Composición visual: El marco natural

¿Has observado fotos tomadas a través de puertas o ventanas? En estas podemos apreciar un paisaje o un retrato enmarcado dentro de la propia puerta o ventana. ¿O quizá has estado ante fotografías del reflejo en espejos, o a través de la ventana de un carro, etc. Generando alto impacto y atrayendo rápidamente nuestra atención sobre el sujeto enmarcado.

Un marco natural se vale árboles, ramas, ríos, líneas de horizonte y otros elementos naturales para enmarcar y aislar al sujeto más importante de la imagen. Estos marcos naturales aportan información sobre dónde estamos y ayudan a la creación de planos de fondo y destacan la perspectiva.

La composición visual es un elemento fundamental en la creación de imágenes impactantes y memorables. Como fotógrafo profesional, es crucial entender y dominar los conceptos de composición para crear imágenes que atrapen la atención del espectador. Uno de los elementos clave en la composición visual es el uso de marcos naturales. Los marcos naturales, son elementos que están presentes en la escena que se utilizan para crear un marco visual que guía la atención del espectador hacia el objeto o la acción principal.

Estos marcos pueden ser elementos geométricos, como arcos, columnas o estructuras, o pueden ser elementos naturales, como árboles, rocas o montañas. Los marcos naturales pueden ser utilizados para crear un contraste visual interesante, enfatizar el objeto principal, o crear una sensación de profundidad y perspectiva. Su uso aporta valores fundamentales como la atracción visual, la profundidad, el contexto narrativo, la belleza estética y la originalidad. Dominar el arte de incorporar estos elementos en tus composiciones te permitirá crear imágenes impactantes y memorables que atrapen la atención de tus espectadores.

Los marcos naturales -potencialmente- son cualquier objeto o grupo de objetos dentro de una escena que forman un entorno o marco alrededor del sujeto principal. Estos pueden ser elementos naturales como árboles, montañas, arcos de roca, o incluso elementos hechos por el hombre como puertas, ventanas, o arcos arquitectónicos. El marco puede estar en el primer plano, en el fondo, o ambos.

El uso de marcos naturales tiene muchos beneficios que podremos capitalizar en nuestra próxima fotografía. Veamos una corta lista de factores a sumar con su implementación:

Dirige la atención: Un marco natural puede ayudar a dirigir la atención del espectador hacia el sujeto principal de la imagen. Esto puede ser especialmente útil en escenas complejas con muchos elementos. Los marcos naturales pueden ser utilizados para guiar la atención del espectador hacia el objeto principal.

Agregan profundidad: Un marco en el primer plano puede añadir una sensación de profundidad a la imagen, creando una sensación de tridimensionalidad. Los marcos naturales pueden ser utilizados para crear una sensación de profundidad y perspectiva en la imagen.

Plantean un contexto: Un marco puede ayudar a contextualizar el sujeto, proporcionando pistas sobre su entorno o situación. Los marcos naturales pueden ser utilizados para crear un contexto que ayude a entender la escena y el objeto principal.

Aumenta el interés visual: Un marco interesante puede añadir interés visual a la imagen, haciendo que la composición sea más atractiva.

Aquí hay algunos consejos para usar marcos naturales en tus fotografías:

Busca marcos potenciales: Cuando estés componiendo tu imagen, busca elementos que puedan servir como marcos naturales. Esto puede requerir que te muevas o cambies tu punto de vista.

Experimenta con variedad de diferentes marcos: No todos los marcos tienen que ser tradicionales. Experimenta con diferentes tipos de marcos, como sombras, reflejos, o incluso desenfoques.

Asegúrate de que el marco complementa al sujeto: El marco debe complementar, no distraer, del sujeto. Asegúrate de que el marco y el sujeto trabajen juntos para crear una imagen cohesiva.

Usa la profundidad de campo a tu favor: Puedes usar una profundidad de campo reducida para desenfocar el marco, lo que puede ayudar a dirigir aún más la atención hacia el sujeto.

Contraste visual: Los marcos naturales pueden ser utilizados para crear un contraste visual interesante entre la forma geométrica y la forma natural del entorno.

Hay algunas cosas a tener en mente para lograr que los marcos naturales mejoren nuestra próxima sesión de fotos.

Observa la escena: Antes de tomar la foto, observa cuidadosamente toda la escena y busca elementos naturales que puedan ser utilizados como marcos.

Experimenta con diferentes perspectivas: Experimenta con diferentes perspectivas para encontrar la que mejor se adapte a la escena y el objeto principal.

Utiliza la luz: Utiliza la luz para crear un contraste visual interesante entre la forma geométrica y la forma natural del entorno.

No te preocupes tanto por la perfección: No te preocupes por la perfección del marco natural. A veces, los elementos naturales pueden ser imperfectos, pero esto puede agregar un toque de autenticidad a la imagen.

Existen algunos elementos de los marcos naturales que nos pueden ayudar son, por ejemplo:

Arquitectura: Los edificios, monumentos y estructuras pueden ser utilizados como marcos naturales. Estos elementos pueden ser utilizados para crear un contraste visual interesante entre la forma geométrica y la forma natural del entorno.

Árboles y vegetación: Los árboles y la vegetación pueden ser utilizados para crear un marco natural que guía la atención del espectador hacia el objeto principal. Los árboles pueden ser utilizados para crear un contraste visual interesante entre la forma geométrica y la forma natural del entorno.

Rocas y montañas: Las rocas y montañas pueden ser utilizadas para crear un marco natural que guía la atención del espectador hacia el objeto principal. Estos elementos pueden ser utilizados para crear una sensación de profundidad y perspectiva.

Cielo y nubes: El cielo y las nubes pueden ser utilizados para crear un marco natural que guía la atención del espectador hacia el objeto principal. El cielo puede ser utilizado para crear un contraste visual interesante entre la forma geométrica y la forma natural del entorno.

Puedes -además- aplicar algunas técnicas fotográficas que te van a ayudar a lograr un marco natural que contribuya a mejorar la idea inicial de tu foto. Pon atención a lo siguiente:

Incluye formas irregulares. Conseguir que se ajusten a las propias formas contenidas dentro del marco supondrá un plus.

Prueba con las formas regulares. Formas geométricas regulares darán mayor estabilidad y sensación de enmarcado. Pueden cubrir todos los lados, o sólo una parte. Aunque algunos elementos tales como puertas, tuneles, arcos, pasillos largos o ventanas nos ofrecen un enmarcado a través de los cuatro lados de una imagen, el tronco de un árbol y la proyección de una rama podría hacerlo sólo en dos de ellas, una cerradura muy grande.

Enmarcar a través del desenfoque. No suele tenerse en cuenta cuando se habla de marcos naturales pero, los objetos desenfocados muy cercanos puede ofrecernos un marco natural sutil.

Ahora, no olvides aplicar en tus próximas fotos. Comparte con todos nuestros lectores tus resultados y cuenta si te ha ayudado la lectura de hoy.

Qué estés bien,

Pre producción fotográfica

La mayoría de los proyectos fotográficos -casi todos- nos van a demandar tres fases o momentos durante el proceso de su realización. Esto significa que vamos a trabajar por "estaciones" (3) y cada estación en sí misma, posee sus propios objetivos y características.
Usualmente, si pensamos en la ingesta diaria de alimentos, muchos acostumbramos a comer en tres tiempos: Desayuno, almuerzo o comida y la cena. No intentemos comer todo en un sólo tiempo, creo que a muchos esto nos haría daño, no se recomienda hacer un único esfuerzo en lugar de distribuir esta responsabilidad en tres momentos la preproducción, la realización de la sesión y el post proceso.

Preproducción + Producción + Posproducción

Vamos a hacerlo bien desde la primera vez. La creación fotográfica nos va a demandar un tiempo previo para planificar, crear la estrategia, visualizar, estimar, inventariar, medir los plazos, listar los recursos que se van a necesitar y organizar entre muchos otros detalles. A este momento se le suele llamar etapa de preproducción. Que consiste en desarrollar el inventario de todas las necesidades que nos va a exigir producir la foto. La preproducción es determinante por varias razones. Ayuda a evitar errores costosos durante la producción, permite una mejor gestión del tiempo y los recursos, y asegura que todos los involucrados en el proyecto tengan una clara comprensión de lo que se espera de ellos. La preproducción es una etapa fundamental para el éxito de una sesión fotográfica. Dedicar tiempo a planificar y organizar todos los elementos necesarios ayudará a asegurar que la sesión sea eficiente y que los resultados finales sean los esperados. La preproducción en fotografía es la etapa previa a la toma de fotografías, donde se planifican y organizan todos los elementos necesarios para la sesión. Es un proceso fundamental para asegurar que la sesión sea exitosa y que los resultados finales sean los esperados. Todos los recursos que entran al listado de necesidades, se van a convertir en costos -y a su vez- todos juntos nos van a permitir estimar el costo económico del proyecto. Esta etapa -del proyecto fotográfico- es esencial para anticipar problemas, optimizar recursos y tiempo. Y así, asegurar que las ideas se traduzcan en la imagen efectiva de alta calidad creativa y técnica. Una vez comprendido el tema que se va a tratar en el proyecto fotográfico a realizar, entonces es preciso tomarse el tiempo para hacer una profunda investigación que permita tener dominio sobre la temática y proporcionar a los observadores información de alta calidad; verídica y objetiva.

Las principales tareas que se llevan a cabo en la preproducción serán definir el objetivo de la sesión. ¿Qué se quiere lograr con las fotografías? ¿Se trata de una sesión de retrato, de producto, foodstyling, de naturaleza, etc.? Identificar al público objetivo. ¿Para quién se van a tomar las fotografías? ¿Qué tipo de imágenes les van a gustar?

Desarrollar un concepto creativo: ¿Qué estilo se va a utilizar en las fotografías? ¿Qué tipo de iluminación, composición y atrezzo se va a utilizar? Seleccionar el equipo necesario. ¿Qué cámara y objetivos se van a utilizar? ¿Se necesitan trípodes, flashes u otros accesorios? Contratar a los modelos o colaboradores. Si se necesitan modelos o colaboradores, es necesario contactarlos y confirmar su disponibilidad.

Buscar y reservar la localización. Si la sesión se va a realizar en una localidad específica, es necesario buscarla y reservar con anticipación. Realizar un presupuesto. Es importante calcular el costo total de la sesión, incluyendo el equipo, los materiales, la "locación" y los honorarios de los colaboradores. Pero, no serán todas las que podrían surgir.

Cómo nos vamos a organizar y a preparar para ser exitosos durante esta etapa del proyecto fotográfico. Empieza temprano. Cuanto antes empieces a planear, más tiempo tendrás para maniobrar y encontrar la locación perfecta, contratar a los modelos y colaboradores, y reunir todo el equipo necesario. Sé creativo. No tengas miedo de experimentar con diferentes estilos e ideas. La preproducción es el momento perfecto para probar cosas nuevas y encontrar el enfoque perfecto para tu sesión. Sé organizado. Mantén una lista de todos los elementos que necesitas para la sesión y asegúrate de tenerlos oportunamente todos a mano el día de la sesión. Sé flexible. No siempre todo saldrá según el plan. Es importante ser flexible y estar dispuesto a hacer cambios cada vez que sea necesario.

Un retrato de época. Las pin up girls como referencia.

Moodboards o Referencias previas. Usualmente el proyecto que tenemos por delante, surgió de un proyecto fotográfico hecho anteriormente y que hoy nos sirve como referencia. Otras veces, serán varias las referencias a las que acudimos para adoptar un estilo, una corriente u otra. Desde la referencia pictórica o pintura, una estatua, un monumento o un edificio, un fotograma de una película, etc. La inspiración puede venir de muchas fuentes, inclusive puede venir del interior; de un layout original o un rough, o de la imagen que generó la inteligencia artificial (generador de imágenes) luego de recibir algunas descripciones o prompts.

Layout de Copán Cola por Designer de Copilot AI.

También puedes apoyarte en los moodboards para comunicar mejor tus ideas puedes utilizar moodboards, se trata de collages de elementos que ayudan a compartir una visión creativa determinada. Esto incluye colores, texturas, luz, composición, tipografías, muestras de pinturas y fotografías, formas y en definitiva cualquier cosa que pueda inspirar una idea. El uso de moodboards es como un puente para transitar desde las ideas iniciales y los diseños finales. Puedes encontrar ayuda en herramientas en línea como Flim.ai, un motor de búsqueda de fotogramas de películas con algo más más de 250 mil imágenes. Existen 4 valiosos aportes del moodboard a tu proyecto de fotografía: 

Inspiración visual, reúne imágenes, colores, texturas y elementos visuales que transmiten la estética deseada. Sirve como fuente de inspiración para el equipo creativo. Comunicación visual, al compartir con el equipo (modelos, maquilladores, estilistas, etc.), todos entienden la visión global del proyecto. Facilita la comunicación y alinea las expectativas. Coherencia, el moodboard ayuda a mantener una coherencia visual en todas las tomas. Define la paleta de colores, el estilo de iluminación y la composición. Toma de decisiones al ver las imágenes juntas, se pueden tomar decisiones sobre atrezzo, vestuario, ubicaciones y más. Es una guía para producir imágenes impactantes.

Como es el caso de todo plan, se debe contar con un objetivo a lograr. No se debe confundir este punto con el objetivo ópticos o las lentes de la cámara. El objetivo de este proyecto es crear una serie de fotografías que capturen la esencia de (descripción del tema). Las fotografías se utilizarán para [descripción del uso final]. Define a qué auditorio o segmento de la población está dirigido este proyecto. El público objetivo de estas fotografías son (descripción del público objetivo por su demografía). El tipo de mensaje a comunicar, su tono, el modo se suelen definir también como el concepto creativo. El estilo de las fotografías será (descripción del estilo).

Se utilizará una iluminación (diseño de planta y descripción del ambiente de la iluminación) y una composición visual (descripción de la composición). Se podrán utilizar props o atrezzo como (descripción del atrezzo). Listado de los equipos técnicos, la óptica (objetivos), cuerpo de cámara y formato, sincronizadores, trípode, cabeza y zapata, etc. Listado de luminarias (luz continua, flashes, accesorios, trípodes, pantógrafos, grúa, cables, esclavas inalámbricas, etc.) El fondo que será el entorno circundante a la escena; consideremos la textura, el tipo material, el acabado tanto como su brillo o su opacidad, colores y tonos, etc. La selección del talento, también conocida como casting call, es un proceso delicado y decisivo para lograr un alto nivel de verosimilitud. Preparar el contrato de cesión de derechos de la imagen. Definir de la manera exacta el vestuario, la época, la edad del personaje que deseamos construir. En la fotografía profesional, el vestuario no es solo una elección estética, sino una narrativa visual poderosa.

Vestuario de época

Cada prenda comunica aspectos del personaje o tema, desde su estatus social hasta su estado emocional. Un vestuario cuidadosamente seleccionado puede realzar la autenticidad de una escena, evocar una época específica o reforzar un mensaje subyacente. Es una herramienta esencial para el fotógrafo, que trabaja en conjunto con la iluminación y la composición para crear una imagen cohesiva y expresiva. Por tanto, el vestuario es fundamental para capturar la esencia de la visión creativa y transmitir una historia convincente a través del registro de la lente.
La selección de la localización, trata acerca encontrar el escenario idóneo para crear el ambiente más propicio para fotografía. Vamos a mencionar tres opciones que nos ayudarán durante la etapa de scoutting. Las localizaciones en interior, bajo techo. Una oficina, un taller, una nave de producción, la cocina de una cabaña, etc. También, están las localizaciones en exteriores; estas representan en más alto factor de riesgo pues están sujetas al clima o cambios bruscos del tiempo. La opción que nos permite tener un mayor control del entorno y de los cambios en el tiempo y el clima son los platós o estudios de fotografía.

El maquillaje y el peinado son esenciales en cualquier proyecto fotográfico. Estos elementos son cruciales para definir el estilo y la atmósfera de las imágenes. Un buen diseño de maquillaje puede resaltar las características del sujeto, ocultar imperfecciones y expresar emociones, mientras que un peinado adecuado complementa y completa la estética deseada. Juntos, maquillaje y peinado pueden transformar completamente a una persona, ayudando a contar una historia visual y aportando un nivel de detalle y profesionalismo que eleva la calidad final del trabajo fotográfico. Son, sin duda, herramientas poderosas en la narrativa visual. Los props y el atrezzo son vitales para construir el mundo visual de una fotografía. Estos elementos añaden profundidad y contexto, permitiendo que el observador se sumerja en la historia que se cuenta. Los props pueden ser tan sutiles como un reloj de época o tan dominantes como un coche clásico, pero siempre deben servir al propósito de la narrativa. El atrezzo adecuado puede evocar emociones, establecer el tono y transformar un espacio ordinario en una escena rica y detallada. Son, en esencia, los toques finales que hacen que una imagen cobre vida y resuene con el público. La logística de transporte, hospedaje, o la alimentación no siempre aplican pero, siempre será importante tenerlos presentes. Esto puede incluir la coordinación de horarios y la preparación de contingencias para problemas imprevistos. Si se planea hacer la sesión de fotos en ubicaciones específicas, es probable que se puedan requerir permisos y autorizaciones. Además, se deben revisar todos los aspectos legales y de seguridad.

Define claramente todo aquello que no es posible ser logrado exitosamente durante la etapa de realización y déjalo documentado para que se desarrolle durante el tiempo de post proceso. La estimación de costos y presupuestos es fundamental. Este proceso garantiza la viabilidad financiera del proyecto, permitiendo una asignación adecuada de recursos para cada aspecto, desde el equipo hasta el crew de colaboradores. Un presupuesto bien planificado previene gastos excesivos y asegura que se puedan cubrir todas las necesidades creativas y técnicas sin comprometer la calidad. Además, proporciona un marco claro para negociar con clientes y proveedores, manteniendo expectativas realistas y transparencia en el proceso creativo. En resumen, un presupuesto detallado es la columna vertebral que sostiene la integridad y la ejecución exitosa de un proyecto fotográfico.

Valorar correctamente la importancia de planificar y documentar correctamente todo es motivo de ahorros y potencia la utilidad financiera de cada proyecto, además nos va a ahorrar muchos dolores de cabeza. Te recomiendo leer sobre la preproducción de spots televisivos.

Establecer un plan claro desde el inicio asegura que todos los elementos del proyecto -desde la iluminación hasta la postproducción- estén alineados con la visión creativa. Permite anticipar desafíos, gestionar el tiempo eficientemente y coordinar al equipo con precisión. Un plan de trabajo detallado es una hoja de ruta que guía el proceso creativo, asegurando que cada paso se ejecute con intención y coherencia, lo que es vital para alcanzar un resultado final que refleje la calidad y el mensaje deseado.

Que estés bien,

Pintar con luz: Una danza de colores y movimiento

¿Quieres darle un toque especial

e impactante a tus fotos?

(Sigue leyendo)

Pintar con luz. Es una técnica creativa en la fotografía de retratos que va más allá de la captura tradicional de una imagen. Es un proceso que transforma el retrato en una obra de expresión vibrante, utilizando la luz como herramienta principal. El aceite mineral sobre la piel crea un brillo sutil que refleja la luz de colores de forma atractiva, intensificando la textura, volúmenes y la profundidad de la piel. Las luces de colores, a su vez, bañan al modelo en un aura vibrante que despierta emociones y crea una atmósfera increíblemente única. La simulación del movimiento, a través de las poses o de la técnica de barrido de luces, aporta dinamismo y energía a la imagen, capturando la esencia del instante y creando una experiencia visual cautivadora. La combinación de estos elementos produce una sinergia que impacta en el observador, generando una sensación de armonía, belleza y fascinación. Es una danza entre la luz, el color y el movimiento que transforma la fotografía en una obra de arte sensorial.

La fotografía de retratos va más allá de únicamente capturar una imagen, es una danza entre la luz, el color, la sombra y la emoción. La técnica de "pintar con luz" eleva este arte a un nuevo nivel, transformando el retrato en una expresión vibrante.

El lienzo negro: Un fondo oscuro, como un telón de terciopelo, abre paso a la magia. Es la base sobre la que la luz de colores teje sus historias.

Cuando la luz atraviesa una gel de color o algún vidrio de color, ocurren fenómenos interesantes relacionados con la interacción de la luz con la materia. La luz blanca, una mezcla de haces de diferentes longitudes de onda, se descompone en sus colores componentes al atravesar un prisma de vidrio. Cada color tiene una longitud de onda diferente, lo que provoca su separación en un espectro similar al arco iris. Además, cuando la luz pasa por un vidrio de color o una gel de color estos pueden absorber ciertas longitudes de onda, lo que da como resultado la coloración observada. Así, el vidrio actúa como un filtro que modifica la luz blanca original en función de sus propiedades físicas y composición.

Durante una sesión de fotografía de retrato con luces de colores, la piel de un modelo puede reflejar los tonos de luz de colores utilizados. Por ejemplo, si se ilumina con una luz azul, la piel podría adquirir un matiz azulado. Además, al pintar con luz, se pueden crear efectos artísticos sobre la piel, como suavizar o resaltar áreas específicas que la sola luz blanca no deja observar. El fotógrafo debe ser consciente de estos efectos y ajustar la iluminación para lograr el resultado deseado en su retrato.

Pinceles luminosos. Los geles para flashes de estudio son filtros de colores que permiten controlar y modificar la luz del flash. Su importancia radica en la capacidad de corregir la temperatura de color, agregar color a la escena y crear efectos especiales. Son herramientas versátiles, económicas y que potencian la creatividad. Los geles ofrecen una amplia gama de colores y densidades, permitiendo un control preciso sobre la luz. Son compatibles con la mayoría de los flashes de estudio y pueden usarse tanto en estudio como en exteriores. Los geles para flashes de estudio, fabricados principalmente de policarbonato (resistente al calor, ligero, flexible y con buena transmisión de luz) o acetato (más económico, menos resistente al calor y flexible), son herramientas que permiten controlar y modificar la luz del flash. Sus características técnicas incluyen la densidad (que afecta la cantidad de luz transmitida), el color (disponible en una amplia gama), la transmitancia (porcentaje de luz que atraviesa el gel) y la reflectancia (porcentaje de luz reflejada). Otros materiales utilizados en la fabricación de geles son poliéster, nylon y gelatina. La elección del material dependerá de las necesidades del fotógrafo. El policarbonato es la mejor opción para la mayoría, ya que ofrece un equilibrio entre resistencia, flexibilidad, transmisión de luz y precio.

Los geles para flashes de estudio son una herramienta valiosa para mejorar la calidad de las fotos y explorar la creatividad del fotógrafo. Las geles de colores convierten a los flashes en artistas, impregnando la piel del modelo en un arcoíris de emociones. Rojo pasión, azul melancolía, naranja intenso cada tono es una pincelada de emociones. La piel ahora es un lienzo. Un toque de aceite mineral realza la textura de la piel, convirtiéndola en un espejo que refleja la luz y la amplifica. Un brillo que intensifica la expresividad del retrato. La danza del cuerpo, las poses ya no son estáticas, son un baile de movimiento y pasión. El cuerpo se convierte en una herramienta narrativa, contando historias a través de la tensión muscular, la fluidez de las líneas inclinadas, diagonales y oblicuas y la energía del gesto.

Pliegos de papel celofán

Es posible adoptar un substituto de menor costo que los geles de colores. Hablamos del papel celofán, hecho de viscosa (derivada de la celulosa), es un material transparente, flexible, permeable y biodegradable. Se fabrica disolviendo celulosa, solidificando la solución, se le da forma de masa y se vacía hasta que toma la forma de una hoja fina y -finalmente- se la deja secar. Su tolerancia al calor es baja (se ablanda a más de 60°C), por lo que no se recomienda su uso a altas temperaturas. Nota: No deberá tocar las fuentes de luz (flash o luz modeladora) de manera directa.

Pintar con luz utilizando papel celofán sobre los softbox. 
(Modelo: Ale Cornavaca)

Las luces destellantes del flash congelan el movimiento en un instante de energía electrizante, creando una estética dinámica. Los filtros de color añaden un toque de surrealismo o nostalgia a la imagen, jugando con la percepción del color. Pintando con luz, el fotógrafo se convierte en un director de orquesta, coreografiando la luz, el color y el movimiento para crear retratos que no sólo capturan la realidad, sino que la reinterpretan, la transforman en una explosión de emociones y creatividad. En este baile de luces y sombras, la imaginación es el límite. Experimenta, juega, explora. Convierte tu cámara en un pincel y pinta con luz retratos que hablen al corazón.

El círculo cromático o rueda de colores es un instrumento gráfico representado en una ruleta, en el cual se organiza y se segmenta colores en base a su tono o matiz. En resumen, si te preguntan qué es el círculo cromático puedes responder que es una herramienta que nos ayuda a visualizar las combinaciones de los colores. Para responder a la pregunta sobre cómo es que se dividen los colores del círculo cromático. Resolveremos el misterio ahora. Colores primarios: son los colores principales del círculo cromático. Cuáles son depende del tipo de círculo; sobre este punto. Colores secundarios: estos colores son producto de la mezcla de dos que son primarios. Por ejemplo: naranja. Colores terciarios: son producto de la mezcla entre un color primario y uno secundario. Así, por ejemplo, al mezclar amarillo y verde se obtiene una tonalidad de verde en particular, que es el verde amarillo. Habrá que tener en cuenta que no todos los colores son primarios o secundarios sin importar el tipo de círculo que se trate.

En cambio, existen tres círculos cromáticos a tener en cuenta (RYB, CMYK, RGB) que te contaré a continuación. Así, mientras que el rojo es un color primario en RYB, es uno secundario en el modelo sustractivo (CMYK). Un círculo cromático clásico también se lo conoce como RYB por sus siglas en inglés Red, Yellow and Blue. Porque está compuesto por los colores básico: rojo, amarillo y azul; y por los colores secundarios: naranja, verde y morado. Hay casos en que un círculo cromático de modelo tradicional puede combinar los colores básicos y secundarios de la siguiente manera; amarillo anaranjado, rojo anaranjado, rojo violeta, azul violeta, azul verdoso o amarillo verdoso, como lo vemos en el gráfico de abajo:

Círculo (rueda) cromático clásico

Cómo lograr combinaciones y mezclas de colores impactantes para "pintar con luz":

1. Creando armonías contrastantes a partir de los colores complementarios indirectos que se encuentran opuestos en el círculo cromático, creando un contraste vibrante y llamativo. Lo vemos al reunir el rojo y el verde, azul y naranja, amarillo y morado. Es una de las combinaciones de colores de círculo cromático más compleja porque se mezcla un color base con dos adyacentes de su opuesto. Por ejemplo, el color naranja, azul y verde son opuestos, pero quedan muy bien cuando llegan a juntarse. Los colores análogos se encuentran adyacentes en el círculo cromático, creando una armonía suave y elegante. Como asociar el rojo, naranja y amarillo; azul, verde y celeste. Las gráficas o imágenes con colores análogos son una salida muy fácil y rápida de emplear en caso no tengas tiempo o necesites entregar tu pendiente en el menor tiempo posible. Solo necesitas encontrar un color adecuado y combinarlas con sus variables adyacentes. Es decir, si eliges rojo, puedes usar rojo, anaranjado y naranja, o rojo violeta y violeta. También te vendrá bien reunir tríadas que combinan tres colores equidistantes en el círculo cromático, creando un equilibrio dinámico y vibrante. Por ejemplo al reunir: rojo, azul y amarillo; verde, naranja y morado. Las combinaciones en tríadas se forman trazando un triángulo imaginario dentro un círculo cromático y que apuntan a tres colores equidistantes. Por ejemplo, azul-violeta, rojo-anaranjado y amarillo verdoso. Estas combinaciones expresan una sensación de balance y también transmiten fuerza por sus contrastes.

2. Incluye efectos psicológicos a través de los colores cálidos que transmiten energía, pasión, alegría y dinamismo, para esto trabaja con rojo, naranja, amarillo. También podrás incluir los colores fríos que transmiten calma, paz, serenidad y melancolía; azul, verde, violeta. Los colores neutros como aplicar el negro, blanco y gris, estos suelen aportar equilibrio, contraste y sofisticación a la composición.

3. Consideraciones adicionalmente el tono, la intensidad del color puede afectar el impacto visual. Los tonos más claros aportan ligereza, mientras que aquellos tonos más oscuros intensifican la profundidad. La saturación determina la viveza del color. Colores más saturados son más vibrantes y llamativos, mientras que colores menos saturados son más sutiles y elegantes. La temperatura del color (cálida o fría) puede influir en la atmósfera de la imagen.

Pintar con luz (blanca) sin agregar colores.

Consideremos -también- que aunque no es inherentemente necesario utilizar dos o tres luces con colores específicos al aplicar la técnica de "pintar con luz" en retratos, este enfoque permite explorar nuevos horizontes creativos y enfatizar aspectos visuales como el movimiento. En este contexto, aquí se describirán algunas maneras de incorporar luces con colores para destacar el movimiento en tu trabajo fotográfico. Aprovecha los colores complementarios y utiliza dos luces con colores opuestos (como azul y amarillo) para crear contrastes vibrantes entre las áreas iluminadas y las sombreadas. Esto puede ayudar a dar la percepción de movimiento cuando los colores cambian dinámicamente debido a la acción del modelo.

Círculo cromático RGB

Emplea las luces aditivas de color cálido (por ejemplo, amarillo, rojo y naranja) junto con otra luz fría (azul o violeta). Al combinar estas luces, podrás generar tonalidades neutras que permiten registrar mejor el movimiento sin distraer demasiado con colores saturados. Considera incluir luz de fondo con un color que contraste con el vestuario o el entorno del modelo. Por ejemplo, si tu modelo está vistiendo ropa de color verde, podrías utilizar una luz azul para hacer que el fondo parezca más oscuro y definido, lo cual también ayuda a enfatizar el movimiento del modelo contra ese fondo. La manera más eficiente de agregar color a la luz será utilizando filtros de color (gel de color) sobre las luces existentes para modificar sus colores. Esto te permite personalizar cada fuente de luz según tus preferencias y necesidades creativas. Una vez que has elegido y configurado las luces con colores deseados, sigue estos pasos básicos para enfatizar el movimiento, coloca las luces en posiciones que permitan iluminar selectivamente diferentes partes del modelo.

Moviliza las luces de forma coordinada con el movimiento del modelo para que las áreas iluminadas coincidan con los momentos claves de la actuación. Por lo general, la fórmula mágica para una buena foto será fundamentarse en los colores de un círculo cromático es que un color sea dominante y el resto sean complementarios al color principal.

Experimenta con diferentes velocidades de obturación (si utilizas flashes clásicos  no superes 1/200) para controlar la cantidad de movimiento registrado por la cámara. Es importante recordar que aunque la técnica de "pintar con luz" puede ser empleada con colores, no es necesario que todos los elementos de la imagen estén iluminados con colores. Lo fundamental es encontrar equilibrios visuales interesantes y coherentes que transmitan la intencionalidad artística detrás de cada obra.

Te comparto contigo un par de tutoriales, espero te sean útiles: Tutorial 1, Tutorial 2.

Si tienes un fondo neutro oscuro te vendrá bien vestir colores pastel o blanco para lograr un contraste más alto. No olvides agregar aceite mineral para bebé sobre la piel visible del modelo para aumentar la reflexión de los colores y favorecer los volúmenes. Comenta y comparte con nuestra comunidad ¿Qué has descubierto hoy al finalizar esta lectura? ¿Ya tienes ganas de producir tu primer retrato pintado con luz? ¿Con qué colores deseas iniciar?

Qué estés bien,

Cómo posar cool y no morir en el intento.

¿Sientes que estás ante un buen amigo o te sientes amenazado y vulnerable frente a la cámara? Saber posar más o menos bien frente a una cámara de fotografía es importante, pues influye en el resultado de la imagen. Y finalmente, sí dominas posar y gesticular correctamente la imagen lograda hablará bien de ti. La buena noticia es que sí es posible adoptar el lenguaje corporal que te va a favorecer y así lograr que cada retrato se exprese -elocuentemente- a favor tuyo.

El lenguaje corporal en el entorno de un retrato fotográfico, se refiere a la comunicación no verbal que se transmite a través de tu postura, tus gestos y las expresiones del cuerpo. En la fotografía de retrato el lenguaje corporal es fundamental para expresar emociones, sentimientos y estados de ánimo con quienes la observen. Cada gesto, postura o expresión corporal puede transmitir sensaciones y mensajes específicos, lo que permite imprimirle la emoción precisa y el significado a la imagen fotográfica. Por ejemplo, habrá que considerar el ángulo de giro, la mirada, la posición de los hombros, los pies y las manos, entre otros, pueden influir en la interpretación de la fotografía. Conocer y utilizar el lenguaje corporal en un retrato fotográfico permite al fotógrafo y al modelo comunicar de manera efectiva la historia que desean contar a través de la imagen.

Los fotógrafos pueden aprovechar el lenguaje corporal para crear retratos que transmitan un mensaje específico. Por ejemplo, un fotógrafo que quiera crear un retrato de un ejecutivo exitoso puede elegir una pose que transmita confianza y autoridad. Un fotógrafo que quiera crear un retrato de una persona artística puede elegir una pose que transmita apertura y creatividad. Al elegir una pose para un retrato, es importante considerar el mensaje que se quiere transmitir. El fotógrafo puede trabajar con el modelo para encontrar una pose que sea cómoda y que transmita la imagen deseada. ¿Qué podemos provocar en el observador con una pose? Pues, varias cosas. Toma nota de algunas:

Confianza: Una postura erguida, con los hombros hacia atrás y la cabeza alta, transmite una imagen de confianza y seguridad. Por ejemplo, una persona que se sienta erguida en una silla o que se pare con los pies separados y los hombros hacia atrás, transmitirá una imagen de confianza y autoridad.

Timidez: Una postura encorvada, con los hombros hacia abajo y la cabeza baja, transmite una imagen de timidez o inseguridad. Por ejemplo, una persona que se siente encorvada en una silla o que se pare con los pies juntos y los hombros hacia abajo, transmitirá una imagen de timidez o inseguridad.

Apertura: Una postura abierta, con los brazos y las piernas relajados, transmite una imagen de apertura y receptividad. Por ejemplo, una persona que se sienta con los brazos apoyados en los reposabrazos o que se pare con los brazos a los lados, transmitirá una imagen de apertura y receptividad.

Cierre: Una postura cerrada, con los brazos y las piernas cruzados, transmite una imagen de cierre o distancia. Por ejemplo, una persona que se siente con los brazos cruzados o que se pare con las manos en los bolsillos, transmitirá una imagen de cierre o distancia.

Agresión: Una postura agresiva, con los brazos y las piernas extendidos, transmite una imagen de agresión o fuerza. Por ejemplo, una persona que se siente con los brazos extendidos o que se pare con los pies separados y las manos en las caderas, transmitirá una imagen de agresión o fuerza.

Al posar correctamente, se puede transmitir la emoción y el mensaje deseados, evitando posturas forzadas y antinaturales. La pose y el lenguaje corporal resultan fundamentales para expresar emociones y narrar una historia en la fotografía, especialmente en el caso de la fotografía de moda y en retratos casuales. Además, al posar con movimiento, se puede lograr una imagen más natural y menos forzada. En resumen, posar bien frente a una cámara es crucial para capturar la esencia del momento y transmitir la emoción deseada a través de la imagen.

Posar para una cámara de fotografía es la acción de adoptar una determinada postura o expresión facial ante la cámara con el objetivo de obtener una imagen estéticamente agradable. El objetivo del fotógrafo es capturar la esencia del sujeto o la escena a través de la pose.

Así que habrá que mantener en el foco de nuestra atención algunos factores claves que te van a acercar a ese retrato genial que estás buscando para tu próxima foto:

La postura: Es uno de los elementos más importantes a la hora de posar. Debe ser natural y relajada, pero también debe ser expresiva y atractiva. Se debe prestar atención a la posición de la espalda, los hombros, las caderas y las piernas.

La expresión facial: Se trata de otro elemento clave. Debe ser natural y sincera, pero también debe ser expresiva y atractiva. Se debe prestar atención a los ojos, la boca y la sonrisa. Una sonrisa sincera y natural es una de las expresiones faciales más favorecedoras en un retrato. Transmite alegría, felicidad y positividad. Prueba con una sonrisa amplia y plena, una sonrisa suave que muestre una línea de diente, una sonrisa con los labios juntos y una suave curva en la comisura de la boca, y finalmente sin sonrisa, los ojos son la ventana al alma, por lo que es importante que estén bien abiertos y bien iluminados. ¡Sonríe con tus ojos! Esto ayudará a que la mirada sea más expresiva y atractiva, una postura erguida y segura transmite confianza y seguridad en uno mismo. Un lenguaje corporal relajado y natural ayudará a que la foto sea más natural y espontánea. La mirada hacia un lado puede transmitir misterio, sensualidad o coquetería, un leve levantamiento de la ceja puede transmitir sorpresa, curiosidad o interés, un labio inferior mordido puede transmitir sensualidad o timidez, tocarse el cabello puede transmitir nerviosismo, coquetería o confianza en uno mismo. ¿Qué otras ideas te funcionan bien a ti?

La iluminación: Es un factor fundamental para obtener una buena fotografía. La luz debe ser suave y uniforme, para evitar sombras y contrastes demasiado marcados.

El ángulo de visión: También conocido como el POV o punto de vista, es el punto desde el que se toma la fotografía. Se puede elegir un ángulo alto, bajo, frontal, lateral o de espaldas. El ángulo elegido puede ayudar a resaltar o disimular ciertas características del sujeto o la escena.

Pose de brazos en jarra: Llevar las manos a las caderas y estilizar los brazos, separando un poco las piernas para resaltar la cintura y destacar la elegancia de la postura.

Pose de piernas separadas: Parar de lado y colocar una pierna frente a la otra, con la pierna de atrás relajada y el peso descansando sobre ella. Esta pose hace que las piernas y caderas luzcan más delgadas.

Pose de cruzar los tobillos: Para las fotografías de sentada, cruce los tobillos y no toda la pierna, especialmente si se usa una falda o vestido. Esta pose permite mostrar solo un poco de pierna y mantener una silueta delgada.

Pose de pie frente a la cámara: Mantener el cuerpo erguido, con las piernas separadas y los brazos en jarra, para resaltar la altura y la delgadez de la persona.

Ahora hablemos de algunos grupos de poses que nos van a facilitar nuestro proceso de seleccionar aquella pose idónea. Observemos algunas opciones:

Posar de pie: Son las más comunes. Se pueden realizar mostrándonos de frente, de espaldas, de perfil o en ángulo.

Posar sentado: Las poses sentadas son una buena opción para personas con sobrepeso o con problemas de movilidad.

Posar acostado: Las poses tumbadas son una buena opción para personas con mucho busto o con una figura curvilínea, bien sea sobre la espalda o sobre el abdomen.

Posar con objetos: Los accesorios pueden ayudar a crear mayor interés y dinamismo en la fotografía. Los accesorios vintage o retro, de otra época, tecnologías de punta de la oficina o para el hogar. Los fotógrafos de retratos casuales -también- incluyen usar objetos para crear triángulos en sus imágenes.

Se puede sostener un paraguas o una cámara, creando un triángulo. O bien, el modelo puede sentarse sobre una silla o un banco, creando un triángulo con el asiento y el respaldo.

El cuerpo y las poses que incluyen triángulos pueden producir resultados estéticamente geniales. Esto se debe a que los triángulos son una forma geométrica fuerte y atractiva que puede agregar interés y profundidad a una imagen. Además, pueden ayudar a estilizar el cuerpo, creando una apariencia más delgada y más elegante. Aquí hay algunos ejemplos de cómo se pueden usar los triángulos en las poses de retratos fotográficos: Los brazos y las piernas pueden formar triángulos. Por ejemplo, una persona puede colocar un brazo sobre la cabeza y otro en la cadera, creando un triángulo invertido. O, una persona puede cruzar las piernas, formando un triángulo rectángulo.

El cuerpo completo o las extremidades pueden sugerir poses donde observamos triángulos. Por ejemplo, una persona puede inclinarse hacia adelante, creando un triángulo recto con su cuerpo y el suelo. O, una persona puede sentarse en el suelo, con las piernas dobladas hacia atrás, creando un triángulo invertido.

Al usar los triángulos en las poses de retratos fotográficos, es importante tener en cuenta la composición de la imagen. Los triángulos deben estar colocados de manera estratégica para crear un equilibrio y un interés visual. El uso de triángulos en la composición fotográfica puede ayudar a crear estructura, equilibrio y dinamismo en las imágenes, y puede ser explorado de muchas maneras diferentes, dependiendo de la visión artística del fotógrafo.

Aquí hay algunos consejos para usar triángulos en las poses de retratos fotográficos que podremos revisar a continuación. Experimentar con diferentes posiciones y ángulos. No tenga miedo de probar diferentes opciones para así explorar y ver qué funciona nos mejor. Considere la altura del sujeto. Los triángulos pueden ayudar a estilizar el cuerpo, pero es importante que estén equilibrados. Las poses de retratos casuales utilizan triángulos se suelen utilizar para crear una sensación de equilibrio y dinamismo en la imagen.

Recordemos un poco qué son los triángulos: Un triángulo rectángulo es un triángulo que tiene un ángulo recto, es decir, un ángulo de 90 grados. Los otros dos ángulos de un triángulo rectángulo suman 90 grados. Los lados de un triángulo rectángulo se denominan hipotenusa, cateto opuesto y cateto adyacente. La hipotenusa es el lado opuesto al ángulo recto. Los catetos son los lados adyacentes al ángulo recto. Un triángulo equilátero es un triángulo que tiene tres lados iguales. Esto significa que todos los lados tienen la misma longitud. Los ángulos internos de un triángulo equilátero también son iguales. Cada ángulo tiene una medida de 60 grados.Un triángulo equilátero es un tipo de polígono regular. Esto significa que todos sus lados tienen la misma longitud y todos sus ángulos internos tienen la misma medida. Algunas de las poses de retratos más comunes que utilizan triángulos incluyen:

La pose de la "A", donde el modelo coloca los brazos en forma de A, creando un triángulo invertido. Esta pose es muy versátil y se puede utilizar para una variedad de estilos. 

La pose de la "V", donde el modelo coloca los brazos en forma de V, creando un triángulo rectángulo. Esta pose es más dramática que la pose de la "A" y se puede utilizar para crear una sensación de movimiento y energía. ¿Qué aprendiste hoy, qué has descubierto, qué fue eso no sabías hace sólo 5 minutos, qué te sorprendió más?

¿Te gustaría? Para el cierre de este post, si nos tomamos un par de minutos para observar algunos proyectos donde las poses basadas en triángulos se aplican en proyectos de alto presupuesto. Analiza, define si el triángulo aplicado es equilátero o triángulo rectángulo, define si la base es más corta o más larga, la modelo está en reposo o en movimiento, qué tipo de fondo se ha utilizado en este retrato entre otros detalles a descubrir:

Que estés bien.