Entro o no entro a la sala. El póster de película.

Muy probablemente, alguna vez, pasaste por un cine y entraste a curiosear por su lobbie. Caminaste por allí y te fuiste directo a las cajas de luz con los posters de los próximos estrenos para estar informado de que película podría ser la próxima que irías a ver en tu tiempo libre. O bien, preparando tu cita o solamente andabas por allí y fuiste atraído por el diseño del póster, nada más.

El afiche para películas de cine ¿vende o no vende?

Los afiches de películas tienen una gran responsabilidad; deben informar a las grandes audiencias y persuadir a éstas de entrar a la sala y ver la película. Son el gancho, son el llamador de atención más importante para completar la decisión de compra y pasar por fin a la sala, y así recuperar la inversión de la producción, y generar las utilidades que los bancos y demás inversionistas están esperando.

Origen. Los afiches de películas o movie poster inician su vida justo en el mismo lugar que dio vida a las imágenes con movimiento, y casualmente al mismo afiche como tal. Desde Francia inicia su andadura para invitar al público a visitar la proyección. Los carteles cinematográficos, son usados por la industria del cine para la promoción publicitaria de sus películas. Estos afiches no son de un único diseño y tamaño, se usan en distintos idiomas, mercados y soportes. El 26 de diciembre de 1895, desde el Grand Café de París,  iniciamos el uso del póster de películas por encargo de los hermanos Lumiére y su corto L’Arroseur arrosé (El regador mojado), y que fue ilustrado por Marcelino Auzolle (1862-1942).

Afiche diseñado por Marcelino Auzolle.

Al principio del siglo XX, las películas usaban tamaños de papel publicitario heredados del vodevil, ferias y el circo. Estas medidas fueron una hoja (27" x 41"), triple hojas (41" x 81"), seis hojas (81" x 81") y los pósteres 24 hojas (246" x 108"). Con el crecimiento numérico de las salas de cine a inicios del pasado siglo, hubo la necesidad variar de tamaños; más especializados.  Los afiches para promocionar películas en el cine se estandarizaron inicialmente a la medida 17 pulgadas de ancho, por 41" de alto, medida que fue definida por Thomas Alba Edison. Ya en los años 20, del pasado siglo XX, los contenidos sufren algunos cambios para favorecer a los públicos con baja lecturabilidad y analfabetismo con imágenes que destacaban los rostros de las estrellas del cine de esos años y que empiezan a utilizar los slogans con alguna frecuencia importante, más no disponible en todos.

Antes de fines de la década de 1930, los estudios de cine eran responsables de la distribución de material de marketing (como carteles de películas) a la gran cantidad de cines en todos los EUA que exhibirían sus películas. Esto requería que cada estudio tuviera un almacén en cada ciudad importante para almacenar y administrar la distribución de su propio material de marketing. Algunas agencias de diseño de material promocional para películas que destacan a nivel mundial por sus proyectos están disponibles en este Link.

Las medidas de afiche para promocionar las películas no se han mantenido sin cambios, han surgido diversas medidas para una variedad de usos. Por ejemplo:

27 x 41″ (Una hoja)

22 x 28″ (Paisaje horizontal)

14 x 36″ (Retrato vertical)

14 x 22″ (Ventana)

41 x 54″ (Doble hoja)

41 x 81″ (Triple hoja)

30" x 40″, 40" x 60", y 81" x 81″ (Cuadrados).

Surgió también el póster de "24 hojas" era exactamente 24 veces el tamaño de una hoja normal. Éste ya se usaba para anunciar los circos, las ferias y vodevil. Con el crecimiento del automóvil, los productores reconocieron que estas vallas publicitarias espectaculares se podían ver desde gran distancia cuando se transportaban en un automóvil. Durante la década de los 30, había más creatividad en la historia del póster que en el guión mismo de la película como tal. Los carteles variaron en tamaños, y experimentaron con diferentes estilos de letras.

Diseño de Reynold Brow, de 1958 para
el ataque de la mujer de 50 pies

Los estudios generalmente producían dos versiones; los carteles de una hoja y los de media hoja, cada uno con un tipo diferente diseño y mensaje. Los carteles de la Paramount Studio eran conocidos como "Estilo A" y "Estilo B". Los afiches que la MGM utilizaba se conocían como "Estilo C" o "Estilo D". Los de la Universal Pictures se conocían como "Estilo X" y "Estilo Y". A veces se lanzaron más de dos estilos, especialmente cuando se estimaba que la película era un proyecto importante.

1931, City Lights de Charlie Chaplin.

La década de 1970 fue en realidad una plataforma de lanzamiento para los éxitos de taquilla que vendrían posteriormente en la década de 1980. Donde surgieron películas como The Godfather, Rocky, Star Wars y Star Trek. Las fotografías de los actores fueron un tema recurrente de los afiches de estos años. Es en esta década, que la NSS cambia el código numérico de cada póster promocional, antes éstos eran escritos a mano, en el año de 1977 se inicia la impresión tipográfica de éste. Para el año de 1978, el código NSS pasó a ser un número único.

Aunque los carteles de esta época continuaron con el uso de la fotografía, a veces se usaban estilos de ilustración y pintura. Artistas famosos como Ansel Adams, Frank Frazetta y Bob Peak crearon algunos carteles populares de esta época.
Desde el año de 1940 a 1984 funcionó un sistema nacional centralizado de impresión, y distribución de afiches para promoción de la películas en los Estados Unidos y se conoció como el Servicio Nacional de Pantallas (NSS), los teatros debían devolver los póster al terminar su exhibición. A fines de la década de 1990, solo quedaban tres oficinas regionales. Un pequeño porcentaje (aproximadamente el 15%) de los materiales publicitarios en papel de las películas se gestionaban a través de estas oficinas. A partir de septiembre de 2000, Technicolor, Inc. adquirió las oficinas restantes de NSS. Technicolor planea continuar operando estas oficinas, con especial énfasis en la ventanilla única. Los teatros multiplex, de varias salas, redujeron su espacio promocional para póster por cada sala, se redujo el tamaño de éstos y la gestión de la NSS perdió importancia.

Diseño de póster estilo A de Tom Jung,
con ilustración de Greg y Tim Hidebrandt, 1977

Durante los años 80 se adoptó el uso cada vez más frecuente de un papel parecido al utilizado en las portadas de revistas, el estucado de acabado brillante o satinado. las películas de esos años venía cargadas con efectos especiales análogos y de producción que eran un gran atractivo para las audiencias. Llegaron a las salas películas como el Imperio contra ataca, Cazadores del arca perdida, El regreso del Jedi, Volver al futuro, y muchas otras.

También surgen las múltiples salas (multiplex) en un mismo cine, ahora podíamos ir al cine a ver una película y escoger entre varias opciones de películas en diferentes salas.

Póster ilustrado por Roger Kastle. 1980.

Póster diseñado en 1980, por Noriyoshi Ohrai.

La hoja única continúa siendo muy utilizada en la actualidad. Algunos estudios de cine lo han achicado hasta 27" x 40" (686 x 1016 mm). Este formato es el más utilizado actualmente, se diseña con una resolución de 300 DPI. Muchos estudios han decidido utilizar la "mini hoja". Estos no son de tamaño estándar y se pueden usar para reemplazar muchos de los viejos favoritos, como inserciones, medias hojas. Las "mini hojas" a veces se usan como artículos promocionales. También se utilizan soportes, móviles y pantallas planas. Además, los carteles hechos para TV por cable y películas de televisión en red también han tenido un importante impacto. A inicios del siglo XX las ilustraciones de algunas escenas se volvieron el tema del cartel en la gran mayoría de los casos. En muchas salas de cine podemos ver movie trailers (avances o extras) de los próximo estrenos de manera interminable en pantallas planas de alta definición, y éstas cada vez son más, y menos el espacio para el póster.

La fotografía sigue siendo un gran imán para audiencias
en el diseño de afiches para películas.

Por la MPAA no solamente pasan este proceso de calificación las películas que miramos cada fin de semana, sino también alrededor de 60,000 piezas publicitarias anualmente, desde spots de TV, publicidad gráfica incluidos los afiches de películas, publicidad exterior, cuñas de radio, afiches y demás material BTL que se utiliza en la promoción de las mismas películas.

Cabe destacar a un par entre las muchas agencias de diseño de pósters para películas a In sync plus, e Ignition Creative. Entre los diseñadores también hay personajes destacados como el norteamericano de origen chino Thomas Jung o Tom Jung, nació el 13 de febrero de 1942. Es un director de arte publicitario, diseñador gráfico e ilustrador que es mejor conocido por su póster de cine y su trabajo como artista de guiones gráficos (story boards). Estudió en la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston, Massachusetts. Mientras estudiaba su segundo año fue reclutado por el ejército de los EUA, y durante este tiempo en Fort Jackson en Columbia, Carolina del Sur, trabajó en el periódico Fort Jackson Leader como dibujante editorial, diseñando e ilustrando principalmente mensajes de servicio público. Después de su baja del ejército, trabajó como ilustrador autónomo y director de arte en muchas agencias de publicidad conocidas en Nueva York. En 1958, fue contratado por Ben Adler Advertising Services Inc. para rediseñar campañas publicitarias para películas extranjeras para adaptarse a una audiencia estadounidense. Creó libros de prensa y carteles que se distribuyeron a cines de propiedad independiente en todo el país.

En 1963, trabajó como director de arte independiente para Metro-Goldwyn-Mayer, donde diseñó carteles para títulos como Doctor Zhivago, Grand Prix, Far from the Madding Crowd, Ice Station Zebra y The Shoes of the Fisherman. El proceso de diseño en MGM fue increíblemente lento y significó ilustrar múltiples conceptos de póster, cuidadosamente ilustrados a lápiz o carbón con o sin líneas de copia y créditos en posición para su aprobación. Una vez aprobados, estos serían entregados al ilustrador seleccionado para preparar una pintura a todo color. En 1973, Tom trabajó en la obra de arte para Papilion.

Él dijo: "Era obvio que Dustin Hoffman y Steve McQueen tenían roles únicos en Papillon, Steve representaba, en ese momento, un instinto de desafío con el que cualquier persona se identificaría... desafío contra la opresión y la autoridad. El póster realizado con este tema se fusionó perfectamente con el ambiente de la película...Mientras trabajaba como ilustrador independiente en 1977, Tom fue elegido para trabajar en Star Wars.

Layout estilo A para el lanzamiento de Star Wars.

Antes de completar la obra de arte, se le dio el tema de Good Over Evil, junto con fotos en color y fotografías en blanco y negro de 2.25 pulgadas en hojas de contacto tomadas de la impresión original de 35 mm de la película. Su trabajo se utilizó en la hoja Estilo A. Según Tom, la "cruz" formada por el sable de luz de Luke Skywalker contra la imagen de fondo del fantasma de Darth Vader fue el homenaje de Tom al clásico enfrentamiento entre el bien contra el mal. Tom solía usar a miembros de su familia como modelos. Cuando trabajó en el diseño del póster de Star Wars y con Frank Frazetta en mente, usó a su hijo Jeff como Luke Skywalker y a su esposa Kay como princesa Leia. Después de la discusión, se decidió que Tom completaría la ilustración.
Entre los póster que mayor impacto por su diseño nos han dejado podemos destacar algunos. ¿Cuál otro merece ser incluido en la lista?

Para los nostálgicos de 50 a 60 años que crecieron asistiendo a las salas de cine, Drew Struzan (Howard Drew Struzansky) es un nombre que evoca memorias imborrables. Fue el artista detrás de los carteles que marcaron la infancia y juventud de muchas personas, como los carteles de Star Wars, Indiana Jones y Regreso al Futuro. Su estilo hiperrealista y mágico lograba capturar la esencia de cada película, desde la imponente figura de Darth Vader hasta el sombrero inconfundible de Indiana Jones. Para estos sectores, Struzan no solo fue un ilustrador, sino un creador de sueños visuales que definieron toda una era del cine. Muchas de sus obras fueron acompañadas de anécdotas entrañables, como su colaboración con George Lucas para el póster del reestreno de Star Wars en 1978 que lo catapultó a la fama y lo convirtió en el favorito de directores legendarios como Steven Spielberg. Su obra también incluye portadas de discos de bandas como Black Sabbath y Alice Cooper, demostrando su gran versatilidad artística.

Para los más jóvenes que apenas están descubriendo su trabajo, Drew Struzan es el maestro que creó las imágenes icónicas que asociamos con algunas de las franquicias más grandes del cine. Aunque hoy en día la era digital domina la producción de carteles, Struzan es recordado por su talento en la pintura tradicional al óleo y aerografía, con un detalle y una expresividad que pocos igualaron. Su legado es el arte que dio vida y emoción a personajes como Luke Skywalker, Indiana Jones y Harry Potter antes de los elementos digitales, influyendo en la forma en que percibimos estas historias. Su trabajo forma parte fundamental de la cultura popular y ayuda a entender cómo se construyó visualmente la magia del cine en el siglo 20 de la era cristiana. Además, su vida y obra quedan reflejadas en el documental "Drew: The Man Behind the Poster", que es una puerta perfecta para que las nuevas generaciones conozcan y admiren su arte.

Para quienes crecimos en las décadas en que el cine vivimos como una experiencia casi mágica, Drew Struzan fue mucho más que un ilustrador; fue el encargado de darles rostro a nuestros sueños en los pasillos de los cines. Sus carteles, desde los emocionantes carteles de Star Wars hasta las aventuras de Indiana Jones, eran la promesa visual de historias inolvidables que nos atrapaban desde el lobby. Guillermo del Toro, un artista que también formó parte de esa generación, lo define como un gigante entre gigantes: alguien que no solo pintaba carteles, sino que hilaba emociones y nos conectaba profundamente con las películas antes de que empezaran.

Steven Spielberg tiene una admiración profunda y sincera por el trabajo de Drew Struzan. Lo descrito como un creador de “arte para eventos”, cuya habilidad convirtió muchas de sus películas en verdaderos destinos culturales. Spielberg valoraba la capacidad única de Struzan para capturar no solo la imagen, sino la esencia misma de una película en un solo cuadro, superando incluso la fuerza de la propia película en algunos casos, como lo hizo con el cartel de "ET, el extraterrestre", para el cual prefirió una pintura en lugar de una fotografía. Además, Spielberg reconocía que Struzan tenía un estilo propio e inventado, incomparable y sin igual en el mundo del cartelismo cinematográfico.

Cada ilustración de Struzan, con su detallado arte a mano, era como un portal que transportaba nuestra imaginación a mundos fantásticos. Para muchos fue un punto de referencia, un lenguaje visual que formó parte esencial de nuestra adolescencia. Del Toro, que le confió los carteles de "Hellboy" y "El laberinto del fauno", reflexiona sobre su enorme influencia y la pérdida que representa su partida, recordándonos que el cine y sus imágenes nunca serán iguales sin su talento único.

Recordar a Drew Struzan es volver a esos momentos en que el simple hecho de mirar un póster en el cine encendía en nosotros la aventura, la nostalgia y la emoción pura. En cada trazo suyo vive la historia de una época dorada del cine, la cual fue iluminada por su genialidad artística y su profunda humanidad, dejando una huella imborrable en nuestros corazones y en la cultura cinematográfica mundial.

El autor de este post es publicitario, creativo y productor audiovisual y ha incursionado exitosamente como docente universitario para el Instituto de Mercadotecnia y Publicidad de México, así como en la UNITEC en Honduras desde hace más de veinte años. Es asesor publicitario independiente, redactor de artículos sobre publicidad, conferencista y blogger.

Michael Bendeck, una charla para nada fria.

El paletero ©  (Movie trailer)

Hace unos años atrás tuve el enorme gusto de conocer a un chico que soñaba con hacer buen cine desde su propio país, recién en esos días había​ regresado de completar sus estudios de cinematografía en La Florida (EUA). Hoy tengo el gusto de compartir contigo a través de esta simpática charla virtual con Michael Bendeck quien ahora mismo tiene en sala su proyecto audiovisual El Paletero© , creo que ya para esta fecha ya habrás disfrutado de éste o estás próximo a pasar a ver la película y experimentar del buen cine digital hecho en Honduras. Para el público internacional bien vale aclarar que un paletero, es un vendedor ambulante que empuja un carrito de 3 ruedas con una hielera donde guarda helados y paletas de varios sabores, camina por las calles  y se anuncia haciendo sonar un par de campanillas, mientras grita ¡Paletas, van las paletas!

Michael Bendeck durante el rodaje de El Paletero© .

Ahora mismo y sin más doy paso a Michael para que él nos platique un poco sobre su origen.

"Nací en Tegucigalpa en 1984. Crecí rodeado de mis tres hermanas, mi mamá y papá. Somos una familia muy unida y considero que el carácter de mis padres me enseñó a nunca bajar los brazos y a afrontar todos los trabajos con tenacidad y mucha dedicación. Podría decir que mi interés por el cine empezó cuando miraba programas de detrás de cámaras de las películas donde muestran como hacen las escenas y las tomas más increíbles de la industria del cine como Movie Magic. Era muy interesante descubrir cómo era el proceso de hacer películas. Luego, cuando salieron unos proyectos de cortometrajes en mi colegio (Aldebarán) surgió también la oportunidad de dirigir mi primer cortometraje que era una escena de "La Odisea".

También nos confesó que todavía disfruta comer de los helados (paletas) de leche y agua por igual, aunque si prefiere los de sabor a fruta de naranja.

El cine y Michael, el primer encuentro. "Cuando ingrese a un community college en el estado de La Florida en los EUA, tomé algunos cursos de guión y producción. En ese momento todavía llevaba las clases generales, así que tomé la decisión de que el cine iba a ser a lo que me dedicaría toda mi vida.  Justo en ese momento apliqué a UCF (University of Central Florida) y logré ingresar a la facultad de cine ya en mi segundo intento. La película que vino a inquietar mi vida no fue sólo una, en realidad fue la saga de Star Wars y luego mi gusto fue evolucionando con el cine de Robert Zemeckis (Forrest Gump) y Terry Gilliam (12 Monkeys)."

"Mis primeras experiencias fueron con una handy cam -recuerdan esas cámaras caseras que usábamos antes de los teléfonos celulares inteligentes con cámara 4K- realizando un cortometraje en los años de la escuela secundaria. Luego para aplicar a la facultad de cine realicé varios cortometrajes con el valioso apoyo de mis compañeros de escuela. Uno de ellos llamado 'Radio', grabado con una Panasonic DVX100, con un toque de ciencia ficción; y otro corto llamado 'Trine', con una temática de sueños e igual con toques de ciencia ficción. La realización de estos cortos fue totalmente empírica, pero siempre valoro que se realizaron con mucha pasión."

Entre los directores que gusta ver en la sala de cine está Quentin Jerome Tarantino. Entre sus proyectos favoritos están Django, Inglorious Bastards y Pulp Fiction. Michael, se tomó tiempo para explicarnos sobre las historias que a él le gusta contar a través de sus audiovisuales y como estructura los guiones que redacta. "Mi género favorito y el que quiero contar más es el de ciencia ficción y terror así como los dramas de suspenso o thrillers. Siempre me gusta dejar un poco de misterio y dejar algo a la imaginación del público. No dar todas las respuestas. La vida en general no siempre te da toda las respuestas."

Para Bendeck, el cine es una combinación entre la ventana de nuestros sueños y el espejo de nuestra realidad. "En el cine se puede reflejar la realidad en un mundo ficticio que siempre estará basado en elementos de nuestro diario vivir de donde viene la inspiración. La diferencia es que en el cine podemos aumentar o exagerar esa realidad y también podemos desviar o crear mundos fantásticos en los cuales podemos reflejar por medio de analogías y símbolos situaciones de la vida misma, y quizás haciéndolo de una manera indirecta y mucho más creativa."

En Honduras algo bueno está pasando y cada vez más vemos buenos proyectos de cine digital que llegan a la sala. Unos más, otros menos, hay buenos guiones, mejores producciones, buen casting y scouting. Bendeck considera que sí se puede hacer buen cine en el país. "Ya tenemos equipo técnico capacitado, cada vez van mejorando lo técnico y lo artístico. En la misma medida que tengamos más escuelas de cine estaremos listos para tener una industria competitiva a nivel latinoamericano y mundial."

Poster de El Paletero © 

Aprovechamos el momentum y le consultamos sobre su nuevo proyecto 'El Paletero', y esto fue lo que nos adelantó sobre el personaje principal: -Puedo decir que el amor que tiene un hijo por su madre es tan grande que hará hasta lo imposible por honrarla y hacerle justicia. También nos muestra que en las situaciones más difíciles e injustas de nuestra vida, debemos tomar valor y enfrentar a los miedos y a los gigantes, y luchar para que se dé la justicia.

"Mi mensaje para los más jóvenes realizadores de cine digital en Honduras es que nunca se den por vencidos, que siempre estén creando. Ya sea que se trate de producir cortometrajes, redactando increíbles guiones, o desarrollando proyectos cinematográficos. En este momento estamos viviendo en la época de la democratización del cine. En esta era digital es mucho más accesible lograr producir una película, igual se trate de un proyecto con alto o bajo presupuesto, las ventanas de distribución hoy son más amplias, y hay varias formas de entrar a la industria local e internacional. Solo vean el ejemplo de cómo ha incrementado este año 2016 la cantidad de producciones hondureñas. Sigan adelante, y lleven sus historias a la pantalla grande y al público."

Quiero agradecer a Mauricio Pineda (MauPin) por dejarme charlar -un poco-contigo acerca de mis inicios e invitar a los miles de lectores de los Pensamientos Maupinianos a disfrutar las producciones cinematográficas hondureñas. También les invito para que continúen visitando las salas de cine a partir del mes de octubre y que vean con sus propios ojos la película "El Paletero©", hecha por talento hondureño, incluidos muchos ex alumnos de MauPin y debo decir que se pulieron en la producción de esta película. Los espero en el cine; el lugar donde todos nos vemos mejor y recuerden siempre  dar el máximo.

Fotografías por cortesía de Junior Álvarez y Samuel Alvarado.

Qué estés bien.

Mauricio Pineda

El autor de este post es publicitario, creativo y productor audiovisual y ha incursionado exitosamente como docente universitario para el Instituto de Mercadotecnia y Publicidad de México, así como en la UNITEC en Honduras desde hace más de veinte años. Es asesor publicitario independiente, redactor de artículos sobre publicidad, conferencista y blogger.