso de preparar la comida para la fotografía. La puesta en escena puede incluir tareas como cortar la comida, colocarla en un plato o añadir elementos decorativos. La puesta en escena es importante para crear una imagen atractiva y apetitosa.
El food styling eficaz se basa en principios clave para maximizar el atractivo visual y despertar el apetito. La frescura es primordial: los ingredientes deben lucir vibrantes, en su punto óptimo, como recién cosechados o perfectamente cocinados. Construir volumen y altura, a menudo mediante capas o soportes ocultos, evita que el plato se vea plano y le confiere una presencia tridimensional atractiva. El desorden controlado —migas deliberadas, gotas de salsa o salpicaduras calculadas— inyecta dinamismo y un toque de realismo apetecible, sugiriendo disfrute y acción. Lograr el brillo perfecto, aplicando con moderación aceites, agua pulverizada o siropes, es vital para comunicar jugosidad y resaltar texturas sin parecer grasiento. Finalmente, la importancia del corte y la presentación interna es crucial: revelar el interior de un pastel, el punto de cocción de una carne o la variedad de ingredientes en un guiso conecta directamente con el deseo del espectador de probarlo.
El objetivo de la imagen es que el observador desee comerse la página o la pantalla que está observando. Esta disciplina se ha ido expandiendo rápidamente alrededor del mundo entero, y se ha vuelto popular gracias al papel tan importante que juega la comida dentro de la sociedad.
Algunas de las reglas básicas de la fotografía en la composición culinaria son:
  • La simplicidad.
  • Más cerca, es mejor.
  • Cuidar el espacio circundante alrededor del centro de interés.
  • Ley de tercios bien aplicada.
  • Regla de los impares, destacar tres unidades.
  • Contrastar por semejanza, todos homogéneos menos uno.
Si bien la regla de los tercios es un punto de partida útil, la composición en fotografía gastronómica se enriquece enormemente explorando más allá. La elección del ángulo de cámara transforma radicalmente la percepción: el cenital (overhead) ofrece una vista gráfica ideal para patrones y flat lays; el ángulo de 45º simula la perspectiva del comensal, mostrando volumen y superficie; el nivel de mesa crea intimidad y realza la altura (pensemos en hamburguesas o pilas de tortitas); y el macro extremo sumerge al espectador en texturas y detalles íntimos. La profundidad de campo selectiva es una herramienta poderosa, desenfocando el fondo y/o primer plano para aislar al sujeto principal y añadir un toque profesional. Las líneas guía, ya sean naturales (el mango de un cubierto, el borde de un plato) o creadas (pliegues de un mantel), dirigen sutilmente la mirada hacia el punto focal. Finalmente, el uso consciente del espacio negativo permite que el sujeto respire, aportando elegancia o énfasis y evitando el desorden visual.
El color es un ingrediente visual fundamental en la fotografía gastronómica, dictando el estado de ánimo y la atracción inicial. La armonía cromática se logra mediante el uso consciente de paletas de colores, aplicadas tanto a la comida como a los props circundantes. Las paletas complementarias, usando colores opuestos en el círculo cromático (como el rojo de un tomate sobre un fondo verde), generan un contraste vibrante que hace resaltar los elementos y crea energía visual. Las paletas análogas, que utilizan colores vecinos (como tonos de naranja, amarillo y marrón en una escena otoñal), producen una sensación de cohesión, calma y naturalidad. Por otro lado, las paletas monocromáticas, basadas en diferentes matices y tonos de un solo color, aportan sofisticación y elegancia, permitiendo que la textura y la forma sean las protagonistas. La elección deliberada de una paleta unifica la composición, guía la mirada y refuerza poderosamente el mensaje apetitoso que se desea transmitir.
Proyecto del fotógrafo francés Francesc Guillamet.
Durante la década de los años noventas, sobre todo en Australia -Donna Hay- surgieron las nuevas reglas  para el food styling y se estableció una tendencia que incluye el uso destacado del foco selectivo en el primer plano y desafoque total en los demás planos y fondo, el plato es el protagonista de la historia, la simpleza, texturas sensuales -food porn- el uso de luz natural y lámparas de tungsteno, y de regreso a los materiales de naturales.
Jon Enoch, es un fotógrafo británico que ha ganado numerosos premios internacionales por su trabajo, entre ellos el premio al Fotógrafo del Año en los Pink Lady Food Photographer of the Year en 2023. El trabajo de Enoch se caracteriza por su uso de la luz y el color para crear imágenes vibrantes y apetitosas. Sus fotografías suelen centrarse en la comida callejera, que captura con una sensibilidad artística y una atención al detalle exquisita. Además será oportuno dar un vistazo al sitio de Fotografía RoSo de España.
La vanguardia en fotógrafos de alimentos la observamos en Carl Warner, Francesco Tonelli y Rick Souder,  El restaurante que marca la vanguardia culinaria está en Gerona, España -ElBulli- y su chef más reconocido en todo el mundo como nada menos que "el mejor" es Ferran Adrià Acosta quien suele hacer dupla con el fotógrafo francés Francesc GuillametEl chef Ferran Adrià Acosta está vinculado -actualmente- a la elBullifoundation, una fundación privada que promueve la investigación y la innovación gastronómica. En el marco de esta fundación, Ferran Adrià Acosta ha participado en proyectos como elBulli1846, un museo dedicado al restaurante El Bulli, o elBulliDNA, un laboratorio de investigación gastronómica
En Brasil sobresale el trabajo de este equipo que forman su propio estudio de fotografía de alimentos, Studio SCSegún la lista de los 50 mejores restaurantes de América Latina 2023, publicada el 1 de diciembre de 2023, el mejor restaurante de América Latina es Maido, ubicado en Lima, Perú. Maido, es un restaurante de cocina nikkei, que fusiona la cocina peruana con la japonesa. El restaurante está dirigido por el chef Mitsuharu Tsumura. Quien ha sido reconocido como uno de los mejores chefs del mundo.

El crew de un proyecto de food styling involucra en mucho al cliente, quien es la persona que ha solicitado el mismo, un director de arte (visualizador gráfico), fotógrafo de alimentos, estilista de alimentos, un chef asistente, productor, regente o studio manager, especialista en retoque digital, director de arte ovisualizador y un prop stylist.
El arsenal de un food stylist es tan variado como creativo, lleno de herramientas precisas para manipular delicadamente cada elemento en el plato. Las pinzas, de diversos tamaños, son extensiones de los dedos, permitiendo colocar hierbas minúsculas o ajustar granos de arroz con exactitud quirúrgica. Los pinceles se usan para aplicar aceites, salsas o eliminar migas indeseadas. Los goteros y vaporizadores son esenciales para crear gotas de rocío perfectas, añadir brillo controlado o simular frescura; la glicerina mezclada con agua crea gotas que perduran bajo las luces calientes. Un soplete de cocina es clave para dorar bordes, crear marcas de parrilla convincentes o caramelizar azúcares rápidamente. Para construir estructura y mantener elementos en su lugar, los palillos y la masilla adhesiva (como Fun-Tak) son aliados indispensables. Estas son solo algunas de las herramientas visibles; el verdadero arsenal incluye innumerables trucos y soluciones ingeniosas desarrolladas con experiencia para lograr esa imagen perfecta y apetitosa.
Las herramientas de esta actividad son variadas y muchas, pero siempre es posible definir una lista básica de props o atrezzo:
  • Superficies y texturas varias.
  • Fondos.
  • Platos, cubiertos, vasos, copas, etc.
  • Tablas para cortar.
  • Recipientes, botellas, bandejas.
  • Materia prima, ingredientes originales de la receta.
Sergio Coimbra, máximo exponente del Brasil en Food Styling.
Adicionalmente el estilista de alimentos deberá dominar conocimientos previos indispensables para lograr la imagen correcta, conocer la marca y el producto, conocer su reacción a las luces, reacción a las temperaturas, reacción al oxigeno, dominio de la psicología del color, composición visual, diagramación, publicidad gráfica y televisiva, entre otros.
El arte del food styling a menudo emplea un sutil maquillaje para asegurar que los alimentos luzcan irresistibles bajo las luces del estudio. Para realzar colores, se pueden usar aceites ligeros para dar brillo o seleccionar cuidadosamente las piezas más vibrantes. El esquivo vapor en platos calientes se simula frecuentemente con vaporizadores ocultos, incienso o bolas de algodón húmedas calentadas justo antes de disparar. El helado, un sujeto notoriamente fugaz, a menudo se reemplaza por sustitutos resistentes (como puré de patatas teñido o una mezcla de manteca vegetal y azúcar glas) o se trabaja con el real congelado a temperaturas extremadamente bajas y con rapidez. Para que la carne luzca jugosa y perfectamente dorada, se aplican estratégicamente aceites, salsas para dorar (como Kitchen Bouquet) o incluso se usa un soplete para marcas de parrilla precisas, a menudo dejándola ligeramente menos cocida. Las ensaladas mantienen su aspecto fresco y vibrante con pulverizaciones de agua fría, a veces con una pizca de glicerina para gotas duraderas. Estas técnicas no buscan engañar el paladar, sino capturar la esencia más apetitosa del plato para la cámara.
En la fotografía gastronómica, la dirección de la luz es mucho más que una elección técnica; es el escultor principal de la apetitosidad. Olvídate de la luz frontal directa, esa que aplana los rasgos y elimina las sombras; en comida, resulta desastrosa, robándole toda su vida y volumen, haciéndola parecer una ilustración insípida. La magia reside en la luz lateral y, sobre todo, en el contraluz. La luz lateral, al incidir desde un costado, crea sombras y luces que modelan la forma y, crucialmente, revelan la textura: la rugosidad de un pan rústico, las capas de un hojaldre, la granulosidad de una salsa. El poder del contraluz es aún más dramático; al iluminar desde atrás, perfila los bordes con un halo luminoso, atraviesa líquidos haciéndolos brillar, resalta el vapor y define la silueta, otorgando una sensación de volumen y frescura tridimensional que invita casi a tocar y probar. Dominar estas direcciones es clave para transformar un plato en un objeto de deseo.
Una vez posicionada la luz principal, el verdadero arte reside en controlar las sombras y los brillos para dar forma y dimensión al sujeto. Aquí es donde entran en juego los modificadores pasivos. Los reflectores rebotan la luz existente hacia las áreas de sombra: el blanco proporciona un relleno suave y natural; el plateado ofrece un rebote más brillante y contrastado, ideal para añadir chispa; y el dorado introduce calidez, perfecta para panadería o platos otoñales. Por el contrario, los bloqueadores (superficies negras como cartulinas o telas) se usan para absorber luz, intensificando las sombras, añadiendo dramatismo o eliminando reflejos indeseados en superficies brillantes o cubiertos. Además, la difusión, colocando material translúcido entre la fuente de luz y el alimento, suaviza la calidad de la luz, difuminando los bordes de las sombras y reduciendo los brillos especulares intensos. Estas herramientas permiten literalmente esculpir la luz, afinando el contraste y guiando la mirada del espectador.
Diagrama o esquema de iluminación previo a sesión de fotos.


Montaje de luces según al esquema visualizado con anticipación.
Para que una fotografía gastronómica cobre vida y evite la planitud, es fundamental crear capas y profundidad, construyendo una escena verdaderamente tridimensional. Esto se consigue pensando más allá del sujeto principal y utilizando estratégicamente elementos tanto en el primer plano como en el fondo. Un objeto en primer plano, quizás el borde de un vaso, un cubierto ligeramente desenfocado o un ingrediente relevante, actúa como un ancla visual, invitando al espectador a entrar en la imagen y guiando su mirada hacia el plato héroe. Simultáneamente, un fondo cuidadosamente elegido —una textura interesante, otros elementos del entorno como una ventana o plantas, o incluso solo una luz sugerente— añade contexto, atmósfera y refuerza la sensación de espacio real. Esta superposición deliberada de planos convierte la foto en una experiencia más inmersiva, haciendo que la comida parezca tangible y situada dentro de un ambiente atractivo.
La fotografía gastronómica más cautivadora va más allá de mostrar un plato delicioso; cuenta una historia. Una imagen puede transportarnos a un desayuno de domingo pausado, con luz suave entrando por la ventana y una taza humeante, o meternos en medio de la preparación de una receta, con harina espolvoreada y utensilios en acción, o capturar la alegría efímera de un brindis con copas chocando. Aquí es donde reside el poder de los props: no son meros adornos, sino actores silenciosos que construyen la narrativa. La vajilla elegida (rústica o fina), los cubiertos (antiguos o modernos), los textiles (un mantel formal o un paño de cocina casual) y la presencia de ingredientes crudos cercanos definen el contexto, evocan emociones y transforman al espectador casual desde un simple observador inesperado en un participante -imaginario- en esa escena apetitosa.
El retoque en Adobe Photoshop, con un enfoque foodie, es la etapa final crucial para elevar una buena fotografía de alimentos a una imagen irresistible, pero siempre con el objetivo de mantener la naturalidad. El proceso comienza con la limpieza meticulosa: eliminar migas indeseadas (las deliberadas se quedan), pequeñas manchas, huellas dactilares en la vajilla o imperfecciones menores en los ingredientes que distraigan la atención. Posteriormente, se aborda el realce selectivo de textura y color; esto no significa saturar artificialmente, sino avivar sutilmente la intensidad de ciertos tonos (el rojo de una fruta, el dorado de una corteza) y aplicar micro-contraste para que las texturas (lo crujiente, lo cremoso) realmente salten a la vista. El enfoque se aplica selectivamente para dirigir la mirada del espectador a los puntos clave más apetitosos. También se realiza la corrección de pequeñas distracciones en el fondo o en los props. La herramienta Licuar (Liquify) se usa con extrema moderación, quizás para corregir una leve deformidad en un producto horneado o redondear sutilmente una fruta, pero nunca para alterar drásticamente la forma. La regla de oro es la sutileza: el resultado final debe ser creíble, apetecible y auténtico, una versión idealizada de la realidad, no una fantasía digital.

Para quien descubra que posee un fuerte interés en esta área ahora mismo se está disponiendo capacitación especializada a través de Internet, también en otros países- México, Argentina, España, Canadá, Australia- y ya no sólo en los Estados Unidos como hace unos años atrás, ingresa ahora mismo a un curso en línea sobre este interesante tema con Bill Robbins.
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Puedes disfrutar también de una copia en pdf de un buen libro sobre el tema para iniciar tu aprendizaje sobre este interesante tópico. Es muy probable que en tus redes sociales te hayas encontrado algunos vídeos como el que veremos a continuación. Creo que vale el esfuerzo verlo nuevamente para entender mejor cómo se puede lograr la magia de que los alimentos se vean aún mejor ante la lente de la cámara.
Hace unos años atrás tuve el honor de visitar el Estudio Gavilán en la Cd. de México, fue una experiencia grata para mi y mis estudiantes, les comparto un vídeo de Luis Carlos. Espero haber ampliado un poco más lo que conocíamos sobre esta especialidad de la fotografía de productos alimenticios, que más que un oficio es un arte en sí. Vamos a tomarnos unos minutos y juntos podremos descubrir algunas técnicas que te podrán ayudar a lograr mejores resultados en tus futuros proyectos.


Muchos fotógrafos confirman su particular atracción por un objetivo muy práctico para hacer tomas de alimentos. Se trata del objetivo de 105 mm. f.2.8 con macro. Ya casi para finalizar observemos otro vídeo con más técnicas profesionales que nos ayudarán a mejorar el aspecto final de la fotografía de alimentos.
Si después de estudiar y dominar esta especialidad de la fotografía comercial deseas presumir los resultados al más alto nivel sube tus maravillosas fotos de alimentos a este repositorio especializado. Hacer clic aquí.
Que estés bien.










El autor de este post es publicitario, creativo y productor audiovisual y ha incursionado exitosamente como docente universitario para el Instituto de Mercadotecnia y Publicidad de México, así como en la UNITEC en Honduras desde hace más de veinte años. Es asesor publicitario independiente, redactor de artículos sobre publicidad, conferencista y blogger.

28 mayo 2013

Tener las metas bien enfocadas, Carlos Palma.

Hace un tiempo atrás cuando iniciamos en UNITEC el Centro Avanzado de Medios, que aloja a nuestros laboratorios de producción audiovisual y fotografía digital del campus UNITEC Tegucigalpa, parte de la ecuación estaba en contar con un equipo de colaboradores estudiantes que darían acompañamiento a los docentes mientras realizan sus prácticas para sus clases allí, hasta el día hoy aquí contamos con un grupo increíble de colaboradores. En ese grupo inicial había un chico que hablaba poco, gustaba de leer mucho, y que tenía una meta entre ceja y ceja: "Yo seré fotógrafo profesional". Hoy su emprendimiento se conoce como Revolver  Image, y hoy todos podemos testificar del gran trabajo que sale cada mirada suya.
Carlos Palma, fotógrafo.
¿Cual foto viste por primera vez que dijiste yo quiero tomar fotos? Realmente no me acuerdo. Pero de la que me acuerdo es una de Cartier Bresson. Al inicio me llamaba más la atención la naturaleza y detalles. Ahora para mi es más interesante la persona.

¿Cual fue la primera foto que tomaste?

La primera foto que tome fue cuando tenia 8 años. Fue una foto familiar, de mis padres. Cuando regresaron a casa con las fotos impresas corrí para ver las fotos. Cuando la vi me asombre, wow les había cortado la cabeza a todos jajajá. 

¿Recuerdas a tu primera cámara de fotos?

Mi primera cámara la compre usada en el centro de Tegucigalpa, fue una PENTAX K1000. Resistente y pequeña. No había que estar cargando la batería a cada rato. La tuve que comprar para las clases de Fotografía en Unitec.

¿La fotografía influyó en tu carrera universitaria?

Más bien fue al contrario. La universidad -UNITEC- influyó en la fotografía. Gracias a la clases de fotografía impartida por Arturo Sosa, fue que me nació la chispita por la fotografía. De ahí mi vida cambio.
¿Por qué seleccionaste el programa de Comunicación y Publicidad?
Seleccione la carrera por su estrecha relación a la bases del “arte”. Y sí se lleva arte, pero va enfocado en otro camino.
¿Qué más hacías mientras estudiabas en la universidad?
Me gustaba ver películas. No tanto ir al cine. Porque para mi es un ritual ver una película y cuando uno va al cine otra gente empieza hacer bulla y me desconcentran. Leer, me acuerdo que en cada bache que tenían entre clases me iba las gradas de la biblioteca a leer, como Cortazar, Sabato, Fromm, y fotocopias de libros sobre fotografía. 

Carlos Palma en plena labor.
¿Cuando diste el salto a profesional?
Pues no se cuando lo hice. Yo solo iba haciendo lo que me gustaba “tomar fotografías”. Cuando trabajé en la agencia publicitaria Excell Ogilvy fui fotógrafo, copy y productor. Y tomaba las fotos internamente cuando no había presupuesto y las fotos para Wal-Mart. A mi jefes de la agencia les gustaba mucho participar en festivales de creatividad publicitaria. En el año 2009 salieron varios proyectos y para uno de ellos necesitaban varias fotografías originales. En una pre producción, empecé a buscar referencias de como los fotógrafos artísticos encuadraban las fotografías y en base a eso se encuadró en el mismo centro del plano la imagen de cada casa. Tome alrededor de 40 fachadas de distintas casas en diferentes lugares. Pueblos, barrios marginales, barrancos, ect. La idea era que en las casas habitara gente. Lo que dificulto más la producción. De todas las fotos sólo se escogieron 3 casas. Las piezas se enviaron a varios festivales y ganaron varios premios. Pero el más importante (para mi) fue en JADE en Guatemala. Recibimos 3 JADES de oro a la mejor fotografía. Una por cada pieza. Eso fue un gran logro para mi, porque me decía que estaba haciendo las cosa bien. 
De ahí en adelante, la historia cambio. Tres meses después, la agencia entró en un bajón de cuentas y me despidieron. Con el pago de mis derechos compré un juego de luces (el cual costó todo el cheque). Ya tenia una cámara de 12 megapixeles. Que saque con un crédito a un año. Sin trabajo y tiempo de sobra. Me decidí a ir de agencia en agencia y mostrar mi portafolio. Poco a poco me fueron probando. Pero el paso a profesional me es bien difícil definirlo, creo que mi trabajo es el que puede decir eso.
¿Cómo te preparaste para ser un fotógrafo profesional?
Estando en Excell Ogilvy. Empecé a sacar un Master de Fotografía Digital a distancia. Pero, aprendí más en los trabajos que hacia en la agencia. Miguel Mayen y José Fernando me pasaban evaluando y dando consejos. Varias veces me equivoque, haciendo un mal trabajo. Lo cual me hizo buscar mas cursos para poder mejorar. Al día de hoy estudio tres cursos anuales vía Internet para poder irme actualizando y mejorando. Y observo y estudio los portafolios de otros fotógrafos, arte, cine, todo los días.
¿Es duro o satisfactorio ser autónomo? Freelance...qué pesa más.
Pues, las 2 cosas. Es duro y satisfactorio. Es duro para arrancar, cuando se empieza a pagar las cuentas y querer mejorar el equipo. Satisfactorio es para mi porque prácticamente no trabajo. Me pagan por hacer algo que disfruto y que me gusta. 
¿Qué retos tiene la fotografía comercial en Honduras?
La fotografía comercial en Honduras está en pañales, retos hay miles. La fotografía comercial no puede crecer sola. Tiene que ir desarrollándose según el mercado y la publicidad. A medida crezca el mercado(en sus diferentes áreas).
¿Qué hace a un buen fotógrafo ser profesional?
Disciplina. 
Tu mayor logro profesional es...
Seguir vigente en el mercado hasta el día de hoy.
Lo que más te gustaría fotografiar...
Realmente no hay “algo” que me gustaría fotografiar. Lo que me gustaría es terminar las fotos que estoy haciendo (personal), yo mismo la estoy financiando. Voy lento porque tengo que ahorrar para poder costear la producción. 
Tu consejo para quien aspira a ser fotógrafo pro...
La técnica no es lo más importante, pero ayuda bastante. Y ver arte (cual sea) es algo vital. Ciao.
Estoy muy contento de haber acercado por un breve tiempo a Carlos con cada un@ de ustedes, esperando pronto tener otra oportunidad de continuar esta platica, que estés bien. Tus comentarios son bienvenidos, y me ayudarán para convencer nuevamente a Carlos y platicar otro rato.

Mauricio Pineda

El autor de este post es publicitario, creativo y productor audiovisual y ha incursionado exitosamente como docente universitario para el Instituto de Mercadotecnia y Publicidad de México, así como en la UNITEC en Honduras desde hace más de veinte años. Es asesor publicitario independiente, redactor de artículos sobre publicidad, conferencista y blogger.