Hasta que nos vemos sumergidos dentro de la creación publicitaria y de la producción audiovisual descubrimos que los spots de TV no son unicamente la excusa perfecta para irnos al baño, o hasta la cocina por algo para tomar. Empezamos, entonces, a notar que cada detalle cuenta y que hay mucho trabajo duro detrás de cada spot de TV.
Dada la enorme capacidad de análisis que como expectadores hemos desarrollado al visionar tantas horas de material audiovisual en la TV y el cine, que desarrrollamos la capacidad de juzgar y de distinguir entre un buen spot y otro que no lo es tanto.
De la lista de spots de TV que viene a continuación haz tu propia selección y dinos cual te parece que está mejor diseñado; desde la óptica de la solución creativa, hasta su fiel realización a partir de la idea creativa.
1.La mujer que quiere romper la marca mundial sin parpadear:
2.Los seleccionados de futból de Brasil no quieren esperar:
3.La familia y sus momentos especiales siempre harán una buena historia.
4.Las marcas líderes y las celebridades siempre serán un buen matrimonio.
Pon tu calificación en el Comentario, dale un 4 al que más te gusta como la mayor calificación y un 1 al que crees merece la calificación más baja. Si tienes un spot favorito fuera de la lista actual puedes dejarnos su dirección para localizarlo e incluirlo en otra entrega más de Pensamientos Maupinianos.
Qué estés bien,
Mauricio Pineda
El autor de este post es publicitario, creativo y productor audiovisual y ha incursionado exitosamente como docente universitario para el Instituto de Mercadotecnia y Publicidad de México, así como en la UNITEC en Honduras desde hace más de veinte años. Es asesor publicitario independiente, redactor de artículos sobre publicidad, conferencista y blogger.
Until we are emerged into the creation and
production of an audiovisual commercial we find out that TV spots are not only a good excuse to go to the bathroom, or
kitchen to get more snacks. We then start to notice every single detail and how
much work there is behind each spot. Given the enormous analysis that viewers
have developed from watching so many hours of TV and movie material, from there
we develop judging capacities to discern a good spot from a bad one.
From the following TV spot list, make your
own selection and tell us which one is best designed; from the optical creative
solution, to its realization from the starting creative idea:
1.The woman who wants to break the world record without winking:
2.Brazil’s football team do not want to wait:
3.The family and their good memories will always make a good story:
4.Leading brands and celebrities always will make a good marriage:
Give your punctuation on the comment area below. A 4 to the one you
like the most and 1 to the one you like the least. If you have a favorite spot
that is not on the list, give us directions to find it and add it in another
entry.
Antes del 06 de octubre de 1927, fecha en que se estrenó "The Jazz Singer", el cine ya tenía música a través de pianistas y pequeñas bandas de músicos que trataban desesperadamente de disminuir el fuerte ruido que producía -entonces- el proyector de cine. The Jazz Singer (1927) fue la primera película sonora (sincronizó el audio con imágenes en el mismo soporte, la película) de la historia del cine, y sólo tres años más tarde el cine sonoro dejó de ser un raro experimento y terminó superando al cine mudo.
Audio óptico en cine (Foto de Sergio Andino)
Este cambio produjo muchos temores, el cine sonoro ganó amigos y enemigos por todas partes. El rechazo al cambio quedó aquí demostrado una vez más. A los seres humanos en general nos causa incertidumbre y temor enfrentar los cambios y nuevos retos, ya sea por quedar enamorados o muy acostumbrados en alguna medida al viejo conocimiento o por desconocer lo que trae lo nuevo.
El mismo Charles Chaplin evitó hablar en el cine sonoro y fue hasta 1941 que lo hizo cuando presentó "El gran dictador". Antes sólo había incluido música y efectos sonoros sincronizados.
La featured music -música incidental (de fondo o de escena)- es un complemento a los diálogos de los actores, ayuda a completar las emociones y los sentimientos, construye un flujo continúo de emociones que permite al auditorio percibir como una misma unidad los cortes que se dan entre una toma y otra toma. La banda sonora llamada también film score también suele incluir una mezcla del diálogo de actores y efectos de sonido, y comprende una serie de piezas orquestales, instrumentales o corales llamados marcas o señales que están programados para comenzar y terminar en puntos específicos durante la película con el fin de profundizar la dramática narrativa y el impacto emocional de la escena en desarrollo. La música incidental cumple con dos funciones dentro de la película; por una parte, puede ayudar a expresar un sentimiento o un estado emocional, lo que se llama música expresiva, o, por otra parte, la música puede servir de telón de fondo acompañando a la escena, la llamada música estructural.
Además, a diferencia de la anterior está la música accidental o diegética -source music- que es aquella que surge de elementos presentes en escena, como puede ser una radio, un equipo de sonido, una orquesta o banda que esté interpretando ante las cámaras, etc.; es habitualmente la que oyen los personajes en el desarrollo de la película en sí, y permite una perfecta ambientación; puede ser escrita para la ocasión o extraída de otras fuentes, y ser interpretadas in situ o formar parte de la composición; también se le exige que pertenezca a la historia narrada.
Una banda sonora original se compone generalmente de un tema de inicio, que da comienzo a la película o vídeo juego o vídeo que acompaña; la música de fondo, que se compone de varios temas, cantados o instrumentales, que representan el grueso de la banda sonora; y el tema final, que es la canción que suena al final de la película, juego o programa, junto con los créditos.
En 1908 se crea la primera banda sonora original para una película; la compusieron Camille Saint-Saëns y Mihail Ippolitov-Ivanov para "El asesinato del duque de Guise", y "Stenka Razin". En los años que siguieron los estudios de cine empezaron a contratar a sus propios compositores para sus películas como una norma. Es entre 1929 y 1933, los grandes estudios crean sus departamentos musicales, y acaparan músicos, arreglistas y orquestadores; se concibe a la música como centro de atracción del sonoro, y por eso se producen filmes con partituras que sirven de acompañamiento a los números coreográficos. Así pasarán algunos años hasta que se vea la función narrativa, descriptiva y dramática que puede tener la música incidental.
Los primeros musicales surgen a finales de los años 20, y son los producidos por Busby Berkeley, para la Warner, en Broadway, que solían contar con complicadas coreografías de agrupaciones de coristas haciendo formas de flores, de instrumentos o de la bandera americana; en ellos la música incidental es siempre diegética, porque se interpreta como parte de un gran espectáculo, que deslumbra al oyente. Este hecho que ya se daba en el teatro queda superado en el cine al poder filmar, desde diferentes perspectivas, las complicadas coreografías, y montarlas en secuencias fundidas. Entre los músicos que colaboraron en estos musicales tenemos a Harry Warren y Al Dublin, y entre los actores a Al Jolson, Fanny Brize y Ginger Rogers.
En la década del 30, mejoró y se profesionalizó la producción musical pasando de ser solo un acompañamiento a subrayar ciertos momentos claves de la historia. La película King Kong sincronizó totalmente la música original con la imagen por primera vez. En los 40 los compositores empezaron a llegar del teatro, de las salas de conciertos, de la ópera, de la radio, y de la música clásica.
En los 50 la música de Jazz ligera y fresca hizo su gran entrada, mientras la música para la televisión comenzaba a amenazar y competir con el cine sonoro. El público de las salas de cine empieza a notar de forma especial la música y comienzan a producir temas musicales más "vendibles" que pudieran facilmente editarse en forma de disco de larga duración, "Moon River" compuesta por Mancini y Mercer para "Desayuno con diamantes" vendió poco más de un millón de copias. Los 60 fueron años de renovación para los compositores que habían destacado, sobre todo en el género del viejo oeste americano.
En los 70 John Towner Williams y sus orquestaciones revolucionaron las salas de cine sonoro. Y aparecen también con fuerza los músicos de temas populares que captan grandes auditorios y reducen costos. Los 80 marcados por la entrada del sintetizador de Vangelis, Jarre y Sakamoto.
en la última década del pasado siglo XX se vuelven a introducir aquellos temas que no fueron creados originalmente ni de manera exclusiva para el cine y aparecen en algunos casos de recopilaciones de temas que habían sido éxitos de la radio años atrás.
El autor de este post es publicitario, creativo y productor audiovisual y ha incursionado exitosamente como docente universitario para el Instituto de Mercadotecnia y Publicidad de México, así como en la UNITEC en Honduras desde hace más de veinte años. Es asesor publicitario independiente, redactor de artículos sobre publicidad, conferencista y blogger.
El Color es un sistema de valores que nuestra mente asigna a ciertos estímulos producidos por variaciones del ancho de banda de la radiación lumínica, el color no vive en las cosas, vive en la luz, es energía vibratoria. Se trata más de un concepto biológico, que de un concepto físico en sí mismo. El color es el método más instantáneo para comunicar mensajes y significados. Originalmente nuestra misma supervivencia dependía de identificar acertadamente los colores. Pues de la naturaleza hemos aprendido que el dolor, la enfermedad y la muerte aparecen como señales de alarma en algunos seres vivos y elementos naturales.
La retina es la capa sensible a la luz en la parte posterior del ojo. Está compuesta de dos tipos principales de células fotosensibles: conos y bastones. Los conos son responsables de la visión en color, mientras que los bastones son responsables de la visión en blanco y negro. Los conos se dividen en tres tipos: conos rojos, conos verdes y conos azules. Cada tipo de cono es sensible a una longitud de onda de luz visible específica. Los conos rojos son sensibles a la luz de longitud de onda larga, los conos verdes son sensibles a la luz de longitud de onda media y los conos azules son sensibles a la luz de longitud de onda corta. Cuando la luz llega a la retina, activa los conos. La cantidad de conos activados y la fuerza de la señal que envían determinan el color que percibimos. Por ejemplo, si un objeto refleja luz roja, los conos rojos se activarán más que los conos verdes y azules. El cerebro interpretará esto como el color rojo. El proceso de percepción del color es bastante complejo y aún no se comprende completamente. Sin embargo, se sabe que el cerebro utiliza una combinación de información de los conos y los bastones para crear una imagen en color. En resumen, el proceso de percepción del color en la retina funciona de la siguiente manera:La luz visible llega a la retina y activa los conos.
La cantidad de conos activados y la fuerza de la señal que envían determinan el color que percibimos. El cerebro interpreta esta información para crear una imagen en color.
Algunos factores que pueden afectar la percepción del color son la iluminación, la cantidad y el tipo de luz pueden afectar la forma en que vemos los colores. El entorno, el color de los objetos que nos rodean puede afectar la forma en que vemos otros colores. La edad, la capacidad de ver los colores puede disminuir con la edad. Las enfermedades oculares, algunas enfermedades oculares, como la degeneración macular, pueden afectar la percepción del color.
Las personas daltónicas perciben el color de manera diferente a las personas que no lo son debido a una anomalía en los conos, las células de la retina responsables de la visión en color.
Según la Organización Mundial de la Salud (OMS), se estima que el 8% de la población mundial tiene algún tipo de daltonismo. Esto equivale a unos 350 millones de personas. El daltonismo es más común en los hombres que en las mujeres. Aproximadamente 1 de cada 12 hombres es daltónico, mientras que solo 1 de cada 200 mujeres lo es. El daltonismo es una condición genética que se transmite de padres a hijos. La mayoría de los casos de daltonismo son causados por una mutación en el gen que codifica una proteína necesaria para la visión en color.
En las personas que no son daltónicas, los conos se dividen en tres tipos: conos rojos, conos verdes y conos azules. Cada tipo de cono es sensible a una longitud de onda de luz visible específica. Los conos rojos son sensibles a la luz de longitud de onda larga, los conos verdes son sensibles a la luz de longitud de onda media y los conos azules son sensibles a la luz de longitud de onda corta. En las personas daltónicas, los conos pueden estar ausentes, tener una forma anormal o no funcionar correctamente. Esto puede provocar una pérdida total o parcial de la capacidad de ver algunos colores. Los tipos más comunes de daltonismo son aquellos donde la persona posee deficiencia de conos rojos, las personas con esta condición no pueden ver bien el rojo o el verde. También las hay con deficiencia de conos verdes, las personas con esta condición no pueden ver bien el verde o el amarillo. Y también están aquellos que poseen una deficiencia de conos azules, las personas con esta condición no pueden ver bien el azul o el morado. En casos raros, las personas daltónicas pueden tener una condición llamada acromatopsia, que es la pérdida total de la visión en color. Las personas daltónicas pueden experimentar una variedad de problemas relacionados con la percepción del color. Por ejemplo, pueden tener dificultades para distinguir entre colores similares, como el rojo y el verde. También pueden tener dificultades para ver los colores en condiciones de poca luz. En general, la percepción del color de las personas daltónicas es diferente a la de las personas que no lo son. Sin embargo, las personas daltónicas pueden adaptarse a su condición y llevar vidas normales. Aquí hay algunos ejemplos de cómo las personas daltónicas pueden percibir los colores de manera diferente a las personas que no lo son, una persona daltónica con deficiencia de conos rojos puede ver el rojo como un color marrón o verde. Una persona daltónica con deficiencia de conos verdes puede ver el verde como un coloramarillo o azul. Una persona daltónica con deficiencia de conos azules puede ver el azul como un color morado o verde. Es importante recordar que la percepción del color de las personas daltónicas varía de persona a persona. Curiosamente, no hay dos personas daltónicas que perciban los colores de la misma manera.
Otra buenas noticia, es que sí existen anteojos que ayudan a las personas daltónicas a corregir su percepción del color. Estos anteojos están diseñados con un filtro especial que bloquea o amplifica ciertas longitudes de onda de luz. Esto ayuda a las personas daltónicas a ver los colores de manera más precisa. Los anteojos para daltónicos más comunes son los anteojos de filtros de color. Estos anteojos tienen un filtro especial que bloquea o amplifica ciertas longitudes de onda de luz. El filtro está diseñado para compensar la deficiencia de conos que causa el daltonismo. Estos no curan el daltonismo, pero pueden ayudar a las personas daltónicas a ver los colores de manera más precisa.
¿Sabías qué...? El cielo lo percibimos de color azul durante el día debido a un fenómeno físico llamado dispersión de Rayleigh. La luz del Sol es blanca, lo que significa que está compuesta de todos los colores del arco iris. Cuando la luz del Sol pasa a través de la atmósfera terrestre, las moléculas de aire y otras partículas dispersan la luz en todas direcciones. La luz azul se dispersa más que los otros colores porque tiene una longitud de onda más corta. Por eso, cuando miramos hacia arriba, vemos más luz azul dispersa que luz de otros colores. Esta es la razón por la que el cielo se ve azul durante el día. Hay algunos factores que pueden afectar la percepción del color del cielo. Por ejemplo, el cielo se ve más azul en días despejados, cuando hay menos partículas en la atmósfera que puedan dispersar la luz. El cielo también se ve más azul en altitudes más altas, donde hay menos aire para dispersar la luz. Por otro lado, el cielo puede verse de otros colores en condiciones especiales. Por ejemplo, el cielo se ve rojo o anaranjado al atardecer y al amanecer, cuando la luz del Sol tiene que atravesar más atmósfera para llegar a nuestros ojos. En estas condiciones, la mayor parte de la luz azul ya se ha dispersado, por lo que vemos más luz de otros colores. En resumen, el cielo se ve azul durante el día debido a la dispersión de Rayleigh. La luz azul se dispersa más que los otros colores porque tiene una longitud de onda más corta.
El agua del mar se percibe de color azul debido a la absorción y dispersión de la luz. La luz blanca del sol se refleja en el mar y el agua absorbe los tonos más cálidos, como los rojos y naranjas, mientras que los tonos azules y verdes pasan de largo. La luz blanca del sol se refleja en el mar y el agua absorbe los tonos más cálidos, como los rojos y naranjas, mientras que los tonos azules y verdes pasan de largo. A medida que la luz penetra dentro de la columna de agua, la absorción va siendo mayor selectivamente en cada tramo para una determinada longitud de onda. La mayor parte de la radiación solar es absorbida en los primeros 100 metros de la columna de agua, pero la temperatura superficial del mar se refiere a la temperatura del agua más cerca de la superficie del mar o del océano, la cual se obtiene en los primeros 20 metros de la columna de agua. La zona conocida como la termoclina es la región donde la temperatura del agua cambia rápidamente con la profundidad. Llega un punto en la profundidad del océano donde la luz del sol no puede penetrar. Por esta razón, Los científicos dividen el océano en tres zonas verticales, basándose en la cantidad de luz que recibe. La segunda es la zona disfótica, que se extiende desde los 50 metros hasta unos mil metros. En esta zona de transición, no hay luz suficiente para que los organismos vean. La zona afótica es la tercera y aquí no llega la luz. Esta zona se extiende desde unos mil metros hasta el fondo del océano. La razón por la que el agua del mar se percibe de color azul se debe a la absorción y dispersión de la luz. Las longitudes de onda azules son las que mejor se dispersan en el agua de mar, lo que hace que el agua se vea de ese color. Además, la transparencia del agua de mar también influye en su color, ya que el agua pura no tiene color, pero en el agua de mar hay partículas en suspensión y sales diluidas que dispersan mejor el azul.
¿Cuál es el color que debo utilizar , mi color favorito o aquel que refuerza mi mensaje?
El color, estimula y colabora con el resto de nuestros sentidos, simboliza conceptos, y pensamientos abstractos, permite expresar nuestros anhelo y fantasías, lo asociamos a lugares y momentos, nos produce una respuesta emocional y estética. De manera arbitraria hemos ido añadiendo en cada sociedad y cultura valor y significado a cada color. Algunos le llaman a esto psicología del color otros sólo simbología de color. Para nosotros que hemos crecido bajo la cultura occidental los colores suelen tener casi el mismo significado, por ejemplo:
¿Qué significa el color naranja?
Negro: Algunos sólo lo llaman ausencia de luz, o de color. Símbolo de muerte, de elegancia, de un carácter impenetrable, oscuro y compacto, también tristeza y duelo.
Blanco: Es un sistema aditivo es la suma de todo los colores. Sugiere pureza, invisibilidad, lo inexplicable, representa lo infinito, limpio, antiséptico, higiénico, etc.
Beige / Marfil: simbolizan la unificación. El marfil simboliza la tranquilidad y la simpatía.
Gris: No posee carácter autónomo, poca energía, indecisión, suciedad, resignación.
Rojo: Significa vivacidad, virilidad, masculinidad y dinamismo, indiscreto, exaltado, brutal, cálido, ardiente, vivaz, atrae la atención, en tonos mayores o menores cambia su carácter. Erotismo, sexo, amor, sangre, fuego, pasión, violencia, actividad, impulso y acción y es el color del movimiento y la vitalidad; aumenta la tensión muscular, activa la respiración, estimula la presión arterial y es el más adecuado para personas retraídas, de vida interior, y con reflejos lentos. Otros significados le asocian a la sangre, fuego, calor, revolución, alegría, acción, pasión, fuerza, disputa, desconfianza, destrucción e impulso, así mismo crueldad y rabia. Es el color de los maniáticos y de marte, y también el de los generales y los emperadores romanos y evoca la guerra, el diablo y el mal.
Rosa: Dulce, romántico, suave, vital, femenino, intimidad, y gentileza.
Café: Marrón, utilidad, realista, vida saludable, trabajo diario, en tono oscuro asume valores del color negro. Sed, seco, alimentos.
Azul: Los adultos lo prefieren, madurez, vida espiritual, espontáneo, tranquilo, solemne, soñador, fresco, limpio, e higiénico. El azul se asocia también a la profundidad inmaterial y del frío. La sensación de placidez que provoca el azul es distinto al de la calma o del reposo terrestres propios del verde. Se lo asocia con los introvertidos o personalidades reconcentradas o de vida interior y esta vinculado con la circunspección, la inteligencia y las emociones profundas. Es el color del infinito, de los sueños y de lo maravilloso, y simboliza la sabiduría, amistad, fidelidad, serenidad, sosiego, verdad eterna e inmortalidad. También significa descanso.
Amarillo: Luminoso, joven, extrovertido, vivaz, produce la sensación de que agranda las cosas, radiante, alegría, estimulo, riqueza, y opulencia. Significa también envidia, ira, cobardía, y los bajos impulsos, y con el rojo y el naranja constituye los colores de la emoción. También evoca satanismo (es el color del azufre) y traición. Es el color de la luz, el sol, la acción , el poder y simboliza arrogancia, oro, fuerza, y voluntad.
Verde: Frescura, tranquilidad, y reconfortante. Es también reposo, esperanza, primavera, juventud y por ser el color de la naturaleza sugiere aire libre y frescor. El color verde significa reposo, tranquilidad, calma, vida y descanso.
Naranja: Entusiasmo, ardor, incandescencia, euforia y actúa para facilitar la digestión; mezclado con blanco constituye una rosa carne que tiene una calidad muy sensual. Radiación, comunicación, acción, carácter receptivo, cálido, efusivo, y generoso. Se le asocia a entusiasmo y exaltación y cuando es muy encendido o rojizo, ardor y pasión. Utilizado en pequeñas extensiones o con acento, es un color muy útil, pero en grandes áreas es demasiado atrevido y puede crear una impresión impulsiva que puede ser agresiva. Posee una fuerza activa, radiante y expresiva, de carácter estimulante y cualidad dinámica positiva y energética.
Tonos pastel: Suavizan las cualidades y valores de los colores anteriores, intimidad, moderación. Ternura y amor maternal.
En China, el color tradicional del luto es el blanco. Los familiares del difunto suelen vestir ropa blanca durante el funeral y los días posteriores. También es común que los amigos y conocidos lleven ropa blanca como muestra de respeto. En la cultura china, el blanco se asocia con la pureza y la muerte. En Japón, el color tradicional del luto es el negro. Los familiares del difunto suelen vestir ropa negra durante el funeral y los días posteriores. También es común que los amigos y conocidos visten ropa negra como muestra de respeto. En la cultura japonesa, el negro se asocia con la tristeza y la muerte. También se cree que el color negro ayuda a los espíritus de los difuntos a descansar en paz. En la cultura india, el blanco se asocia con la pureza y la muerte. También se cree que el color blanco ayuda a los espíritus de los difuntos a renacer en una nueva vida. En otros países asiáticos, el color del luto puede variar. Por ejemplo, en Corea del Sur, el color tradicional del luto es el gris. En Tailandia, el color tradicional del luto es el amarillo.
La cultura oriental posee otro paquete de significados o valores asociados a los colores como por ejemplo:
Rojo:simboliza suerte, felicidad y prosperidad en China. También es el color del Año Nuevo chino. En las culturas orientales y asiáticas, representa suerte, larga vida, belleza y riqueza. En Medio Oriente representa peligro, precaución, guerra, valentía y amor. En América Latina representa la pasión, la religión, el sol y la muerte. En África representa la muerte y el derramamiento de sangre.
Azul: representa la inmortalidad, la curación, el cielo, el agua y la relajación en las culturas orientales y asiáticas. En Medio Oriente, representa seguridad, protección y lo divino. En África, representa el amor y la paz.
Blanco: representa la muerte, el luto, la infelicidad y la desgracia en la mayoría de las culturas orientales. En Medio Oriente, indica pureza, paz e igualdad. Los musulmanes visten Ihram (un atuendo blanco muy sencillo) durante la peregrinación Hajj. En China, el blanco es el color del luto.
Amarillo: simboliza riqueza y estatus en África. En Oriente Medio es un color especialmente lúgubre, asociado al luto. En la India, el amarillo anaranjado se considera sagrado.
Verde: representa el Islam y actualmente se utiliza en varias banderas nacionales como símbolo de esa religión. En las culturas orientales representa la naturaleza, la vida y la juventud. En África, representa masculinidad y prosperidad.
Naranja: representa el otoño, la calidez y la cosecha en las culturas occidentales. En Medio Oriente, se asocia con el duelo y la pérdida. Muchos países del Este vinculan el naranja con el amor, la felicidad y la buena salud.
Negro: El negro es el color del misterio y la oscuridad y se asocia con la muerte, la tristeza y el luto. También se utiliza para representar la elegancia y la sofisticación.
Al aplicar color sobre tipografías, rellenar formas, usarlo como fondo, o en cualquier otra aplicación que puede surgir será de gran valor no seleccionar aquellos colores con los que más me identifico como diseñador o como individuo, deberemos valorar el significado que le dará el resto de personas que serán expuestas a éste, considero que tendrá mayor peso lo que signifique para el público que ante mi gusto personal. En aplicaciones más exigentes deberemos distinguir entre colores para pantallas, que se reconocen por las siglas de sus tres tonos básicos (rojo, verde y azul) en inglés R.G.B. cada vez que nuestra aplicación sea presentada en un monitor de vídeo o televisor o bien en una pantalla de computadora. Para aplicaciones sobre papel u otros substratos generalmente blancos, los pigmentos de tintas más comúnmente usados son los del sistema Process que se basan en tintas semi traslucidas separadas en cuatricromía Process (cuatro colores) y se reconocen por sus letras iniciales en inglés C.M.Y.K. (Cían, magenta, amarillo y negro). Los podemos ver en la forma en que trabajan las imprentas de escritorio digitales (impresoras). Así se imprimen los periódicos, revistas, afiches, brochures, volantes, calendarios, tarjetas de presentación, etcétera.
Adicionalmente, te comparto un tutorial que nos invita a meditar una capa más profunda acerca del color, que disfrutes.
¿Podemos olvidar el color en publicidad?
Por ahora, nos vamos a quedar aquí, nos encontraremos en otra próxima entrega de Pensamientos Maupinianos. Agrega tu propio comentario sobre este tema u otro que desees, haz un clic en comentario.
Que estés bien,
El autor de este post es publicitario, creativo y productor audiovisual y ha incursionado exitosamente como docente universitario para el Instituto de Mercadotecnia y Publicidad de México, así como en la UNITEC en Honduras desde hace más de veinte años. Es asesor publicitario independiente, redactor de artículos sobre publicidad, conferencista y blogger.
El lechero ha regresado gracias a la pastillita azul VGR100.
Decía un viejo texto radiofónico al estilo de un ranchero norteño: "¿Qué es lo que tienen los rancheros junto a sus huevos? Después de un par de segundos de silencio un regaño se escuchaba -Pues no sea mal pensado, junto a los huevos del ranchero lo que hay son frijolitos fritos de la marca..." (la que Ud. guste). Otro texto, un encabezado de prensa, decía en su titular: "¿No le apena tenerla tan pequeña? " se trataba de la tasa de interés de un producto financiero para ahorro.
El humor es una característica que suele acompañar a la inteligencia, los textos publicitarios no sólo deben ser inteligentes, deben retar al auditorio o a los lectores, captar la atención, y mantener el interés hasta el último instante.
Bien hecho ahora puedes ver la tele, mami.
Tampoco se trata de hacer un chiste y ya, ni de ser el humorista de las pausas de los contenidos de la radio y TV. Hoy nadie duda tampoco de los poderes terapéuticos del humor. El humor, hace que olvidemos las cosas feas del día -que no son pocas- problemas hay de sobra, pero motivos para sonreír también y cuando una marca nos sabe sorprender con una exquisita pieza de humor inteligente se le termina favoreciendo de alguna u otra manera como muestra de gratificación emocional.
La industria de la publicidad siempre ha sido consciente de su gran potencial. El humor, destinado a producir una sonrisa o una risa -que no es lo mismo-, ha estado presente en las estrategias de las marcas desde su inicio. Su enorme capacidad para ser altamente recordada es un recurso muy útil, sobre todo cuando la saturación de impactos devalúa el potencial de los mensajes eminentemente racionales. También tiene la virtud de amplificar el potencial del mensaje gracias al "efecto llamada" que se produce cuando el auditorio suelta la risa. Esa carcajada actúa de forma inmediata en el entorno, estableciendo una corriente de empatía altamente contagiosa que se multiplica sin control y no depende del mensaje, sino de la actitud del receptor.
Solamente la publicidad que se emite en el Reino Unido y los Estados Unidos se trata de campañas donde la tercera parte de todo es creatividad en base al humor. Los festivales de creatividad publicitaria son un buen ejemplo de que no sólo el público y los auditorios les prefieren, sino que los mismos gurús de la creatividad global suelen premiar a quienes sí saben darle buena cara al mal tiempo.
El efecto AXE sigue haciendo sonreír a muchos.
Producir una sonrisa en el rostro de un niño, de un viejo, de alguien que ha estado pasando un mal día es algo que no tiene precio. Alguna vez usé el humor para algunas campañas publicitarias y recuerdo de manera especial una en la que mis hijas eran muy pequeñas y al sólo sonar el primer acorde del jingle(música) en la TV, dejaban de jugar en su cuarto y corrían a la sala de TV y se quedaban sentadas en el suelo sin decir ni una palabra y una y otra vez luego de reír volvían al instante a lo suyo, eran pequeñas y no sabían que hacía su papá para ganarse la vida. Ver las caras de la gente común en el transporte colectivo que sonríe al escuchar una cuña graciosa después de la jornada de trabajo y que a pesar de sus pocas fuerzas terminan riendo junto a su vecino es en sí mismo especial.
La fineza y talento con que se proponía en las piezas de VW invitarnos a pensar en pequeño en época de prosperidad, o considerar algo que no parece carro como solución de transporte, o como solucionar la crisis del petróleo ser honesto y ganarse el corazón del público. Pepsi lo hizo por muchos años cuando lanzo a la "generación siguiente" y "la elegida de la nueva generación".
La gran ventaja que tenemos en nuestros países está, como dijo un director creativo en México, en que nuestros políticos nos dan a diario material de sobra para lograr piezas de fino e inteligente humor que apunte a la marca, y que está tan bien colocado en la historia que no le podría quedar a nadie de la competencia ni de otra categoría de producto. Sin la marca correcta el chiste no funciona, nada más no amarra.
El personaje, es también muy importante, a veces ser famoso ayuda, otras veces no será necesario.
¿Cómo vez el uso del humor en la publicidad, ayuda o no ayuda a desarrollar a la marca? ¿Favorece la empatía entre la marca y el público? El humor es un estímulo emocional generalmente apreciado por anunciantes, publicitarios y consumidores de todo el mundo, con las naturales diferencias entre culturas, pero con semejanzas genuinas de la condición humana.
Si observamos las tendencias de inicio del siglo 21 en la publicidad audiovisual por ejemplo notaremos que el contenido humorístico es insertado en mensajes eminentemente emocionales, lo cual resulta coherente con la habitual ruta persuasiva del humor en la mente del público. Asimismo, se ha observado una tendencia al crecimiento de los mensajes informativos con humor, los cuales tratan de persuadir a los consumidores por la vía racional. En cualquier caso, es muy conveniente que el mensaje (emotivo/informativo) se ajuste a los criterios (emocionales/racionales) que prioritariamente emplea el público en la decisión de compra. Por eso es interesante ver que los mensajes emocionales con humor estén siendo más frecuentes en productos con orientación racional (como artículos de limpieza y comestibles) que en productos con orientación emocional (como bebidas y dulces).
Existen 5 criterios por los que se rige esta técnica creativa; provocar lo inesperado, la repetición, exageración y simplificación, y lo implícito. Es decir lo que no es, pero debería de ser, se depende del efecto sorpresa y de romper la lógica estereotipada.
De aquí saltarán chispas de colores.
El humor relacionado a la marca es mejor que el humor no relacionado a ésta. Es decir, la efectividad del humor es mayor cuando el contenido humorístico está bien integrado con los objetivos de la campaña. El humor llama eficazmente la atención. Por tanto, ayuda a cumplir el primer objetivo de la comunicación: hacerse notar en un entorno habitualmente saturado de publicidad. El humor es viral. Como todos sabemos, todos los usuarios de la Internet pueden compartir contenido con otras personas de manera muy fácil y rápida. El humor sitúa su marca en una posición óptima para beneficiarse de esta conectividad, ya que puede atraer grandes audiencias a través del efecto amplificador de las redes sociales. Si hace que sus usuarios se rían, su relación con ellos se beneficiará, y probablemente le envíen su idea creativa a sus amigos para que también se rían, lo que conseguirá que su mensaje se extienda por la Internet a velocidad de epidemia contagiosa como si fuera un virus.
El humor es un aspecto beneficioso e increíblemente importante para el marketing de una marca del que han hecho uso -con gran éxito- en la web distintas compañías, incluida Google. ¿Cómo podemos hacer un buen uso de él? Comparte tu opinión, déjanos un comentario, estás invitado a darle LIKE a nuestro sitio en Facebook. Hasta otra entrega de Pensamientos Maupinianos. Que estés bien.
Mauricio Pineda
El autor de este post es publicitario, creativo y productor audiovisual y ha incursionado exitosamente como docente universitario para el Instituto de Mercadotecnia y Publicidad de México, así como en la UNITEC en Honduras desde hace más de veinte años. Es asesor publicitario independiente, redactor de artículos sobre publicidad, conferencista y blogger.
Nadie sabía -entonces- que estaba sucediendo una revolución en medio nuestro. Por esos días se dio -de manera espontánea- un brote de excelente creatividad publicitaria que impactó a los demás publicitarios y anunciantes y a la sociedad de la década siguiente. Fue así que descubrimos que algo atípico había pasado delante de todos. Era su forma innovadora de hacer creatividad. La publicidad, ya nunca volvería a ser la misma.
Willliam Bernbach.
Fue un día cualquiera, cuando platicaba con "Tía Diana" -ella vivía en la Av. Universidad- acerca de mis avances académicos de la licenciatura en Publicidad. Sin esperarlo, me sorprendió cuando me preguntó sobre un tal Bill Bernbach que había hecho algo especial para la campaña de lanzamiento de VW en los Estados Unidos. Honestamente, no supe qué decir en ese entonces. Pero, esa espinita quedó clavada dentro de mi "curiosa mente" y busque respuestas. Allí empecé a coleccionar algunos datos sueltos por aquí y por allá. Finalmente, me encontré con una extraña frase relacionada con Bill Bernbach, la revolución creativa. Ahora sí, iniciemos con el punto.
Todo comenzó en el planeta Tierra, allá en el siglo XX después de Cristo en una galaxia llamada la Vía Láctea. En junio, al inicio del verano de 1949, cuando inició la agencia DDB, bajo la dirección creativa de alguien que por entonces se le consideraba judío nerd con aspecto conservador, William Bernbach.
En Nueva York, a finales de 1950 y en los inicios de la década de 1960, hubo una ola de jóvenes directores de arte y redactores publicitarios del Bronx y Brooklyn de múltiples y variados orígenes, nacionalidades y religiones. Su generación de publicitarios tenía energía, estilo, inteligencia y juventud. La revolución creativa encontró su hogar en Nueva York en la joven agencia Doyle, Dane, Bernbach, en simultáneo se extendió hasta otras agencias de Nueva York y más allá, como Leo Burnett en Chicago. Cuentan que en esos años no era fácil ser un judío en las agencias de NY, en el año de 1949. Bill Bernbach, junto con once de sus compañeros empleados también judíos de la agencia de publicidad Grey, abrieron DDB; Doyle, Dane & Bernbach.
Bill Bernbach, no se enfocó en las etnia o la raza, sino que buscaba el mejor "talento". Los primeros clientes de DDB eran todos judíos: Levy´s, Orbach´s, El Al, VW, y Polaroid. Bill, emparejó al director de arte y redactor en su agencia, era en ese momento una idea revolucionaria. Así que, los directores de arte contribuyen con titulares y los redactores empezaron a pensar visualmente, se combinan para crear un producto superior a lo que se estaba produciendo trabajando separados como era en esos años la norma organizacional. Existía una sana competencia por atender las cuentas y desarrollar marcas, y crear mejores campañas, eso empujó el nivel de exigencia y creatividad muy alto.
Bill puso en práctica la estructura mejorada de un equipo de creativos; reunió a Julian Koening como redactor de textos publicitarios y a Helmut Krone como director de arte (visualizador) y creó una dupla creativa que dio resultados creativos sorprendentes. Este ejercicio lo había ensayado un poco antes mientras trabajó para Grey Advertising. Así nació una de sus campañas publicitarias más memorables. Desde esa fecha hasta hoy, VW y sus piezas gráficas siguen siendo burlonas, simpáticas, frescas, chispeantes, sorpresivas, simples, sencillas, limpias y etcétera.
Bob Gage, fue la base en DDB.Helmut Krone, Bert Steinhauser, Phyllis Robinson y Bill Taubin también eran de los peces gordos en la agencia.Roy Grace, Rosenfeld, Len Sirowitz, Charlie Moss, Paul Mogalis, Mary Wells, quien contrató a Charlie Moss cuando ella formó Wells, Rich & Greene. Alguna vez dijo: "Las reglas son aquello que rompe el artista; lo memorable nunca surge de una formula".
Bernbach, fue lo contrario de Rosser Reeves, Bill pensaba que la gente se aburre por la repetición y que el público respondería mejor a la novedad. También pensaba que el estilo de Reeves sólo reiteró la propuesta única de venta. Bernbach cree que la publicidad es el arte de la persuasión yno una ciencia.
David Mckenzie Ogilvy
Un año antes, en 1948, un británico de nombre David Mckenzie Ogilvy, abrió una agencia publicitaria junto con otros socios y se llamó en esos inicios Ogilvy & Mather, esta agencia, sus libros, muchas de sus campañas y sobre todo de sus frases y dichos que hoy se conocen como "ogilvismos" son parte de su herencia a la creatividad publicitaria. Ogilvy, trajo un toque de clase británica a Nueva York. Tenía una formación muy variada eso le dio una perspectiva interesante para hacer publicidad. Ogilvy, alguna vez escribió: "Nunca publique un anuncio que no quisiera que viera su propia familia".
Ogilvy, era conocido por volverse esclavo de los proyectos, incorporándolo en su vida diaria: al escuchar música, beber, en el baño, los paseos, observando a las aves, etc. Buscó personas metidas de lleno en las artes liberales -no de la industria de la publicidad- al momento de reunir a su equipo creativo.
Ellos dos; Bernbach y Ogilvy, no fueron los únicos, pero si destacan ser de los que más influyeron en su generación y en la forma en que hacemos creatividad publicitaria en el siglo XXI.
Su trabajo duro, continúo hasta las décadas del 60 y de los 70 y fue allí cuando muchos descubrieron al mirar hacía atrás que efectivamente algo había pasado y que la creatividad había cambiado. Los creativos pasaron a dominar la industria, cada vez su labor fue más y más valorada, pero no todos los creativos ni todas las agencias de esa época aportaron a esta revolución creativa, muchos siguieron buscando convertir la creatividad en una ciencia, en encontrar formulas, recetas y hasta diseñar máquinas con capacidad de hacer ideas.
El spot de TV, los cambios en la sociedad, los valores y estilos de vida, la investigación de mercados, los jóvenes, el pensamiento y la planificación estrategica, los mercados internacionales se suman al cambio. Hoy día muchos dicen que estamos experimentando la segunda revolución creativa gracias al internet y a sus muchas posibilidades multimediales y de banda ancha.
Otros cambios se empezarían a gestar a partir de los años 60; como VALS, la USP, CopyStrategy, starstrategy, los planificadores estratégicos, consumerinsights, el surgimiento de la internet para uso civil y la banda ancha, la HDTV (televisión digital terrestre) más recientemente, pero el secreto no está sólo en la renovación tecnológica. En Honduras, debemos empujar para subir nuestro actual nivel creativo con mucha fuerza y determinación, y lograr nuestra propia revolución creativa, en los países de habla española donde se ha despertado la creatividad de manera revolucionaria, éstos han estado ligados a profundas crisis y en eso los hondureños hemos demostrado ser campeones...ahora a dar todo para lograr superarnos a nosotros mismos, lograr que hoy supere lo hecho el día de ayer, no postergar el cambio sino enfrentarlo ya.
Hasta otra entrega de Pensamientos Maupinianos donde ampliaremos sobre la revolución creativa que cambió nuestra forma de hacer publicidad hoy. Recomiendo también disfrutar de la historia de la primera dupla creativa en DDB.
Que estés bien.
Creative Revolution
No one knew a revolution was taking place,
in those days it was in an unsuspected manner the was a creativity outbreak
that shocked publicists and society of the next decade and it was when they
found out something had happened on the way of making creativity, advertisement would never be the same. It
was a day like any other, when I was talking to someone older about my progress
on advertisement, and it surprised me when he asked me about some Bill Bernbach that did something
“special” for VW’s launching campaign in USA. I didn’t know what to say, but it
stayed in my mind, so I went looking for some answers. It was then I started collecting some loose fact and came
across the creative revolution.
It all started in planet earth, somewhere
in the XX century AD in some galaxy called the Milky Way, in June 1949 when DDB
started, under the creative direction of someone who looked like a nerd and conservative look; William Bernbach. He implemented an
improved structure of a creative team. He brought Julian Koening as copywriter
and Helmut Krone as art director as visualizer and created the creative duo,
giving surprising results. He used this
structure while working for Grey Advertising. Since then, VW has been working
with the same advertising agency and their ads are still witty, fun, fresh,
surprising, simple, clean, etc. He was said: “Rules are what the artist breaks; the memorable never emerged from a
formula.”
A year before, 1948, a British man named David Mckenzie Ogilvy opened an ad
agency along with other partners and it started as Ogilvy and Mather. The agency,
its books, its campaigns and above all its quotes that nowadays are known as
“ogilvisms” are now part of the creative heritage. Ogilvy once wrote: “Don’t ever publish something that not even
your family would like to see.”
These two were not the only ones but, they
were the most influential in their generation and the way we make advertisement
in the XXI century. Their hard work went on to the 60s and 70s, it was then
when many looked back and realized that something did happened and creativity
had taken a turn. Creatives lead the industry, their work became more valued
but, not all creatives nor all agencies of the time contributed to this
creative revolution, many tried to make creativity into a science, to find a
formula, a recipe or even to make an idea making machine.
TV spots, changes in society, values and
life styles, marketing research, youth, thinking and strategic planning,
international markets, everything changed. Today, many say that we’re
experiencing a second creative revolution thanks to the internet and its
multimedia possibilities and broad band.
Other changes started to take place during
the 60s like: VALS, USP, copy strategy,
star strategy, consumer insights, strategic planners, the use of the web
for civilians and broad band, recently the HDTV, but the secret is not only on
technological renovation.
In Honduras we have to push to level up the
creativeness with force and determination and achieve our own creative
revolution, is Spanish speaking countries where creativity has sparked in a
revolutionary way, they have been linked to deep crisis and in which Hondurans
have been best…now, to give it all to outdo ourselves, exceed today what we did
yesterday, to not procrastinate change but to confront it.
Until a next entry, where we will expand on
the creative revolution that changed advertising today.
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